㈠ 關於當代美國電影~論文。。。。。。急！！！！！
美國電影中華人形象的演變
從現存的默片《嬌花濺血》（Broken Blossoms）（格里菲斯 [D. W. Griffith]執導，1919）算起，美國電影塑造華人形象已有八十五年的歷史。本文選擇六部不同時期的美國電影，歷史地分析、解讀華人形象如何成為美國大眾文化中種族、性別與政治沖突的體現。在二十世紀初，華人曾一度被塑造為熱愛和平、與人為善的形象，如《嬌花濺血》，但由於美國十九世紀末驅趕華人勞工後，「黃禍」意識的延續，好萊塢更熱衷於將華人想像為對白人構成威脅的「野蠻的」他者，如《閻將軍的苦茶》（The Bitter Tea of General Yen）（卡普拉 [Frank R. Capra]執導，1933）。到了中國抗戰及歐美二戰時期，美國宗教救世話語影響下的好萊塢及時推出了《大地》（The Good Earth）（富蘭克林[Sidney Franklin]執導，1937）之類的影片，贊揚中國婦女的勤勞勇敢及對土地的「原始情感」。而冷戰時期持續不衰的東方主義想像又投射出一批如《蘇絲黃的世界》（The World of Suzie Wong）（奎因[Richard Quine]執導，1960）宣揚西方「白馬王子」超俗愛情、東方女子感恩獻身的神話故事。美國國內60年代起日益劇烈的種族沖突也使華人一時凸顯成「模範少數族群」，「自願」同化於美國主流白人文化，在銀幕上演出了歌舞昇平的輕喜劇，如《花鼓歌舞》（Flower Drum Song）（羅傑斯[Richard Rodgers]執導，1961）。作為難得一見反思西方中心的神話影片，《蝴蝶君》（M. Butterfly）（克羅嫩貝格[David Cronenberg]執導，1993）布下性別迷陣，揭露了西方男人的情感和身份危機，精彩地顛覆了西方冷戰話語及東方主義的敘事模式。
美國電影中的華人形象可以作種種解讀。按學者馬凱蒂（Gina Marchetti）所論1：
好萊塢利用亞洲人、美籍華人及南太平洋人作為種族的他者，其目的是避免黑人和白人之間更直接的種族沖突，或逃避白人對美國本土印第安人和西班牙裔人所持悔罪及仇恨交加的復雜心情。
馬凱蒂認為好萊塢電影的敘事運作方式是神話般的，利用多種故事模式迷惑觀眾，如：強奸模式、俘虜模式、誘惑模式、救世模式、犧牲模式、悲劇愛情模式、超俗浪漫模式及同化模式等。本文所分析的影片，都在不同程度上印證了這些好萊塢電影模式經久不衰的影響力。正因為如此，揭示了這些模式的意識形態內涵及其話語運作方式，對我們更深刻地理解好萊塢有著不可忽略的現實意義。
一 《嬌花濺血》：種族危機與性別體現
《嬌花濺血》講述一位簡稱「黃人」（亦稱「程環」）的中國人離鄉背井到倫敦謀生，暗戀一位屢遭父親蹂躪的英國少女的悲劇愛情故事。影片開頭即明確表現東西方的文化差異。黃人到中國佛寺進香，祈求遠赴他鄉後的平安，但他一出寺廟，就遇上西洋水兵聚眾鬧事街頭。東方的和平和西方的暴力一方面揭示了兩種文化的差異，另一方面又體現了種族的性別定型。踏上異域後，黃人的行為與價值取向一直呈女性化，從而與愛爾蘭拳擊手巴羅所體現的西方男性化形成二元對立：前者為文弱、溫雅的店鋪伙記，後者為粗暴、強壯的酗酒工人；前者為浪漫的夢想家，沉溺鴉片，醉心審美，後者為施虐的父親，折磨女兒露西而得快感。露西為黃人店中的東方精美物品而陶醉，黃人熱心獻出絲綢衣料，讓露西得到前所未有的「家」的溫暖。這一跨種族的戀情，威脅了西方父權中心的秩序，巴羅一怒之下鞭打露西致死。趕來營救的黃人與巴羅對峙，一槍擊斃巴羅，將露西的遺體抱回店中，放於牀上，燒香超度，然後用匕首刺心自殺而亡。
馬凱蒂指出《嬌花濺血》標題本身透露了影片中「幻想」的施虐及拜物的本質：吉什（Lillian Gish）扮演的露西像一朵嬌花，生長於貧乏之地，雖如期開放，但不可避免地被蹂躪而雕謝夭折2。在影片中，導演格里菲斯為強調東方（女性式的）的溫文細膩和西方（男性式的）的蠻橫粗暴，將黃人的牀鋪同時塑造成一個戰場和祭壇。黃人先是在牀邊細心照料露西飽受創傷的心靈，然後在牀前盡力保衛露西不被巴羅帶回家，最終又在牀邊殉情自殺，完成了現世中不被認同的一段跨種族、跨文化情緣。由於格里菲斯在影片結尾時刻意營造香火縈繞的詩意氛圍和黃人凝視露西遺體和匕首時的跪拜姿態，馬凱蒂等西方學者認為黃人的自殺場景潛意識地表現了一種「戀屍情節」及視覺上的「性快感」，因此更為影片增添慾望和幻想的空間3。影片對這種慾望和幻想的定位也體現在露西身上：作為一個未成年的少女，她代表了一種超越性行為的，因此成為可望而不可及的純潔女性。
正因為露西的純潔，施虐的父親成為《嬌花濺血》被抨擊的西方男性文化的掠奪形象。格里菲斯在影片中設置了兩個象徵性的「強奸」場面。第一，巴羅手持象徵「陽具」的鞭子，鞭尾從他的腰間向前垂下，正面威脅著摔倒在地、面色驚慌的露西。第二，露西為躲避父親，藏身在窄小的儲藏間門後，而巴羅怒持利器，砸開門洞，破門而入，將露西揪出毆打。兩個象徵的「強奸」場景都表明了傳統女性在西方專橫的父權制度下的悲慘境況，也體現了影片的自虐—施虐的情節結構。
從性別的角度看，黃人所代表的是另一種當時可能令西方女性所傾心的男性美德，但卻無疑是一種在西方被視為「女性化」的男性形象。勒薩熱（Julia Lesage）稱黃人為「浪漫的英雄」，一個傾向自審、謙卑、文弱、被動而終究無能的善良人。格里菲斯正是利用這個美學化的形象來表達一種道德觀：「亞洲的文明及其利他的精神與歐美的非道德和粗糙相比而光彩耀眼。」4為了提高《嬌花濺血》的美學地位，格里菲斯的影片在紐約市首映時，設計了一出由芭蕾舞演出的序幕，因此將影片定位於貴族及中產階級才能欣賞的高級藝術品，而非當年移民眾多的紐約人花五分錢便可觀看的一般默片5。
不可否認，格里菲斯美化種族間的謙讓和互容，在某種程度上是為了緩減他早年影片《國家的誕生》（The Birth of A Nation）（1915）中對黑人歧視的描寫所造成的不良效果。這里，《嬌花濺血》對東方文明的贊美本來為的是緩解西方社會的種族沖突，希望電影觀眾提高修養，認同高雅文化。但從電影史的角度看，格里菲斯在有意無意之間為好萊塢確定了男性華人在銀幕上的一種典型的女性化形象，從此產生深遠的影響。
二 《閻將軍的苦茶》： 性威脅與俘虜情節
當然，另一類眾所周知的好萊塢男性華人形象與黃人的成另一極端——殺人不眨眼的軍閥或土匪。在《閻將軍的苦茶》里，專橫跋扈的閻將軍在中國目視無人，根本不把西方女傳教士玫根的善意勸導放在眼裡，當著玫根的面展示他下令集體槍殺戰俘而毫不眨眼的絕對權威。不過，《閻將軍的苦茶》轉而刻意營造閻將軍和玫根之間曖昧的情感游戲，因此有別於早一年發行的《上海快車》（Shanghai Express）（斯滕伯格[Josef von Sternberg]執導，1932）。
在《上海快車》中，同樣殺人不眨眼的革命黨首領是一位混血華人，在騎劫京滬快車後，對乘客中紅極一時的西方妓女「上海百合」（迪特里希[Marlene Dietrich]扮演）垂涎三尺。為脅迫「上海百合」就範，他一方面威脅要用火鉗弄瞎英國醫生（「上海百合」以前的情人），另一方面強迫「上海百合」同車廂的中國妓女慧菲與他過夜。《上海快車》因此融合了好萊塢的強奸模式和俘虜模式，強調了華人對西方人的性威脅。按弗洛伊德的理論，瞎眼是男性去勢的象徵，而革命黨首領用火鉗燙傷一個德國鴉片商則意味著象徵性的強暴佔有之舉。
《上海快車》的轉折點是慧菲意外地復仇殺死了強奸她的革命黨首領，從而解救了京滬快車上的「俘虜」，也完成了影片結尾處「上海百合」與英國醫生的愛情夢。在復仇一場戲里，導演斯滕伯格以其特有的神秘場面營造，將華裔影星黃柳霜（Anna May Wong）扮演的慧菲的巨大身影投射到牆壁上，通過撲朔迷離的光影交錯，重現了黃柳霜自《巴格達盜賊》（The Thief of Baghdad）（沃爾什[Raoul Walsh]執導，1924）之後所體現的陰險毒辣、深奧莫測的東方「龍女」或「蜘蛛女」的形象。但是，華人的性威脅一旦解除，《上海快車》即以好萊塢固有的白人之間的男女愛情大團圓結局。
回到《閻將軍的苦茶》，中國軍閥與白人女傳教士之間的愛情則難以在常規的好萊塢模式中發展。影片開頭，玫根初抵中國與她的白人未婚夫相見，不期在兵荒馬亂中落入閻將軍的行宮。與《上海快車》中的革命黨首領相反，閻將軍雖傾心玫根卻不強加己意。相反，他讓玫根盡其福音傳教的義務，自由活動於行宮中，在情感游戲之間證明了最終是誰感化了誰。由於玫根輕信閻將軍之妾，使閻將軍軍事機密外露，軍火列車被打劫一空，從此閻將軍喪盡權勢，眾叛親離。
有趣的是，隨著閻將軍權勢的削弱，他在玫根眼裡的「文明」程度則不斷增加，從一個野蠻的劊子手漸漸變成風度翩翩的紳士。閻將軍的變化在玫根的一場白日夢中充分體現出來。玫根先是夢見閻將軍以毫無浪漫色彩的游俠形象出現，這游俠酷似當時在好萊塢盛行（1926-52年間共出品四十六部）的偵探片系列《陳查理探長》（Charlie Chan）中女性化的陳查理探長，隨後閻將軍又以一副猙獰的、色情的傅滿洲的形象出現，追逐玫根不放，使她從夢中驚醒。閻將軍在玫根的夢中扮演了好萊塢假設的華人男性的兩個極端：其一，善良但女性化或無性威脅的男子，如陳查理或早期的黃人；其二，陰險野蠻的惡魔，如傅滿洲或1936-40年間影片《飛俠哥頓》（Flash Gordon）系列中要征服世界的華人奸臣「無情的明」（Ming the Merciless）。
玫根的夢既表達了好萊塢對華人男子形象二元對立的思維，也揭示了這種對立實際上來源於西方人內心的矛盾，一方面嚮往異國的奇情，另一方面又恐懼他者的威脅。與自己普通乏味的未婚夫相比，在玫根眼中的閻將軍既是性威脅又是性誘惑，等到片尾閻將軍人去財空時，玫根寧願留下來服侍閻將軍。她穿上閻將軍贈送的絲綢中裝，跪在閻將軍跟前，但一切都已太晚了，因為閻將軍此時已服毒自殺，面帶性徵服異族女性勝利後的欣慰而逝，留下玫根一人在遺棄的行宮里哀嘆人世蒼涼，命運叵測。
《閻將軍的苦茶》在一些細節上回應了《嬌花濺血》，玫根身著絲綢中裝與露西相仿，而閻將軍的自殺更與黃人相似。從象徵意義來看，這兩部影片——加上《上海快車》中革命黨首領的遇刺——都證實了好萊塢敘事模式對華人男子至少是要象徵性「去勢」的慾望，即從銀幕上根本除去華人對西方女子的性威脅。不難想像，好萊塢從此很少再編織華人男性與西方女性的愛情故事，取而代之的是西方白馬王子征服東方美女的演繹不盡的纏綿情愛（如本文第四節將述）。
三 《大地》：農婦土地與原始情感
馬凱蒂推測《閻將軍的苦茶》將中國描述成「一個任何事情都可能發生的奇異、危險、混亂的地方」，為的是轉移當年飽受經濟蕭條之害的美國觀眾的注意力6。這一推測也許言過其實，但數年後《大地》對中國災荒和貧窮的渲染，的確可能給美國觀眾一種高人一等的自豪感：美國社會已經進入了現代化，而中國人卻還在水深火熱中掙扎。美國觀眾的自豪感還可以來自他們宗教救世的信仰：中國農民像美國建國初期的拓荒者一樣，本著對土地堅定不移的信念，克服天災人禍，建立屬於自己的家園。《大地》改編自在中國生長的美國傳教士後裔賽珍珠（Pearl S. Buck）的同名英文暢銷小說，其中的基督教關聯自然不言而喻。
《大地》中的中國農婦勤勞勇敢的形象，被稱為是美國電影史上的突破，一改早先刻板的華人形象（如鴉片病鬼、滑稽廚師、洗衣店員等配角，及前文所提陰險妖女和野蠻軍閥等主角）。影片描述一位農婦歐蘭歷盡千辛萬險，生兒育女，勤儉節約，默默地幫丈夫種田持家，在荒年也堅決不肯賣地，而寧願沿途乞討到南方，維護了立家的根本，最後又為丈夫納妾安度晚年。影片結尾，歐蘭悄然病死，丈夫望著窗外的桃樹，緬懷妻子而感嘆：「歐蘭，你就是土地。」厄爾林（Richard Oehling）認為影片中中國農民對土地的熱愛是西方人無法想像的，只有在「原始的」中國才可以理解。厄爾林進一步指出，「《大地》使中國農民的形象變得真實可愛，成功奠定了後來40年代戰爭片中中國農民形象的塑造。」7誠然，另一部改編自賽珍珠小說的影片《龍籽》（Dragon Seed）（康韋[Jack Conway]與比凱[Harold S. Bucquet]聯合執導，1944）同樣渲染中國農民對土地的熱愛，為了不讓日兵收獲糧食，他們自願放火燒毀田園農庄，進山避難，讓兒女加入游擊隊保衛土地。
《大地》代表的形象突破與時局有著密切的關系。一方面，日本的入侵使中國成為美國的盟友；另一方面，好萊塢接受《上海快車》和《閻將軍的苦茶》等片在中國屢遭抗議而禁演的教訓，在《大地》拍攝時邀請中國官員預審劇本，到中國購買道具，又在洛杉磯動用眾多華人自願者參與攝制8。雖然中國官方對完成的影片不盡如意，但雷納（Luise Rainer）扮演歐蘭的成功，使她榮獲當年奧斯卡的最佳女主角大獎。值得說明的是，時至40年代，好萊塢明文規定男女主角不得由少數族群人扮演，使得白人演員為「扮黃臉」而化妝得奇形怪狀，面目全非，絲毫談不上甚麼真實或美感。
四 《蘇絲黃的世界》：白馬王子與超俗愛情
到了放映《蘇絲黃的世界》的60年代，「扮黃臉」現象已經結束，女主角已由華人扮演。這部東方主義色彩濃厚的愛情片描寫美國白人畫家羅伯特到香港尋求自我，愛上蘇絲黃小姐，克服種族、階級和文化的鴻溝，有情人終成眷屬。蘇絲第一次在輪渡遇見羅伯特即以不標準的英文宣稱自己是「美琳」，一位富家「處女」。羅伯特進入九龍城，街道兩側擁擠的貨攤、行人和車輛組成一幅東方主義視野中典型的雜亂無序的第三世界城市景象。這一景象令人回想起《上海快車》片頭京滬快車被北京古城的行人和動物阻擋的景象，而時隔近三十年，兩個景象都表示西方文明的視野對第三世界落後的無奈。然而無奈並不等同無能，在《蘇絲黃的世界》里，羅伯特即肩負起改變東方落後無知的責任。他在所住旅店的酒吧里發現「美琳」原來名叫蘇絲，是當地頗負盛名的舞妓。潑辣、迷人的蘇絲，在羅伯特面前展示自己性感的身體。為了拯救蘇絲「墮落」的靈魂，羅伯特請蘇絲作模特兒，挖掘她所體現的東方美，從而逐漸改變了她個人形象的藝術品味。
《蘇絲黃的世界》依據東方主義的典型話語模式，讓羅伯特代表西方文明的視野重新解讀「愚昧的」東方，創造出東方人所「不能理解」的「新」意義。一天，羅伯特驚訝地發現蘇絲穿了一套在街上買來的昂貴的歐式服裝，責怪她「沒有任何美感」，裝扮得像「下賤的歐洲街頭妓女」，進而將蘇絲脫個半裸，在銀幕上演了一出脫衣舞。諷刺的是，羅伯特從來不曾為蘇絲作香港街頭妓女的中國服飾提出異議。更諷刺的是，他讓蘇絲穿上他為她購買的中國古裝行頭，將她裝扮成西方人想像中的「東方公主」。這里，羅伯特重新「創造」東方，為的是強調自己的主體性：是他讓西方的「藝術品味」在不知自身價值的東方女性身上「體現」出來。他將作為古裝公主的蘇絲繪入畫中，從此創造出另一個比現實「更美」的蘇絲，而絲毫不顧蘇絲本人是否認同這種「美」的體現。
似乎單讓羅伯特在藝術上「拯救」蘇絲還不夠，《蘇絲黃的世界》又讓羅伯特在影片高潮時演出了英雄救美的驚心動魄場面。蘇絲與羅伯特同居後經常不辭而別，消失幾天後才重返。心懷疑惑的羅伯特跟蹤後發現原來蘇絲有個私生子，寄養在山上的貧民窟里。適值香港大雨傾盆，山洪暴發，危及貧民窟。蘇絲為救孩子，沖破警察的阻攔，冒雨奔向山腰。羅伯特緊跟其後，在釘蓬被洪水沖垮前救出蘇絲，但孩子已不幸身亡。影片結尾時，蘇絲在廟宇燒香為孩子的亡靈超度，答應同羅伯特移居美國，因此滿足了白馬王子的心願。如果說電影中的孩子一般代表將來，那麼蘇絲的孩子代表的便是第三世界沒有前途的將來。所以，作為第三世界貧困、落後的記憶標志，這位無辜的私生子就在好萊塢的超俗愛情故事裡輕而易舉地一筆勾銷了，因為影片要觀眾憧憬的是蘇絲脫離第三世界後與白馬王子在西方世界的幸福前程。
五 《花鼓歌舞》：移民故事與文化異同
如果說西方中心的意識形態在以上分析的電影中都以主流話語的形式出現，《花鼓歌舞》則通過華裔移民主動認同美國文化的同化模式，表現西方中心的無所不在。這部改編自暢銷百老匯歌劇的電影全部由華人扮演，通過愛情三角的價值設計和兩代移民的觀念沖突，既贊美了孝順、賢惠等傳統中國美德，又支持華人接受主流文化、享受現代文明的意願。香港在影片中是美麗和她父親非法移民的出發地，他們躲在船艙的木桶堆里漂洋過海來到舊金山。美麗自幼許配給他人，此行正是為踐婚約。父女初到舊金山，人生地不熟，幸虧美麗靈機一動，在唐人街唱一曲花鼓歌，讓有心人帶見夫婿（一位開餐館的花花公子）。但花花公子傾心舞女琳達，而琳達又愛慕吉姆。花花公子介紹美麗到吉姆的父親家暫時居住，賢惠的美麗打動了吉姆恪守中國傳統的父親，使他有心為吉姆拉線，從而使吉姆陷入兩難的三角戀。一次吉姆與琳達驅車郊遊，琳達親吻吉姆，讓他享受「美國式的」愛情表示，但如同《蘇絲黃的世界》中的羅伯特，內向的書生吉姆在咄咄逼人的新女性面前頗不自在。
《花鼓歌舞》不僅掩蓋了當年美國日益劇烈的種族沖突，抹煞歷史，粉飾太平，而且還設計了一個各取所需、皆大歡喜的大團圓結局。傾向中國傳統美德的吉姆和美麗與沉溺西方物質生活的花花公子和琳達終成眷屬，表示美國這個移民國家可以容納各種趣味、各種理想。這一「融合」主題在另一首歌曲〈大雜碎〉中得以展示：美國社會就像美國人發明的中國菜「大雜碎」，蔬菜、肉類樣樣都有，而且味道不錯。眾人高唱〈大雜碎〉這首歌的場合是吉姆的姑姑宣誓加入美國籍的日子，其用心不言而喻。作為美國「新發現的」模範少數族群，華裔似乎避免沖突而追求融合，因此成為好萊塢同化模式的最佳選擇。
不可否認，《花鼓歌舞》中歌舞昇平的唐人街只是好萊塢自欺欺人的掩飾。在西方主流文化里，唐人街如同軍閥混戰時的中國，是暴力和危險的象徵。唐人街這種惡劣的形象到了80年代仍未消解。《龍年》（Year of the Dragon）（奇米諾[Michael Cimino]執導，1985）即將紐約的唐人街描述成黑社會壟斷、暗殺成風地獄般的社區，唯有一位改姓「懷特」（White意指「白人」）、願為美國越戰戰敗而「復仇」的白人警探孤軍奮斗，對唐人街開戰。受西方中心與東方主義話語的雙重鉗制，懷特先在一次餐館槍戰中「英雄救美」，但不久就強暴了美麗的華裔電視台女記者，進而肆意佔用她的公寓進行反黑幫活動。懷特的行為再次證明「佔有異國女人即佔有異國土地」的殖民心態，只是《龍年》的異國就在紐約，而這「異國論」又進一步揭示，美國主流文化從未將唐人街視為美國本土社會的一部分。應該注意的是，80年代的美國華裔社會已漸漸成熟，華人社團聯名向好萊塢抗議影片辱華，逼使《龍年》在公映時不得不在片頭加上「純屬虛構」之類欲蓋彌彰的遁詞。
六 《蝴蝶君》：性別迷陣與身份危機
對西方中心的神話進行最徹底顛覆的影片之一是《蝴蝶君》。影片的故事在兩條重迭的線索中發展：一是冷戰時期東西方之間錯綜復雜的間諜戰，二是東方主義話語中典型的西方男子征服東方女子的愛情游戲。這里說「游戲」，是因為東西方之間猶疑不定的性別—政治迷陣的最終結局，是東方仍然是謎一樣地不可思議，而西方到頭來自欺欺人，意欲征服他人卻無情解構了自己。
影片開始，法國駐北京使館外交官加利馬爾在一次音樂會上被宋麗玲演唱義大利歌劇《蝴蝶夫人》的美妙歌聲感動，愛慕之心油然而生，主動追求宋麗玲。宋麗玲不無嘲諷地提醒加利馬爾，歌劇《蝴蝶夫人》之美是西方人幻想出來的美，不一定被東方人所認同。這部歌劇贊頌一位日本女子因美軍情人離別後哀訴其思念之情，數年後發現情人已娶白人太太而痛苦不堪，殉情自殺，以完成一種堅貞不移的理想。然而，加利馬爾無法從東方主義這種刻板的單向思維中自拔，自認是一位西方男子氣十足的白馬王子，理所當然地要征服才貌雙全的東方美女。加利馬爾幾經周折後如願以償，佔有了宋麗玲的身體，在文革中回法國後又驚喜地得知宋麗玲像《蝴蝶夫人》故事所述為他生了個孩子。當他們離別多年在法國重逢後，加利馬爾驚訝地發現過去的一切都是騙局，宋麗玲原來是中國間諜，兩人因此雙雙入獄。更驚人的是法庭宣布宋麗玲是位男性，丑聞公開後一時成為頭條新聞。
其實，這一聳人聽聞的間諜案取材於法國真實的故事，影片改編自黃哲倫的同名暢銷舞台劇。徹底顛覆西方中心神話的高潮設在影片結尾，此時宋麗玲被法國驅逐出境，乘機回國，而加利馬爾則在監獄里自演一出《蝴蝶夫人》後在極端痛苦中自殺。加利馬爾的自殺場景意韻深遠。他一邊用錄音機播放一曲哀怨的《蝴蝶夫人》，一邊以蝴蝶夫人的扮相粉墨登場，面對走廊上觀看的囚犯宣布：「我，加利馬爾，就是蝴蝶夫人。」然後用破碎的化妝鏡片自盡，而不知就裡的觀眾還在為他精彩的表演熱烈鼓掌。加利馬爾自殺表演時的誠懇自白揭示了西方想像中的東方美女最終不過是一個幻想，一個可望而不可及的概念，這個概念促使西方男子追逐幻想中的東方，最後意識到這個終生期待的幻想不在異國，而在自身的表演中！加利馬爾最精彩的自身表演也是他自我終結的時刻：他不再幻想佔有蝴蝶夫人（他原先佔有的蝴蝶夫人宋麗玲早已無情地欺騙了他），因為此時此地他自己已經成為蝴蝶夫人（一個永遠不會欺騙他的「她」）。
加利馬爾一生所竊取的間諜情報中沒有任何一條比他生命終結時所發現的事實更真實：東方主義的完美男人（白種人）和完美女人（東方人）歸根結底都不過是西方話語製造出的幻想。周蕾因此指出，加利馬爾死心塌地地按這種幻想生活，以致走向極端而自戀自身（即自己的幻想）而死13。好萊塢故事的迷惑模式在影片《蝴蝶君》中繞了一大圈後回頭顛覆了自己：西方男性（加利馬爾）—東方美女（宋麗玲）—蝴蝶夫人（宋麗玲）—蝴蝶夫人（加利馬爾）。換成性別表述，他（西方男性）所幻想的她（蝴蝶夫人）最終不過是幻想本身（他和她的一體性），西方中心內在的身份危機由此揭曉。
顯然，影片《蝴蝶君》對西方中心的顛覆是從西方男性身體（自我中心）開始做起。蘇內爾（Asuman Suner）認為，現代主義意義上的男性主體性表現在身體對自然的完全控制，一旦經歷變化、變異後身體失控，男性就因邊界的模糊或瓦解而恐慌，其主體性也瀕於崩潰，所以《蝴蝶君》不妨作為後現代的恐怖片來解讀14。由此看來，加利馬爾—蝴蝶夫人二者的可互換性從根本上瓦解了東西兩方和男女性別的界限，顛覆了西方冷戰和東方主義的雙重話語，對西方觀眾造成「恐怖」效果。影片《蝴蝶君》精彩地解構了「殖民女性」（既對女性的殖民和被殖民者的女性化）這一西方話語策略，出其不意地來一個男性殖民者（西方）自身的女性化，而且將後者作為西方殖民幻想的本質。顛覆的結果是，西方中心本身是空洞乏味的，西方（男性）的主體性是危機重重的，靠幻想東方離奇、美妙的故事（如《蝴蝶君》及其他本文分析的影片）來充實自己嚮往擴張的殖民和佔有的慾望。
影片《蝴蝶君》表明，對西方而言，東方終究是不可知的。西方想像出的華人形象宋麗玲主動向西方中心交還了東方主義所要的幻想：完美的女人（東方情人）和蝴蝶夫人（悲劇美），但他（她）同時也讓西方看到西方所不願面對的冷戰事實：「背信棄義的」中國間諜和危機重重的西方主體。宋麗玲因此同時體現了西方視野中東方的迷人（愛情）和危險（死亡），二者合力摧毀了加利馬爾（自大、自負而自欺的西方代表）。不可否認，華人形象的這種雙重性正是長期以來驅使好萊塢敘事慾望的一個動力：幻想他者，編造愛情，滿足觀眾，擴張自我。在好萊塢的想像中，華人就像隱藏在奇觀的面具背後謎一般的東方女人（華人男性因此必須女性化，從黃人到宋麗玲皆如此設計），既誘人銷魂落魄又危及生命安全。但這奇觀的面具本身也是好萊塢的虛構之一。面具背後並沒有甚麼隱藏的真實，因為這面具本身就是好萊塢的真實，或真實的好萊塢：一個奇觀的造夢機器，不停地在種族、性別與政治的交錯層面間虛構自己的故事。
並不是很完整，僅供參考，請自借鑒。
希望對您有幫助。
㈡ 紀錄片專業影評怎麼寫 為了藝考！ 急啊！！
紀錄片最大的特點就是紀實性，紀錄片的本性應當是客觀物質現實的復原。在紀錄片的創作中，集中反映不經人為控制的敘事結構，堅持紀錄片的紀實本性，並不排斥可以擁有其他屬性，如藝術性 政論性 文學性 哲理性等，但他們都服從於紀實性，而且通過紀實性來表現。通俗點說，紀錄片就是一部人物形象 環境 事件真實 真實反映生活的新片種，客觀反映 極少有編導主觀色彩。但是無論這部電影反映的一系列屬性，前提必須真實。
那麼該怎麼評紀錄片吶？在這里向大家講一個固定格式套路：結構——真實性——畫面——色彩，如果你按這個套路走的話，即使你語言不夠華麗，分數也差不到哪去，不會看著很亂，沒有條理。值得注意的一點是，在紀錄片的分析中，把握長鏡頭是非常重要的，長鏡頭伴隨紀錄片至始至終，通過長鏡頭記錄特寫畫面，用中景全景對人物的表情，景物的描述，反映人物內心世界 烘托氣氛，從而闡述現實意義，比較成功之處。
而藝術片因為不是重點（不是重點不代表不會考）在這里不多說了。但在大致套路跟記錄片差不多：結構——畫面特點——色彩，唯一不同的地方少一個真實性。除了上述，藝術片需語言優美，詞彙華麗才能體現其藝術性。
1.評主題。力求有獨到見解，深入挖掘。《秋收起義》一片多數文章都認為這部影片反映了秋收起義歷史，成功地刻畫了毛澤東的形象，將馬列主義與中國革命實踐相結合，走農村包圍城市的道路，為中國革命找到了斗爭方向。而我根據列寧關於領袖的論述和中央關於毛澤東思想的界定中認識到，影片反映了毛澤東作為一個傑出的革命領袖在斗爭中成長的歷程，也揭示了毛澤東思想形成與發展的歷史原因與過程，從這一新的視角展開評論。
2.評現實意義。也與主題有關，但更側重於現實作用，現實題材的影片如《孔繁森，我對你說》的評論重在黨員幹部的廉政愛民方面，評《離開雷鋒的日子》的《大寫的人》重在新時期學雷鋒的積極意義。歷史影片的評論也要觀照現實。
3.寫觀後感。要聯系現實，融進自我，或是褒揚先進，批語落後，針貶時弊;或是進行自我觀照，尋找差距，激勵鞭策。中小學生的影評文章多屬此類。要注意的一是不能寫成"故事簡介+自我對照"，二是要緊扣影片，而不是從影片中抽出一個話題，離開對影片的評論。如評《甲午風雲》的《透過甲午的硝煙》不是泛泛而談"落後挨打"，而是扣緊影片中政治、經濟、軍事等方面的內容，聯系歷史事實，結合世界著名海戰，對比聯想，針對當前社會不良風氣發出呼籲。評《南京大屠殺》的評論《城的斷想》圍繞"城"字做文章，從"屠城"、"紙城"、"不設防的城"、"鋼鐵長城"和"國防之城"，扣得緊、放得開、收得攏。
(二)人物評論。
這是較為普遍的評論樣式，可分為單一人物評論、同一類人物評論、不同人物的對比評論。收錄在《銀海珠光》中的評《背起爸爸上學》的4篇人物評論各有特色。《細節描寫與宏偉意象》展開了毛澤東與蔣介石的對比評論。《在炮火中升騰的雪蓮》對《紅河谷》中丹珠的形象把握個性特點，作出由表及裡、逐層深化的評析。在人物評論寫作中，最好力求不僅評析人物形象的意義，而且要結合人物塑造的方法，把握人物獨有的個性，如人物特有的行為、動作、理想、志趣、才幹，從中更深地挖掘出人物形象意義，如評《炮兵少校》的《一團寂寞的火》改變了單純著眼於對英雄人物的熱情贊頌，而更多地溶進了新時期知識分子命運的感慨和思考。
(三)美學評論(樣式、風格、審美特性等)
1.藝術樣式評論。如《不庄不諧 笑從何來》結合喜劇樣式對影片《甲方乙方》展開評論;《屏幕涌動紀實潮》從紀錄片美學特色分析紀了優秀錄片取得成功的原因;《紅河谷:動人心魄的視覺交響樂》就該片所具有的交響詩式的結構樣式進行評論。
2.藝術風格評論。如《充滿詩情的戰場寫意》通過影片《大轉折》中幾個主要戰斗場面的不同詩意內涵的分析，對該片以潑墨的方式抒發的濃郁的詩情，給人以震顫心弦的視聽感受。對於引起較大爭議的《紅色戀人》，《詩電影的意象美》從電影風格和創新的角度給予肯定。
3.審美特性評論。《對親情與人倫的呼喚》從當代悲劇審美特性入手，指出當代悲劇重在探索人類精神生活的復雜性，喚起人們對人生有價值的東西棗親情與人倫的珍視。評《小鬼當家》的文章《"小鬼"為什麼逗人喜愛》結合兒童審美心理的分析。
(四)電影特性的評論。
這類評論寫作具有較強的專業性，如對電影的語言、結構、修辭、懸念、音響、色彩、音樂、攝影、特技、表演、導演等方面的評論。試舉例如下:
1. 電影語言評論。《 紅高梁 ――中國電影走向世界的起點和成功之路》。
2. 電影結構評論。《復合交融 巧織經緯棗 平津戰役 的結構藝術》。
3. 電影修辭評論。電影修辭包括多種手法，如對比、誇張、象徵、擬人等，如《 開天闢地 中的象徵手法賞析》。
4. 電影節奏評論。《滿懷深情的韻律美棗談電影<周恩來>的節奏藝術》
5. 電影懸念評論。《懸念迭設扣人心弦棗談美國片<碟中碟>的懸念技巧》
6、電影音響評論。《摹聲會音皆有情棗<大紅燈籠高高掛>中的音響》
7. 電影色彩評論。《張藝謀為何偏愛紅色》《在"形式"中強化"意味"》。
8. 電影細節評論。《耐人尋味的"納銀密賬"》、《一串閃光的項鏈》。
9. 電影表演評論。《眼之魅》
10.電影音樂評論。
以上評論角度不是絕對的，而是相互滲透、兼容的。評論的視角可以是復合的，如評論人物，除了上述的評一個人，評一類人，或對立人物的對照分析，也可以就幾部影片或某一類影片中同類人物進行綜合分析，或對某種創作傾向進行評論。如《憂患意識與英雄主義》對美國影片普遍性的主題的分析;"新時期軍人銀幕形象剖析"、"青年女演員為什麼不能長青"、"何必都往浴缸里跳"、"丑星為什麼走紅"等論題是綜合某類影片創作傾向選的。
電影評論的文體樣式可以多種多樣，一般以論文體為主，也可以用書信體、對活體、問答體、隨感錄。近年也有散文體，散文體多以抒發情感為主，輕靈活潑、文筆優美，但一般缺少嚴密的論證，較少邏輯力量，理論色彩較單薄，在影評百花園中應當允許各種文體樣式存在。
四、影評寫作要求
(一)緊扣"電影"與"評論"。
所評論的內容必須是影片提供的，而不能從說明書和報刊故事中尋找。
要抓住電影藝術的特質，評論的對象有畫面感、運動感。讓沒有看過電影的人也能獲得對影片的大致了解，認同你的觀點。
要展開評論，明確中心，嚴密地進行說理與論證，切忌"故事加感想"或有觀點而無論證。
(二)總體把握，細部突破。
首先對一部影片有正確的總體評價，在此基礎選擇一個較小的視角深入挖掘，做到高屋建瓴，品鑒入微。避免面面俱到，人雲亦雲。
另一方面避免一葉障目，不見樹林。力求寫出鞭辟入裡的專論，不要寫泛論、散論。目前各類報刊包括專業電影報刊為了搶時效，搞"炒作"，發表的大多是新聞記者根據編導散發的資料摘編的綜合評介，陷入"故事情節+主題思想+藝術特色+演員介紹+拍攝花絮"公式。
(三)思想性與藝術性的統一。
側重於社會意義的評論要注意兼顧影片的藝術性，要用影片提供的銀幕形象進行說明與論證。有一學生寫《火燒圓明園》的影評，只是對這一歷史事件抒發感慨，全文與影片毫無關系，嚴格講這樣的文章不是影評。
側重於藝術價值的評論要把握藝術表現中體現的思想內涵。
要講究評論文章自身的藝術性。
(四)注重思辯、講究文采。
力求有自己獨到的見解，力求新穎、深刻，寧可是"深刻的片面、偉大的偏見，創造性的誤解"，不要趨同，說一些人人都明白的"正確觀點"。構思立意如同兵家謀略，"見日月不為明目，聞雷霆不為耳聰"，"出其不意，攻其不備"，以奇制勝。
注意評論語言的生動活潑、形象鮮明，注意句式長短得當、音韻和諧，既要有理論色彩，又要明白曉暢，讓理論文章給人語言美感與動情力量。
PS:
有很多人認為看電影就看電影唄，評什麼?論什麼?但事實上，在你寫影評的同時，也是讓自己回溯在這一個半小時中，你到底看了什麼?得到了什麼?再爛的片，也是有辛苦培育的工作人員，他們又是用什麼眼光來看?沒人願意製造一部人人唾棄的大爛片，那麼大家口中的爛片是否有可取之處，是否製片.導演.演員們用著不同的想法來拍攝?
這些，當你開始用心寫影評時，你的思路會愈來愈清明，想的范圍愈來愈廣大
不但可以有比他人更多的體會，也能將你的體會帶給大家
在一篇又一篇的影評中，你將會發現自己的文筆進步了，看電影時能看到更多的細微末節，能感動到心靈的深處，那麼，你成功了
當然，沒人是一蹴可磯的(除了你本身是文學創作者外)，當我自己回顧一開始寫的文章，也覺得自己的文筆生澀，眼光不夠深入，但在一篇又一篇的文章中，發現自己很自然的就長篇大論了起來，當然，現在依然不夠好
最好的一句話是-
"深刻的片面、偉大的偏見，創造性的誤解"
不是一定要中規中矩的寫影評，正面.反面.側面的見解都是很獨到
化簡為繁，化繁為簡，字字都是精采
28%寫影評，應該把握好這樣幾點：捕捉住感受點。一部電影涉及的方面很廣，需要品評的著筆點很多。這就需要對電影反復回味思考，用心靈再度感受，把握往影片中最能動聽的地方，並使之在自己的筆下得到理性的升華。
立意要新，開掘要深。寫影評要有新意，要有獨到的見解，抓往要點，自感而發。要做到有新意，一是要抓住影片內容，結合台社會現買；二是要准確把握住影片的精神本質，發掘影片本身所包括的深刻內涵。例如對張藝謀電影的剖析要緊扣住時代背景，但也不必要都從思想意義角度剖析，如鞏俐在張藝謀電影中的形象塑造，張藝謀電影中的男性形象等，都是可以開掘的領域。
要實事實是地剖析評價。魯迅先生說過：評論作品"必須壞處說壞，好處說好"，還要"知入論世".他說"倘若論文，最好的是顧及全篇，非目顧及作者全人，以及他所處的社會狀況，這有較為確鑿。"對影片作實事來是的評價，要求我們用全面的觀點，不是顧其一點，而是觀照全片。顧及編導的意圖、表演的全部以及當時的社會環境、歷史背景等等，作恰如其分的剖析與評價。不能強導演、演員、片中人物所難，求全責備。同的，我們在寫影評時，也不能人雲亦雲，如評電影《花季，雨季》時，在一片叫好聲中，有同學冷靜地認為編導將銀幕中的學生形象給拔高了，就很有思考。
要重視影片的藝術剖析。電影是通過藝術手段來表現主題、塑造人物、抒發感情的，所以影評要重視對影片藝術的高低進行剖析。這種剖析應具體詳細，由表及裡，言之有物；評價則應觀點鮮明，實事求是。在藝術評析中，字里行間滲透出電影意識，盡可能恰當地運用電影藝術名詞術語，還需要有對電影藝術的深刻感受與理性把握。這可以通過閱讀電影理論書籍和多觀賞優秀影片來解決。每年的美國奧斯卡電影大獎評選，世界各國的影展都給我們供給了這樣的機遇，雖不能親臨其境，但通過多種媒體一樣能懂得動態，捕捉到世界電影發展的最新信息。
影評寫作可以有長有短，可著眼於一部影片的一個鏡頭，也可以著眼於一種電影現象。對於我們師范生來說，要對一部影片作出全面的評價比較困難，練習寫影評，可從評論一個人物形象、一個情節、一個場面入手，可對演員演技。拍攝技能、導演意圖、影片風格、色彩、語言、音樂等進行單一的評析。隨著寫影評水平的提高，就可對某一人物形象，如影片中的學生、教師、軍人等銀幕形象發表看法，也可以從縱向談某一階段電影的回顧或某一體裁電影的回顧，剖析其得失；或從橫向談某一風格的電影，如西部電影、賀歲片、娛樂片等，或橫縱向結合，談一個導演的風格，如謝晉模式、張藝謀現象等到。初涉影評寫作不宜貪大求全，而應從一點一滴寫起，思考發掘，連綴成篇。
開始練習寫作影評時還應該注意：語言要朴實，要個性化。寫影評一定要講真話，講自己的話，不要抄襲別人的評論。唯獨自己的感受和朴實的語言，才會使自己的評論富有個性和新意，也才會給讀者帶來清新的感受。
敘議要結合，突出評論。電影最直觀可感的，影評離不開敘事。但切忌過多地敘述故事，要突出剖析寫評價。當然，所評所析不得脫離影片孤立地進行。
設計好影評的標題至關重要。一般來說，它由正副標題構成。正題——揭示文章的中心，必須簡明扼要，而又耐人尋味，能夠引起讀者的閱讀興趣，同時也能給讀者帶來審美愉悅，它是貫串全文的主線；副題——點明評論對象，交待片名或評論角度，它是正題必要的補充。二者相得益彰，能使文章增色不少。如：《歷史和時代的搏擊者——評銀幕上的111ttt.com員形象》，《悲劇在紅色中滲透——評電影＜紅高梁＞》。
我們在寫影評的進程中，要不斷總結學習他人的寫作經驗，豐盛自己的寫作實踐，在日積月累的基本上，通過影評的寫作，不斷促進我們知識結何的完善，提高我們的頎賞水平和審美能力
㈢ 為什麼說這部評分8.1的傳記電影《萬物理論》我們一定要看
如果可以，我倒希望如同電影最後的那個片段——
煙火放棄盛放降落地面，破碎被修復煥然一新，時光飛速倒流，時間坍縮到一個奇點，回到1963年牛津大學的新年晚會上。驕傲孤獨的兩個年輕人相互依偎，做一個「正常人」的天才霍金，在他萬里晴空的未來里，看不到一點坎坷。
我只是滿懷感激，我感激在這樣一個科學巨匠的故事裡，鏡頭一次次偏離那條我們熟悉的霍金，一點一點地去描述他的愛情；我感激導演用一個詩意卻科學的假設給霍金和他的愛情一個完滿的結局。
故事有多浪漫，懷念就有多深沉。
㈣ 微電影《19:55》到底在說什麼意思這微電影的片尾曲有人知道是什麼歌曲嗎
解析驚悚微電影，解析如下：
篇首
——如果你把這部電影和《僵屍叔叔》歸為一類，都稱之為恐怖片，那我就不知道說什麼了。
看完這部電影，太多人給出了疑問，或者叫做質疑。比如主角到底最後結局怎麼樣了？呂慢作為鬼怪的代表，為什麼貌似只被董宏發現而沒有被其他人注意？作為幕後黑手的庄總為什麼始終讓王總主事？夢境到底想反映什麼意思？董宏犯了什麼錯因而要受到這種不公平的懲罰？這個片到底在批判什麼？
下面不說廢話，直接切入正題。我將和看過這部影片的人分享我最原本的想法和製作思維。
1.電影情節
也許有些飽覽群書的人已經知道了，我也不用隱瞞，這個故事其實改編自一個十幾句話長的微小說。
這部微小說的意思大概是這樣：一個員工所在的公司不允許任何人加班。理由是加班會影響身體，影響效率。公司以前也有幾名員工積勞成疾不幸去世。但是一名很勤奮的女員工是個工作狂，她有天晚上因為公事回到公司，卻發現公司裡面的每台機器前都坐著一個在工作的僵屍，她瞬間恍然大悟，原來那些「積勞成疾去世的」員工其實是被老闆殺害了之後喪失了思維能力，他們只能像機器一樣每晚為老闆無償的工作，任由老闆擺布。女員工准備逃走，發現自己的照片已經被掛在了那些死去員工照片的中間。她，已經逃不出去了。
這部微小說通過很誇張的故事情節很貼切地反映了當今社會，或者說自古以來的社會制度的本質，那就是無極限的壓榨。
那麼在這片短小說的基礎上，我在劇本中做出了幾處改動。1.主角加入了比較明顯的性格缺點，並增加了反映主角思維缺陷的夢境。2.將真正的公司老闆隱藏在幕後，製造懸念。3.明確體現了一種殺戮的輪回和員工之間的斗爭。
2.夢境解釋
一個人對一個被禁止觸碰的盒子產生了慾望，在幾次觸碰之後發現沒有出現意外。隨著膨脹的慾望他開始佔有這個盒子。但是無奈他打不開這個盒子，只好先偷窺為快。結果他竟然在盒子中發現了自己，他轉而認為這是別人在戲弄他，便想找個櫃子躲起來，然後發現櫃子的鬼。
兩層含義：
{1}這很像一個犯罪的經歷，眾所周知，很多貪官都是從一點點的好奇心過度到貪得無厭。在發現自己的丑惡一面被人發現之後便揚言大罵要做掉揭露自己的人。在使勁全身招數卻無法阻止揭露者之後，貪官便想掩蓋事實，躲起來。但是法網恢恢疏而不漏，被你害死的人做鬼也不會放過你。（此處希望觀眾不要糾結是不是董宏害死了呂慢等人，因為夢境中的人物是可以互相轉化的，這里的董宏代表的是泛義的人類）
{2}手裡的盒子，身邊的櫃子，所處的屋子的形狀都是很類似的。也就是「盒子里的人手裡的盒子里的人手裡的盒子……無限循環」，代表世界上所有惡性事件的無限循環性質。
3.細節注意
1）第一幕出現的照片和最後一幕的照片：暗示著整個事件的輪回。
2）1分50秒王總的腳彷彿踏在董宏身上的鏡頭，暗示著壓迫。
3）王總沒有扣上的扣子，眼鏡框，白頭發，暗示了董宏對細節的注意程度。
4）王總身後的滿牆的員工名單，暗示著這個社會中每個人都面臨的壓迫。
5）會議室桌子上的黑布，像魔術師玩魔術時用的黑布一樣，暗示著這個公司不為人所知的一面。
6）夢裡面的董宏在做泥塑，暗示董宏可以是一個創造人類，控制人類的上帝般的角色。
7）寫著No touch的盒子是最明顯的象徵，就是生活中不能被觸犯的一切禁令。
8）董宏在夢里用影子，雕塑刀，手三次觸碰盒子，暗示了人性中組可怕的極具膨脹的貪婪心理。
9）帶有三角形的設計合同上的內容，與董宏死前看到呂慢的身份（項目設計師）相呼應。
10）7分05秒時很難懂的一幕：設計合同上高達50000000的注入資金，基金注入機構是美國一大基金協會：富達基金，公司與西班牙，美國，瑞典的合作項目都說明這個公司競爭力的不平凡。但是一個僅有兩年歷史的公司一般是不可能獲得如此大的成就的。所以董宏產生了疑惑。
11）廁所維修和電梯損壞其實都是庄總安排的圈套。
12）庄總告訴董宏盧昆的消失其實也是故意引起董宏的注意。
13）夜間打電話時公司里電閃雷鳴的多幕說明了公司每天夜間發生的黑幕。
14）注意：盧昆在QQ上提示董宏趕快逃走。這可以理解為是盧昆陷入困境之後僅存的一點人性散發出的光芒。
15）17分20秒很難懂的一幕：董宏敲門發現王總不在，但是庄雲龍卻是在屋裡出來，確定了庄雲龍一定壓在王總之上的地位。（8分58秒庄雲龍說過王總一般不讓人單獨進他的辦公室）
16）董宏在夢里頭盔盒子里時，驚訝的看見了自己的影像。此處反映了每個人的偷窺欲，控制欲和被控制，被偷窺的事實。
17）夢境結束董宏看到了盧昆當年被殺死時的畫面，也就是那個血手。
18）董宏第二次來到23樓看見兩個神秘的人其實就是呂慢和盧昆。
19）董宏第二次進入小黑屋後在看見了在夢里藏有僵屍的櫃子，猛地打開卻發現沒有僵屍，因為夢境是屬於另一個維度的埋在現實世界當然不可能見到。
20）From now on，you are free其實根本不能用中文翻譯。因為英文的free有多種解釋，「自由」或者「逃脫」都可以，這句話有兩種理解：{1}庄雲龍說的是反話；{2}其實仿同《異次元殺陣》這部電影的思想，你逃脫了一個魔爪，只是進入下一個魔爪而已，任何人永遠不可能逃脫黑暗的魔咒。
21）注意最後一幕王總接電話時身後相框里的畫。是一個大怪物帶一個小怪物吃食的畫面。畫中大怪物站著，小怪物坐著，正好暗示著站著的庄雲龍和坐著的王總的地位關系。
22）注意：死去員工的名單出現了幾次：{1}董宏第一次到23樓發現的名單；{2}董宏進屋後發現電腦上的名單頭像；{3}牆上的照片；{4}新建員工卡界面出現後下面一排人的頭像及名字。
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發表於 2012-1-20 15:55:20 |只看該作者 4.內在意義
如果這部電影純粹是表達這個社會制度造成的人吃人的局面，強烈展現批判了壓迫與剝削的殘酷性。那麼它就略顯得淺薄了。
但凡真正優秀的電影，是不會簡簡單單地把眾人皆知的寓言放到銀幕上的。比如《辛德勒的名單》《黑天鵝》《霸王別姬》《致命魔術》這些被譽為是經典之作的東西，是肯定有東西值得品味萬年的。
如果觀眾您讀過弗洛伊德的書籍，或者研究過一些心理層面的知識，至少說是看過所謂的「高智商電影」，你就應該有很敏銳的洞察力去看穿除了電影表層意向之外的東西：那就是剖行人性。
《七宗罪》曾披露了七類屬於人類的惡行，分別是傲慢、妒忌、暴怒、懶惰、貪婪、貪食及色慾。每個人都不會承認自己是個貪婪無厭的人，也不會有人說自己是個典型的自大狂。但是如果允許我採用孟子的思想的話，那麼我要說這些東西就是人類與生俱來的，它生存在你的潛意識里。不過由於後天的教育，修養以及約束，它們彷彿都慢慢消失了，其實，只是被隱藏了。
貪婪
董宏是個貪欲極強的人，他瘋狂地抓取身邊的每一個細節，瘋狂地吸取每一個幕後的信息。影片中第一幕面試的時候，他就注意到了王總眼鏡上的灰塵，以及袖口沒扣上的扣子。在開會的場景里，他又注意到了呂慢手中的筆記本並且想知道她到底在寫什麼。整理文件的時候，連一個微小的三角號都沒有逃過他的眼角，正是這種瘋狂的貪婪，控制欲，偷窺欲才真正的導致了他踏上了不歸之路。
說到這里，有誰敢說自己不是一個具有貪心的人？在很飢餓的時候誰不希望能吃掉所有的麵包？誰沒有想過如果我的工資再多一些該多好？誰沒有在有夫有妻的情況對別人有過哪怕一絲的幻想？不要以為只有貪錢才是貪婪，其實貪婪充實在我們的每一個角落，如果沒有貪婪的控制與佔有欲，恐怕所有的婚外戀都不會發生了。
欺騙
回到正題，那庄雲龍呢？作為幕後黑手，其實他完全沒有任何必要潛伏在幕後，畢竟又不是什麼特務機關的活動。那他為什麼要這樣做？因為一句古詩：「不識廬山真面目，只緣身在此山中」。庄總想要更好地控制董宏的一舉一動，引誘著董宏走向深淵，最好的辦法其實不是做他的老闆，而是做他的朋友。三國演義里有這么一出：諸葛亮臨死前吩咐馬岱一件密事，讓其潛伏在魏延身邊做他的副將，為的就是有朝一日能一刀殺之。庄雲龍這樣做，從表面上像是一個朋友在無微不至的關懷，其實這是一個殺計啊。
懶惰
除非你是一個實實在在的工作狂，不然誰不願意躺在暖和的沙發上，端著一杯熱牛奶，看著充滿樂趣的喜劇片呢？所以對於眾人來說，「公司不要加班」是一個多麼誘人的條件。這意味著你可以擁有時間上，心靈上的自由。現在繁忙的社會，每個年輕人都在掙扎（沒有什麼詞更恰當了），他們盲目地生活，渴望體面的工作，誘人的薪水，可是……It is impossible，這是一個具有競爭力的社會。弱肉強食的事實，自從生命誕生之日就有。
所以如果你想不勞而獲，如果你想吃老本，如果你還活在父輩的懷里。你只想下班，只想拿每一分每一秒寶貴的時間去享受去快活，那麼你欠下的債只能用無限期的被壓榨來償還。
沒有人會給你還債，沒有人。
5.手法模仿
我的設計老師說過，一個剛入門的設計師是從對大師的模仿起步的。做電影也是一樣。這部片里，前前後後我借鑒了多部電影。《穆赫蘭道》的隱喻手法，《記憶碎片》平行敘事手法，《陰風陣陣》的視覺效果，音樂效果與情緒變化頻率，《咒怨》的色調，《桃色名單》的對話視角，《致命魔術》的片頭，《閃靈》最後出現的照片，《失戀33天》手機簡訊界面的特效，《鬼子來了》血淋淋的眼皮……如果有人說我拍的很好，我倒願意說我做的簡直太差了。每一個人都不是天才，活學活用才是真正的王道。I believe it.
5.我的理解
我很推崇《穆赫蘭道》似的劇情和拍攝內容以及愛森斯坦主張的手法。
電影需要的不是紀錄事實而是反映事實。我很喜歡這類電影，即用蒙太奇手法和隱喻線索去告訴人們那些隱藏在內心深處的潛意識層面的想法的電影，從而提高人思維邏輯的深度。
個人覺得如果表現一個「傑克的父親從小對他思想上有壓迫」事實，不應該總拍父親如何暴力地呵斥他，而應該拍傑克在成年後在一些細節事件的處理上上仍然不夠獨立，比較扭曲。
再比如更甚者，要表現一個女人生理方面的得不到滿足，應該用她屢屢到枯井前面呆坐著來暗示，因為枯井從形式上暗示著乾涸的陰道（源自一日本恐怖片，好像是《咒怨》）。
不過可能這種偏向心理學的電影不能得到很多人的感冒，很多人都會用「看不懂」「不知所雲」這類詞語來形容它，或者僅僅把心理學電影理解成「懸疑片」「恐怖片」，那就大錯特錯了。
中國除了像王家衛這類導演之外，目前很缺少此類電影的大師。可能是教育程度的問題，中國的大眾目前更能接受一些大眾的商業化的影片，比如《鐵甲鋼拳》《珍珠港》《楊門女將》《奮斗》等等。但是縱觀世界電影史，諸如《黑天鵝》《沉默的羔羊》《穆赫蘭道》《禁閉島》這些東西都是中國導演幾乎從來不敢嘗試的方向。
我不知道大家怎麼看待《李獻計歷險記》，我也不知道筷子兄弟將來的作品會有什麼樣的變化，更不知道十年後的中國青年會鍾愛什麼類型的片子，但是我只能在向所有人學習的基礎上，堅持做自己。
所謂的《穆赫蘭道》這類高智商電影就是可以帶給你無限探索的空間，通過深層次的探索來研究人思想里的潛意識的電影。由於自身閱歷和對電影了解得太少，我現在做的遠遠不夠，但這是我拍電影時的主導思想，希望有志同道合者可以推心置腹。有異同看法均可留言。
篇尾
最後，謹以此片向我推崇的希區柯克，愛森斯坦，大衛·林奇，斯坦利·庫布里克，姜文致敬。
還要單獨對偉大的思想家：弗洛伊德致以崇高的膜拜。