1. 考編導讓寫影評時,在分析影片時,是不是需要寫一些專業術語比如導演的拍攝手法都有哪些拍攝手法呢
電影評論
電影評論,簡稱影評,是對一部電影的導演、演員、鏡頭語言、拍攝技術、劇情、線索、環境、色彩、光線等進行分析和批評,又稱電影批評。
評論目的
電影評論的目的在於分析、鑒定和評價蘊含在銀幕中的審美價值、認識價值、社會意義、鏡頭語言等方面,達到拍攝影片的目的,解釋影片中所體現出的道理,既能通過分析影片的成敗得失,幫助導演開闊視野,提高創作水平,以促進電影藝術的繁榮和發展;還能通過分析和評價,影響觀眾對影片的理解和鑒賞,提高觀眾的欣賞水平,從而間接促進電影藝術的發展。評論內容
景別運用
特寫:拍攝人像的面部、被攝對象的一個局部的鏡頭。它可使表現對象從周圍環境中突現出來,造成清晰的視覺形象,得到強調的效果。特寫鏡頭能表現人物細微的情緒變化,揭示人物心靈瞬間的動向,使觀眾在視覺和心理上受到強烈的感染。
近景:攝取人物胸部以上的電影畫面。它能使觀眾看清人物的面部表情,或某種形體動作,有利於對人物的容貌、神態、衣著、儀表作細致的刻畫。
中景:攝取人物膝蓋以上部分的電影畫面。它有利於顯示人物的形體動作,有利於交代人與人之間的關系,可以加深畫面的縱深感,表現出一定的環境、氣氛,而且通過鏡頭的組接,還能把某一沖突的經過敘述得有條不紊,常用以敘述劇情。
全景:攝取人物全身或場景全貌的電影畫面。它可以充分展示人物的整個動作和人物的相互關系。在全景中,人物與環境常常融為一體,能創造出有人有景的生動畫面。
遠景:是指表現廣闊空間或者開闊場面的畫面的景別,是所有景別中視距最遠、表現空間范圍最大的一種景別。在電視節目中常用於表現地理環境、自然風貌和開闊的場景和場面。
大遠景:通常是從高角度拍攝的畫面,用來做為定場鏡頭或提示寬廣開闊的空間。
聲畫應用
聲音:包括人聲、背景音樂、音響
人聲:交代說明、推進劇情、推動人物性格
背景音樂:烘托氣氛、渲染氛圍、深化主題、善於抒情
音響:增加真實感、烘托環境氣氛、抒情言志
畫面:包括人物、景物、道具
人物:視覺的中心,意念的載體
景物:抒情言志、推動情節發展、深化主題
道具:刻畫人物性格、串聯故事情節、抒情言志
聲畫結合:包括聲畫對應、聲畫分離、聲畫對比
聲畫對應:有什麼畫面,就有什麼聲音
聲畫分離:聲音與畫面分別敘述,兩者不具備明顯沖突
聲畫對比:聲音和畫面在意義和情緒上形成強烈反差
色彩:塑造人物形象、營造環境氛圍、構成創造思想
色調:分為冷色調和暖色調
冷色調:色環中藍、綠一邊的色相稱為冷色,它能給人以陰涼、寧靜、後退、深遠的感覺。
暖色調:色環中紅、橙一邊的色相稱為暖色,它能給人以溫馨、亢奮、前進、和諧的感覺。
光線:造型作用、表意作用、外畫人物形象
鏡頭運用
長鏡頭:一段持續時間內連續攝取的、佔用膠片較長的鏡頭,一般時長超過30秒。長鏡頭可以保持整體效果,保持劇情空間、時間的完整性和統一性;可以如實、完整地再現現實影像,增加影片的可信性、說服力和感染力;還可以渲染氣氛、表現人物的心理活動。
空鏡頭:又稱「景物鏡頭」。指影片中作自然景物或場面描寫而不出現人物(主要指與劇情有關的人物)的鏡頭。常用以介紹環境背景、交代時間空間、抒發人物情緒、推進故事情節、表達作者態度,具有說明、暗示、象徵、隱喻等功能,在影片中能夠產生借物喻情、見景生情、情景交融、渲染意境、烘托氣氛、引起聯想等藝術效果,在銀幕的時空轉換和調節影片節奏方面也有獨特作用。
蒙太奇
蒙太奇原為建築學術語,意為構成、裝配。現在是影視專業術語,是一種剪輯技巧,一般包括畫面剪輯和畫面合成兩方面。運用蒙太奇能豐富電影藝術的表現力,使表現內容主次分明,達到高度的概括和集中;還能夠規范和引導觀眾的情緒和心理,啟迪觀眾思考;還可以實現對時空的再造,形成獨特的影視時評論方法
總述
電影評論的可評之處,可以就其導演的獨特構思、聲音畫面、蘊含的深刻道理、影片的時代意義、影視音樂、電影內容、電影燈光照明、電影的拍攝技巧、電影中的角色等都可以進行評論,評論過程通過結合影片具體內容和影片在構思、結構、技術、任務等方面最為閃亮之處擺出自己的觀點,從而近一步論證。
要點
要寫好一片影評 用兩個字總結「新」「奇」。
步驟
題目
題目是任何寫作中的第一閃光點,影評也不例外。一個好的影評題目,關鍵在於他能否用於傳遞作者想要在影評中表達的信息。在看完電影後寫影評時,首先要找一個好的切入點,當然,這個切入點就要從題目開始入手了。影評的題目注重創新、新穎,起到讓別人一看見題目就像讀下去的作用。此外,影評題目越短越好,6-7個字為宜。
開端
閱高考語文作文的老師們都有一個習慣閱卷方法,即題目-開頭-(中間)-結尾,如果一位考生的中間部分寫的再好,但開頭卻弄得很差勁,這樣閱卷老師對這位考生的中間內容最多就會大體瀏覽一遍,有的甚至連看都不看,因此,開端無疑是很重要的一個部分。
在影評的開頭,可以開門見山地一上來就介紹你所要寫的影片最為亮點之處,或直接寫影片的高潮結局,從而引起讀者的興趣 ;也可以先插入一電影名家的名言,例如巴贊、愛森斯坦等,這樣能為你的影評錦上添花。
中間
這一部分是影評的核心內容。其實寫影評就是寫一篇議論文,因此我們在寫影評時應注意多分析、少敘述,以你想要表達的內容為中心,擺出論據,層層推演,但要注意不要跑題,也就是說,你在影評中分析的內容,都必須要圍繞你的中心。
結尾
我們完成了影評的最主要內容之後不能就此結束,還應當有一個響亮的結尾。在結尾我們首先應該先對影評的主要內容進行一下總結,然後可以抒發自己的感想,表達一下自己對整個影片的理解;還可以引用名言、托物言志,讓影評有一個好的收尾。
存在問題
跑題、講故事、面面俱到、沒有觀點、寫成「豆腐塊」、本末倒置、常識問題、沒有細節。
影評現狀
在中國,電影評論通常考慮如下幾個方面:①影片的傾向性和真實性是否統一;②人物的個性化和典型性如何;③影片從內容到形式對時代的反映是否有創新精神;④影片是不是有鮮明的民族風格和創作個性;⑤影片在電影觀念和電影語言的運用上進行了哪些有價值的探索;⑥影片的觀賞性及其社會效果如何。
電影表現手法
電影是集體創作的綜合藝術,所有的創作成員都是銀幕造型的創作者。相對而言,每個部門只能對銀幕造型的某個方面起到作用,通過各部門創作的有機結合才能構成完整的銀幕造型。這種集團創作歸根到底仍是以導演的總體構思為依據的,因此,導演對銀幕造型的質量負有主要責任。電影導演工作的主要成果也表現在銀幕造型上。
【節奏】是電影藝術至關重要的方面之一。電影節奏是電影藝術中所有要素的綜合構成並作用於觀眾生理心理所產生的效果。節奏在電影中既表現在時間的流程中,也表現在空間的運動形態上,以及時空綜合中。影片節奏不單純是藝術技巧的表現,而是根據劇情需要,人物塑造需要,對影片總體把握、對電影手段綜合運用的結果,是節奏的局部構成與整體構成的辯證統一體。電影的節奏總體存在於劇作中、存在於導演的總體構思和分鏡頭本中,滲透在表演、造型、聲音、攝影、美工、剪輯等藝術創造中,形成情節節奏、造型節奏等節奏方面。而導演作為影片總設計師和指揮者,對影片節奏面貌的體現和創造影片的節奏風格起著決定作用。
節奏在根本上是藝術情感的顯現。節奏的物理形態是運動,其心理根源是藝術家通過電影的特殊表現手段在作品中傳遞出一定強度的情緒情感的脈律,並引發觀眾情緒情感上的震盪或共鳴。人們常將速度作為節奏的唯一表達形式,以快、慢來衡量節奏,但速度並不等於節奏。速度節奏只是節奏的一種。節奏的衡量,也不單是鏡頭的長短,還有音響、線條、色彩、形體等藝術造型因素有規律的運動變化(高、低、強、弱、緊張、鬆弛、疏緩等等方面),以及它們引起欣賞者的生理感受狀況。節奏是主觀和客觀的統一,心理和生理的統一。電影表現內涵的無限豐富性、電影表現手段的無限可能性和觀眾接受心理的復雜性,決定影片節奏形式和節奏變化的無窮多樣性
【內部節奏】緣於情節發展的內在矛盾沖突、人物的情感波瀾等內容要素而形成的節奏。在電影中,內部節奏顯現的一個重要方面,是與場面調度和蒙太奇技巧等密切融合的演員的表演、演員飾演的角色情感的內在張力。
【外部節奏】由畫面上一切主體的運動,各種長度鏡頭組接和鏡頭的各種轉換方式,以及速度和光影、色彩、各種畫面形式的變換而產生的節奏。外部節奏表現有時和內部節奏相一致,有時不一致,甚至可以做完全相反的表現。服從於統一的藝術構思。
【庫里肖夫效應】蘇聯電影導演列夫.庫里肖夫為了弄清蒙太奇的並列作用,做了一項有名的鏡頭剪接實驗。他給俄國名演員莫茲尤辛拍了一個毫無表情的特寫鏡頭,分別接在一盆湯、一個作游戲的孩子和一具老婦人的屍體鏡頭前面,出乎意外的是,他發現觀眾看到了演員的「表演」,即:看到湯時表現出飢餓感,看到孩子時表現出喜悅,看到老婦人屍體時表現出悲傷。而實際上這都是由於鏡頭的組接使觀眾產生了聯想。從這個試驗中,庫里肖夫得出結論:造成電影情緒反應的,不是單個鏡頭的內容,而是幾個畫面之間的並列,是鏡頭組接和剪輯的作用。這就是所謂庫里肖夫效應。
【主觀鏡頭】將電影攝影機的鏡頭,當做電影中某一角色的眼睛,去觀看(攝制)其他人物、事物活動的情景,即為主觀鏡頭攝制。這種代表影片中某一人物視線的鏡頭,叫做主觀鏡頭(狹義的主觀鏡頭)。主觀鏡頭還包括明顯表示出導演主觀評論觀點和主觀情感與情緒的鏡頭(廣義的具有強烈主觀表現色彩的鏡頭)。沒有純粹的客觀鏡頭,也不會有純粹的主觀鏡頭,主觀鏡頭總是在客觀鏡頭表現中產生的。例如這樣一種典型的希區柯克式的主觀鏡頭表現:人物頭部受傷,鮮血流下,逐漸遮蓋了視線,鮮血覆蓋了畫面,是主觀表現,但它不能離開人物受傷這個客觀過程。主觀鏡頭表現比客觀鏡頭表現更為復雜,有著變化多樣的運用模式。如反應式主觀鏡頭、想像式主觀鏡頭、多視角式主觀鏡頭、多層次式主觀鏡頭、近似式主觀鏡頭等。
【客觀鏡頭】一般指攝影機採用大多數人在拍攝現場所共有的視點拍攝的鏡頭。這種鏡頭在銀幕直觀效果上可使觀眾產生共同臨場感,達到客觀表現的目的。客觀鏡頭客觀性包括兩個含義層:首先是指反映對象自身的客觀實在性,即藝術所再現的生活內容的真實性。這通常是導演在運用傳統現實主義創作方法時所要求和恪守的。如《人到中年》等影片中所表現的許多事件、環境、人物等生活畫面,都要求對生活真實性的再現,也就是藝術所反映生活的能見性;二是指對對象的客觀描述性。這種客觀描述性無論在現實生活片還是在童話片、神話片、荒誕片中都有其不可避免性。如影片《西遊記》中種種事件過程的表現,都是客觀鏡頭的用武之地。客觀鏡頭運用的目的是為了引導觀眾觀賞無論哪一層含義的畫面表現,都具有規定情境的客觀實在性,使影片達到敘述和描寫的目的。最終,它們都免不了滲透著編、導、攝的思想情感。
【空鏡頭】即沒有人物出現的景物鏡頭。是導演闡述思想內容、敘述故事情節、抒發情感意境、轉換銀幕時空、調節節奏的重要手段。有主觀空鏡頭和客觀空鏡頭兩大類。主觀空鏡頭是人物眼中的、心理的和被刻意渲染的景物和感覺,客觀空鏡頭是客觀表現的環境景物以及過場性景物等,它要求景物表現的真實實在性。
【時空轉換技巧】影片中用以表現一定時間、空間鏡頭或段落的變換,以造成各種藝術效果的手段。常見的時空轉換技巧有:利用漸隱、漸顯、化、劃等傳統光學技法,在兩個鏡頭或段落之間插入能夠表現時間、季節、地點變換的景物鏡頭;利用字幕和繪畫說明時間、地點的變換;無技巧剪輯,即完全利用畫面內容本身的直接轉換、而不用附加的光學技巧來表明時空的轉換、劃分時空段落。
【漸顯、漸隱】亦稱「淡入、淡出」、「漸明、漸暗」。傳統剪輯技巧手法之一。電影藝術表現時空間隔的傳統手段。其常規表現形式是:前一場景的畫面逐漸暗談直至完全消失(漸隱),後一場景的畫面逐漸顯露直到十分清晰明亮(漸顯)。這種手法表現某一個情節(段落)的終了和另一個情節(段落)的開端,留有一定間隔,使觀眾在段落感中得到短暫的間歇,從容領會進展中的劇情。並可表現一定的情緒和節奏。
【切】 「切換」,即「切出、切入」的簡稱。屬於無技巧剪輯手法。漸已成為電影最基本的鏡頭轉換方式之一。指不用任何光學技巧如化、劃、淡化之類作為過渡,而是直接由一個鏡頭轉換成另一個鏡頭或由一場戲轉換成另一場戲為保證鏡頭切換流暢,符合藝術邏輯性並適應一般觀賞心理,在剪輯創作中,必須把握影片節奏和准確地掌握鏡頭恰切的剪接點。
【化】亦稱「化出、化入」、「溶出、溶入」。傳統剪輯技巧之一。電影藝術表現時空轉換的傳統手段。其常規表現形式是;前一畫面漸漸隱去(化入、溶出)之前,後一畫面即開始漸漸顯露(化出、溶入),兩個畫面同時重疊隱現,直到後一畫面完全清晰。「化」的作用很多,如:起到時空過渡作用;可簡捷地表現大幅度時空轉換;常常用來表現人物的想像、夢幻、回憶等,直接傳遞情緒;在時空距離較近情況下,連續使用「化」過渡鏡頭,可產生抒情、緩慢柔和的效果;在神話片中用來達到「變形」的特殊觀賞效果等等。
【疊印】電影語言中特有的一種形式。電影剪輯技巧手法之一。將兩個或兩個以上不同時空、不同景物或人物的畫面重疊起來,復印在一條膠片上,即疊印。同時,疊印的各個畫面的內容之間必須保持內在聯系,以形成疊印畫面的各種意義。有的影片片頭字幕或唱詞字幕也採用疊印方法與畫面合成。
【劃】亦稱「劃出、劃入」、「劃過、劃變」。傳統電影剪輯技巧手法之一。為實現畫面銜接所採用的一種技巧。表現形式是後一鏡頭從前一鏡頭畫面上做左右劃、右左劃、上下劃、斜向劃、棱形劃等。當代電影中,這種手法比較少用,但為了加強某種視覺效果或製造其他各種藝術效果,這種手法有時仍然使用,並且注意具有新穎性。
【跳切】 「切」的一種。屬於無技巧剪輯手法。它打破常規狀態鏡頭切換時所遵循的時空和動作連續性要求,以較大幅度的跳躍式鏡頭組接,突出某些必要內容,省略時空過程。跳切既以情節內容的內在邏輯聯系為依據,也以觀眾欣賞心理的能動性和連貫性為依據,排斥缺乏邏輯性的隨意組接。
【閃回】通常指在一定的場景結構中插入另一場景或片斷。閃回可以是電影的一種片斷敘述手法,也可以形成全片結構形態,即閃回結構影片。從內容上看,閃回的內容一般為閃回前面鏡頭中某個人物的思維或回憶。它可以是情緒性的,也可以是敘事性的;可以是較長篇幅的,也可以是瞬間意識表現,目的是使觀眾更清晰地感受人物的思維、情緒和了解事情原委。
【工作樣片】每個攝制工作日都要將拍好的底片印出一條正片,即為工作樣片。供攝制組創作人員和廠負責人審查用。在工作樣片尚未經審查通過或需要重拍前,一切布景和拍攝現場的各項設置不得拆除。在後期製作中,工作樣片供導演和剪輯修剪、組接鏡頭用,也供配音、混合錄音用,還供最終審查影片用,最後作為完成片套底用的依據。工作樣片屬珍貴資料,要求精心保管。
【雙片】即「完成雙片」、「混錄雙片」。由經剪輯完成的工作樣片和混合錄音後的磁性聲帶片兩部分組成。雙片的用途是為聽取審查意見後便於修改。與正式拷貝不同,它必須通過聲畫同步放映機放映才能達到聲畫合成的效果。審查通過和修改後,經過畫面套底,將混錄磁帶轉成光學聲帶,就可印製正式拷貝。
1.3 影視鏡頭表現手法
鏡頭是影視創作的基本單位,一個完整的影視作品,是由一個一個的鏡頭完成的,離開獨立的鏡頭,也就沒有了影視作品。通過多個鏡頭的組合和設計的表現,完成整個影視作品鏡頭的製作,所以說,鏡頭的應用技巧也直接影響影視作品的最終效果。那麼在影視拍攝中,常用鏡頭是如何表現的呢,下面來詳細講解常用鏡頭的使用技巧。
一、推鏡頭
推鏡頭是拍攝中比較常用的一種拍攝手法,它主要利用攝像機前移或變焦來完成,逐漸靠近要表現的主題對象,使人感覺一步一步走近要觀察的事物,近距離觀看某個事物,它可以表現同一個對象從遠到近變化,也可以表現一個對象到另一個對象的變化。這種鏡頭的運用,主要突出要拍攝的對象的某個部位,從而更清楚地看到細節的變化。比如觀察一個古董,從整體通過變焦看到細部特徵,也是應用推鏡頭。
二、移鏡頭
移鏡頭也叫移動拍攝,它是將攝像機固定在移動的物體上作各個方向地移動來拍攝不動的物體,使不動的物體產生運動效果,攝像時將拍攝畫面逐步呈現,形成巡視或展示的視覺感受,它將一些對象連貫起來加以表現,形成動態效果而組成影視動畫展現出來,可以表現出逐漸認識的效果,並能使主題逐漸明了,比如我們坐在賓士的車上,看窗外的景物,景物本來是不動的,但卻感覺是景物在動,這是同一個道理,這種拍攝手法多用於表現靜物動態時的拍攝。
三、跟鏡頭
跟鏡頭也稱為跟拍,在拍攝過程中找到興趣點,然後跟隨目標進行拍攝。比如在一個酒店,開始拍攝的只是整個酒店中的大場面,然後跟隨一個服務員從一個位置跟隨拍攝,在桌子間走來走去的鏡頭。跟鏡頭一般要表現的對象在畫面中的位置保持不變,只是跟隨它所走過的畫面而有所變化,就如一個人跟著另一個人穿過大街小巷一樣,周圍的事物在變化,而本身的跟隨式沒有變化的,跟鏡頭也是影視拍攝中比較常見的一種方法,它可以很好地突出主體,表現主體的運動速度、方向及體態等信息,給人一種身臨其境的感覺。
四、搖鏡頭
搖鏡頭也稱為搖拍,在拍攝時相機不動,只搖動鏡頭作左右、上下、移動或旋轉等運動,使人感覺從對象的一個部位到另一個部位逐漸觀看,比如一個人站立不動轉動脖子來觀看事物,我們常說的環視四周,其實就是這個道理。
搖鏡頭也是影視拍攝中經常用到的,比如電影中出現一個洞穴,然後上下、左右或環周拍攝應用的就是搖鏡頭。搖鏡頭主要用來表現事物的逐漸呈現,一個又一個的畫面從漸入鏡頭到漸出鏡頭來完整整個事物發展。
五、旋轉鏡頭
旋轉鏡頭是指被拍攝對象呈旋轉效果的畫面,鏡頭沿鏡頭光軸或接近鏡頭光軸的角度旋轉拍攝,攝像機快速做超過360度的旋轉拍攝,這種拍攝手法多表現人物的眩暈感覺,是影視拍攝中常用的一種拍攝手法。
六、拉鏡頭
拉鏡頭與推鏡頭正好相反,它漢族要是利用攝像機後移或變焦來完成,逐漸遠離要表現的主體對象,使人感覺正一步一步遠離要觀察的事物,遠距離觀看某個事物的整體效果,它可以表現同一個對象從近到遠的變化,也可以表現一個對象到另一個對象的變化,這種鏡頭的應用,主要突出要拍攝對象與整體的效果,把握全局,比如常見影視中的峽谷內部拍攝到整個外部拍攝,應用的就是拉鏡頭。
七、甩鏡頭
甩鏡頭是快速地將鏡頭搖動,極快地轉移到另一個景物,從而將畫面切換到另一個內容,而中間的過程則產生模糊一片的效果,這種拍攝可以表現一種內容的突然過渡。
八、晃鏡頭
晃鏡頭的應用相對於前面的幾種方式應用要少一些,它主要應用在特定的環境中,讓畫面產生上下、左右或前後等的搖擺效果,主要用於表現精神恍惚、頭暈目眩、乘車船等搖晃效果,比如表現一個喝醉酒的人物場景時,就要用到晃鏡頭,再比如坐車在不平道路上所產生的顛簸效果。
談起電影的表現手法一定要提的就是蒙太奇手法。
早在十九世紀末期的時候,電影大師們就開始使用蒙太奇——這個使電影產生了飛躍的手法。蒙太奇在電影創作中呈現了驚人的藝術效果並創造了感人的藝術力,在流動的畫面結構裡面,蒙太奇成了最有效的創作方法。
蒙太奇方法,就是把兩個或者多個元素合成一個具有全新內容的方法。著名的蒙太奇大師,蘇聯的電影理論家兼導演艾森斯坦曾經在其著作中提到:漢字中的「口」和「犬」組成「吠」,要知道,這就是蒙太奇——「口」和「犬」都是名詞,各自有獨立的含義,但是,當把它們組合到一起的時候便發生了質的變化,成了動詞。它們展現在銀幕上,「口」和「犬」的特寫鏡頭剪輯在一起,自然使觀眾悟到那是一隻叫著的狗,或是那有一隻狗在叫,並且如聞其聲。這種蒙太奇方法成了電影獨特的語言形式。電影中蒙太奇指的是鏡頭的分切與組合,或者是剪輯。下面是一個典型的蒙太奇創作試驗的著名例子,同樣是三個鏡頭,採取不同的剪輯方法,就會產生不同的效果:
1、一個人在笑。
2、手槍直指。
3、驚恐的臉。
如此的順序組接的鏡頭,給觀眾的是人物的怯懦和惶恐。
1、驚恐的臉。
2、手槍直指。
3、一個人在笑。
如此組合的鏡頭,則表現人物的勇敢。艾森斯坦對這個試驗曾經加以概括,他說:「通過剪輯把兩個不相乾的問題並列起來,不是等於一個鏡頭加上另一個鏡頭——它導致了一種創造,而不是各個部分的合並。因為這種並列的結果和分開地看各個組成部分是有著質的不同。」(《電影藝術四講》)
蒙太奇思維是以人的視知覺和聽知覺形式為基礎的創造性思維。電影蒙太奇所建立起來的鏡頭之間分割與組合的關系,即不同元素之間分離與交叉的關系,最終所以能夠通過分析與綜合的知覺作用,必須依賴聯想的心理作用才能夠得以實現。
聯想可以同時引起對過去的回憶和對未來的想像,這一重要的心理現象,正是架設在蒙太奇結構中前後鏡頭畫面之間,溝通畫面聯系的心理橋梁。
下面分別介紹這三種聯想方式。
一、類比聯想。由於在鏡頭或鏡頭組之間採用相似的手法或者表現相似的內容,觀眾會產生類似情景的聯想。 二、對比聯想。其鏡頭或片斷之間在形式或者內容上呈對立狀態,從相反的角度表現同一主題,並且使主題給人留下更加深的印象。
三、接近聯想。是通過同一、同時或相繼成立的條件反射將空間、時間相接近的鏡頭連貫起來,從而引人聯想並思忖其內涵。 卓別林自己評論說:那部電影是從一個抽象的概念——批評我們的機械化生活方式——發展而來的。
蒙太奇手法的應用,給電影注進生氣和活力,使平常的畫面組合成無窮的內涵,給觀眾留下無盡的想像空間。可以說電影中蒙太奇手法的應用,是電影歷史上的一場重大革命。
蒙太奇,法語montage的音譯,原是建築學上的術語,有構成、組裝的含義。借用到電影、電視理論中來,有剪輯、組合、連接的意思。夏衍說:「所謂蒙太奇,就是依照著情節的發展和觀眾注意力和關心的程序,把一個個鏡頭合乎邏輯地、有節奏地連接起來,使觀眾得到一個明確、生動的印象或感覺,從而使他們正確地了解一件事情的發展的一種技巧。」影視製作家只有根據蒙太奇法則來選擇、安排、組織材料,才能獲得成功。構思影視作品時,常常要用到下列五種蒙太奇手法:
(一) 復現蒙太奇
亦稱反復蒙太奇、重復蒙太奇。讓一些重要的物件、場面,反復多次在影視文學劇本中出現,一方面起強調的作用,引起讀者對他們的注意、重視;另一方面,在作品結構上起理清脈絡、劃分層次的作用。如蘇聯《鄉村女教師》中瓦爾瓦拉.瓦西里耶夫娜用的教具--地球儀,她任教之地小丘上的三棵松樹,就是反復多次出現的物件,場景。
(二) 對比蒙太奇
又稱對照蒙太奇。運用這種手法組接的鏡頭之間,存在相互襯托、比較的邏輯聯系。這種蒙太奇不僅可以用在普通鏡頭的場景、人物表情之間,也可以用來組接長鏡頭。
(三) 平行蒙太奇
把同一時間不同地點發生的有關事件、場面連接起來,讓它們有條不紊地呈現在觀眾面前,使劇情得以平行發展,強化觀眾的懸念心態。格里菲斯在《黨同伐異》里,成功地運用了這種組接方法:一個無辜的工人被誤判了死刑,當絞索套在他脖子上時,他的妻子帶著州長的赦免令趕到,這就是著名的「最後一分鍾營救」。我國影片《鐵道游擊隊》里,劉洪飛馬營救芳林嫂,也是運用蒙太奇的範例。
(四) 隱喻蒙太奇
也稱比喻蒙太奇、象徵蒙太奇、相似蒙太奇、聯想蒙太奇。它要求所連接的鏡頭,場面之間,存在某種微妙的類比聯系,通過「相似點」、「具象點」和「寓意點」,突出事物之間的有關特徵,促使觀眾領會其中內在的、深層的含義。
(五) 雜耍蒙太奇
這是一種綜合性的蒙太奇,既有畫面的分解,又有畫面的集中;既有全景,又有特寫;節奏快,有緊張感。愛森斯坦在其代表作《戰艦波將金號》里,在舉世聞名的「敖德薩階梯」那個段落里,成功地運用了雜耍蒙太奇,突出了沙皇軍警屠殺包括老弱婦孺在內的和平居民的血腥暴行。
2. 如何評價電影《假面騎士build》值得一看嗎
《假面騎士》系列,是石森章太郎為原作的一系列特攝劇集。從昭和年代至今,經歷了平成到現在的令和。已經有三十部劇集,再加各種劇場版、特別篇等等形式。而《假面騎士Build》則是平成第十九作,非常值得看,是一部公認的《假面騎士》系列神作之一。
《假面騎士Build》的世界觀是在一個日本被來自火星的潘多拉魔盒形成的天空之壁一分為三的地球。我們的主角桐生戰兔是一個沒有記憶的天才物理學家,憑借自己製造的假面騎士腰帶變身成為假面騎士Build。
(2)電影分鏡豆瓣擴展閱讀:
《假面騎士Build》出現了好幾位假面騎士,不過最好看的當屬主騎Build,兩種物質組成的雙色造型正是致敬了假面騎士W,不同的滿裝瓶罐可以任意搭配,還有最佳搭配的形態可以有更強力的能力和不同的道具。
危險扳機的形態讓帥氣程度上升了,而兔子兔子形態和坦克坦克形態,絕對是最驚喜最帥氣的。天才形態就不太耐看。另外的假面騎士們,反而BOSS假面騎士Evol驚艷一點,
有四個形態,能力越來越強,甚至是變態。面對又帥氣又強大的敵人,四個假面騎士都沒得辦法。另外的假面騎士Cross-Z、Grease、Rogue和MadRogue都是各有特色,缺一不可。
3. 動畫電影豆瓣排行較好的有哪些
目前豆瓣上評分比較高的有《千與千尋》9.3,《瘋狂動物城》9.2,《尋夢環游記》9.0
1、千與千尋
《千與千尋》講述的是名叫千尋的女孩跟著父母前往新家,結果半路卻偶然進入了一個神秘世界,千尋的父母沒有抵擋住誘惑變成了豬,而千尋為了在這個世界活下來只能拚命的工作,但漸漸的千尋發現這個充斥著妖魔鬼怪的世界也並非全是恐怖的,她在這里結識了一直幫助她的白龍、給了她珍貴葯丸的河神還有其他許許多多的妖怪,最後千尋為了幫助白龍又踏上了新的冒險之路。
4. 電影<那些年,我們一起追的女孩>影評
跟《海角七號》一樣,在上映前,沒人會相信《那些年,我們一起追的女孩》(以下簡稱《那些年》)能創下如此驚人的票房記錄。但《那些年》跟《海角七號》不一樣,在台灣以外,它在香港、新加坡、馬來西亞也走出了匪夷所思的票房曲線,大有行銷亞洲之勢。
恰好是這一年,《那些年》有一個絕佳的對比參照物,那就是魏德聖的重磅大作《賽德克·巴萊》。不知是否參考了取名學,兩部電影的片名都是既繞口又不好記。可對九把刀和魏德聖來說,他們用不同的方式去實現了自己的夢想,這已經是一種成功。如果一定要分出個孰輕孰重,在我看來,或許九把刀的成功更加不易。
不過,這並不是說,九把刀比魏德聖和鈕承澤擁有更多的運氣。就像九把刀反省的,他寫書那會,最早幾年,書的銷量都非常糟糕。到了搞電影,他拍了短片合集《愛到底》里的《三聲有幸》,評價也不咋地。先於《那些年》上映的《殺手歐陽盆栽》,好像還是不行。到了《那些年》上映,九把刀估計都做好玩一票就跑的心理准備,豈不料,他不僅紅了,而且爆了。
《那些年》有很多成功的經驗因素,比如它脫胎自偏文藝的台灣青春片,又大膽融入了商業的性喜劇。它有異常傳統的愛情訴求,又擺出了熱血勵志的坦然和大度。如果一一道來,或許,《那些年》的成功可以從九把刀本人講起。先不管觀眾是否會被電影打動,你首先要確保自己能被打動。一旦如此,那就不能光靠一張嘴巴,而是要回到過去,還原真實。影片拍的是九把刀的個人經驗,真名柯景騰、記憶中的彰化、就讀的精誠中學、追求的女孩沈佳宜、身邊的形色好友,這些都是確鑿無疑的事實。
在拍攝和改編自身的經驗上,侯孝賢和楊德昌給台灣的後輩導演留下了寶貴的經驗。《冬冬的假期》、《童年往事》到《戀戀風塵》,從《牯嶺街少年殺人事件》、《多桑》到《紅柿子》,新電影的導演們貢獻了幾十年的時代經驗,在台灣解嚴後的藝術領域里處於領先的位置。這些東西在以往的台片里頭是看不到的,要麼不允許表述,要麼會遭遇層層盤查。拿台灣新電影來比較,好像有點太重了。就說魏德聖、鈕承澤、林書宇這批人,魏德聖的個人經驗還沒出現,鈕承澤把《艋舺》獻給了道上的兄弟林小明,《九降風》里的小湯是林書宇的影子投射……而藉助《那些年》,九把刀一步到位,直接把自己的故事搬上了銀幕。
對真實的還原程度上,《那些年》可能做到了百分之八九十。不過,電影的最大看點卻來自九把刀的想像創作——也就是婚禮上的高潮亮點。在這個虛擬的場景當中,愛情就像《兩小無猜》里的純真游戲。敢不敢?繼續下去,一定要。很多人以為,之前的婚禮出場,那已經是煽情的極限了。結果,九把刀把一份塵封的愛突然拔高,又重重摔下。化作塵埃的愛戀,它們居然也會有落地的聲音。當然,真相黨並不這么認為,畢竟藝術還是需要一些加工美化。就像九把刀說的,186公分、又高又帥的柯震東跟他本人非常的接近……但是,所有人都知道,那是一個善意的玩笑。
具體於電影本身,《那些年》有一個青春偶像片的外殼。最明顯的例子,就是前面說到的柯震東。假設,主人公是勃起那副模樣(現實中很可能如此),故事一樣進行,那多少會妨礙到觀感。新人身份的柯震東表現不錯,陳妍希的選角則是天造地設了。或許,內地導演的繆斯們只是潛規則對象,但是,九把刀絕對把陳妍希當做了初戀情人沈佳宜,哪怕看上去,她只是比一般的女星漂亮那麼一點點。再加上製片人里有「偶像劇教母」柴智屏的名字,《那些年》的模樣並不是太難想像。反映在電影里頭,海邊一段是標準的小清新風格,而聖誕節一段,甚至是一有台北的場景,那就不可避免地粘帶上偶像片的氣質。
很多人提到,在電影語言上,《那些年》並沒有多出彩(婚禮上的升格鏡頭是個例外)。考慮到九把刀是個寫網路小說的,沒讀過電影又是第一次拍長片,這的確是個問題。但是,像胯下出場到對抗教官、兩場大雨和情感關系變化的設置,九把刀又做的很到位。可以說,在講故事的方法上,《那些年》做的並不差。九把刀從小愛看漫畫,漫畫格子就好比分鏡頭,他知道觀眾喜歡什麼。片中有很多地方都看得到漫畫的影響,像提及井上雄彥和櫻木花道,像那些誇張的動作造型和動畫特效(包括陳妍希在結尾彩蛋的表情),倒也投一部分觀眾所好。
當九把刀高喊人生就是不停的戰斗,我想,他最大的敵人一定叫無聊。愛戀之餘,《那些年》更多時候在跟無聊作戰。就像堂吉訶德的風車大戰可以理解為無聊,被太陽暴曬的馬小軍無聊地聞到了燒荒草的味道。在柯景騰看來,學習是最無聊的一件事。沈佳宜告訴他,人生本來就有很多事情是徒勞無功的,他不明白。當他追求起沈佳宜,他就慢慢明白了,自己不再無聊。一到失去了沈佳宜,他的大學就布滿了空虛無聊。
除了拿捏年輕男女的戀愛感受,友情成為了愛情的背景,在細節上,《那些年》還做了大量鋪墊,營造真實的時代感。從開場的三張(張雨生、張學友、張惠妹)到黃舒駿《改變1995》里的《戀愛癥候群》,從僵屍片的插入演繹到AV的瘋狂流行。可以想見,有人會不解,也不喜歡,但是,它要的就是那會心一笑。影片里少不了九把刀的文字游戲,像每個故事都有一個胖子、直接用粗口來表達感受,台詞效果很好。
從開頭咬蘋果、中間送禮物到引自聖經的You Are the Apple of My Eye,問及將來想做什麼,柯景騰篡改了喬布斯的「活著就是為了改變世界」,他說,我想成為一個很厲害的人,讓這個世界因為有了我而有一點點的不一樣。而看上去,跟以往的青春片相比,《那些年》是有一點點的不一樣。很多導演愛青春也愛刀子,不搞點殘酷,後來誰死了,好像不符合常理。九把刀的名字有許多把刀,但令人欣慰的是《那些年》無關那些,只有愛情。也有人說了,這部電影是沒有刀,但是,它有很多的槍,瘋狂的手槍……
「我相信大多數人的成長,都跟這個故事一樣,並沒有刀光劍影、打打殺殺,也沒有搖頭磕葯、夜夜笙歌。」台灣青春片里,在情感基調上,《那些年》比較接近《藍色大門》。只是,比起《藍色大門》全篇的青春過去,《那些年》卻打通了時間,用一場婚禮讓電影院觀眾完成了情感代入。
這是一部形式大於風格的電影,也是一部標準的私電影。面對愛之地久天長,多多少少,《那些年》還是有一股傷逝的味道。當柯景騰用跑步來宣洩失戀痛苦和青春無奈,他在操場跑道上躺下,背後的白色跑道恰好是一個十字架的形狀。他如同被釘在上面,獻祭了自己的青春,毫無保留地付與世人。事情一旦做到這樣,《那些年》能風靡港台甚至是內地,那不就很好解釋了?
5. 像《美麗人生》《美國往事》這種爛片是如何做到豆瓣評分這么高的
男主有「義大利的卓別林」之稱,從這部影片來看,是不負虛名的,但是在樓主眼中就成了一個十足小丑,可是樓主別忘了,他扮小丑,是,給,誰,看,的? ?而且對於觀眾來說,這只是演員的一種表現形式,我認為是無可厚非的,那如果由樓主執導來的話又是怎樣的呢?樓主希望圭多在集中營中以什麼形式保護兒子呢,被蜘蛛咬然後基因突變大吼一聲飛檐走壁?那完全是美國英雄大片的即視感吧,樓主看不慣他這么傻缺只能說你不了解這樣的人而已。再說,圭多帶著兒子溜進廣播室給妻子述說思念、報平安的時候,這貨要是在現實中他一早就被槍決了,還有讓兒子混進德國小孩群中也是一個槽點,換做現實,一個面生的小孩出現在飯桌上,還一直沉默,難道就沒有小孩子跟他搭話、懷疑、最後向凶歐巴桑告發?........但是,你要是這樣看電影就沒意思了,一邊看一邊吐槽「這不科學」的狀態是不可能看出什麼東西來的,我在廣播那一段反復看了幾遍完全淚崩,一個男人對妻子對兒子的感情毫不掩飾,這有什麼可羞恥的呢?看到樓主在其他網頁也復制了一段相同的話,是否想尋求認同?但是很遺憾地告訴你,電影本身就是一個包羅萬象的缺憾,電影的功力有多厚就要看它的邏輯和思想靈魂能不能達成共識,而美麗人生能把兩者把握好,我認為就是成功了,它成功地騙取了大部分人的眼淚,成功地摘下多項大獎,成功地讓我們這些人「跟風」,成功地讓我在這里寫下評論,這就是它的能力和美麗之處。
只要能引起大多數人的共鳴,就是一部好電影,懂電影的人多了去,美麗人生備受好評不是毫無道理的,這並不是你說的 跟風 ,好就是好,水軍再多,不好看的東西遲早會沉沒的,經典則永遠是經典,說起經典咋不說說舊版西遊記呢,特效那麼差人又那麼丑為什麼還是經典呢,反觀現在的電影電視劇你就會明白,不是因為它太精彩,而是狗尾已經被黑出翔了,所以成為經典。
很高興能遇到,自霸王別姬之後的第二部讓我流淚的電影,這是一部好電影,真心的。最後提一點建議,要是美麗人生不符合樓主的觀看標准,建議去看不一樣的美男子、白衣校花與大長腿小時代什麼的,那個時候樓主再說什麼我們都會說是是是,對對對的。
6. 怎樣對一部電影的色彩進行分析怎樣寫影評
影評寫作的方法與注意事項:
1、 什麼是評論?什麼是電影評論?有的同學,容易寫成日記,散文,隨筆。注意要有評有論。注意電影的藝術特點。
2、 看電影過程中的准備。
3、 電影評論的三大內容:電影思想內涵,人物,技巧。三者的鐵三角關系。
4、 結構:一般是三段或者四段式結構。總-分-總式
題目的重要性:主題和副標題(千里走單騎)
第一段, 引領全文,點題,並為下文的展開打下鋪墊。
第二段, 分論點是什麼,注意上下文的承接關系。
第三段, 最後再次點題,升華並引起思考。
從思想內涵出發的設計:
從人物出發的設計:
從綜合考慮的設計:
不要怕重復,每一個人的情況不同。
5、 語言:要有分析性語言,什麼是好的,什麼是拙劣的,好的好在哪裡,不好不好在哪裡。條理清楚。
同時,要有文採的語言,不要寫成鏡頭分析。
最後,要有一定理論性的語言。
7. 為什麼成龍的電影那麼好看,豆瓣評分卻普遍在7分左右
不耐看,香港電影的通病。當年我們看的時候沒評分這么個事,現在沒幾個人回過頭專門給他評分。
8. 日本動畫和美國動畫的敘事手法和分鏡有哪些不同之處
我認為《大護法》是一部手繪山水背景,江湖風格的成人動畫。奕衛國大護法為尋找失蹤已久的太子,來到一個陌生小鎮,小鎮上空漂浮著一個巨大的黑色花生狀球體,故名為花生鎮。這里的居民外形酷似花生,當身上長出鬼蘑菇時便會被守衛槍決。他們反對一切外來事物,麻木而愚昧。在躲避守衛追殺的過程中,大護法
雖然沒個影院的情況不同,但從我的直觀了來看,排片確實非常少。
我周五看的電影,我家這邊只有早上 10 點以及晚上 9.30 兩個場。
排片率直接被打入冷宮,相比起本月的兩個票房大作,想要與悟空傳以及小黃人 PK 幾乎是毫無可能。
或許有觀眾還妄想著大聖歸來的奇跡能在大護法這邊再次靈驗,畢竟豆瓣已出 8 分,似乎所謂國漫希望、神作降臨的趨勢。
但以我憑心體驗,若以神片心態去看,只會失望而歸。
此片導演過於任性,似有一種「觀眾算蛋老子第一 」 的獨裁者特色。
雖說導演在之前便說此片是做給自己看的。但考慮到此片畢竟上了院線,還是暑假檔,我只能用小人之心來揣摩這句話是導演自己下的台階。
作為一部Cult片,(Cult電影,是指某種在小圈子內被支持者喜愛及推崇的電影,指拍攝手法獨特、題材詭異、劍走偏鋒、風格異常、帶有強烈的個人觀點、富有爭議性,通常是低成本製作,不以市場為主導的影片。)
其是否「值得一看」要看觀眾而定,其次,同期的『悟空傳』與『小黃人』比,這部片子確實少了『足夠吸引觀眾買票』的地方,因此若是以娛樂為角度,很難說它』值得一提『
因此,他是屬於』願者上鉤『的電影,若是對這類作品本身就有興趣,則愛看者可以去一看究竟
我先來說說這部片子的優點,這片子最大的優點在於『獨特』。
風格從開場便具有一絲中國氣息,紅色色調又是如此對中國觀眾胃口。
且裡面無論是人物還是世界觀的設定,均賦予著一種寧靜的狂野,若以動物為比方便是蜘蛛的感覺。
他世界觀與敘事中那種微妙的野性,雖然不會像好萊塢大片那樣張狂,但總會給人一種深入骨髓的沖動。
其畫面與分鏡令我覺得非常舒服,動作場面的那種流暢感以及細節的張力,給人回味無窮。
而且最主要的是,這部片子給人感覺製作組非常用心,他們不斷地在打磨這個片子,這種認真執著的勁頭其實可以傳染給觀眾的。
然後我要說說這部電影的缺點了,最直觀的感覺就是裡面所有人都不愛說人話
正派反派 NPC 真的是沒一個人愛說人話,這也導致整個片子觀眾根本無法移情到裡面任何一個角色。
這個作品裡的所有人、物,均讓人都覺得只是導演擺布的人偶,毫無生命氣息。
一部弘揚自由和反壓迫的動畫,裡面的角色卻被塑造成提線木偶,也真可謂可悲。
或許配音是一部分責任,但更大責任在導演和編劇。台詞是人物的靈魂,不能因為自以為是的文藝使得人物說不出像樣的 『 人話 』 。