❶ 什麼是反射性評價
反射性評價是指我們所知覺到的其他人對我們的反應。
我們也可以通過別人對我們所做出的反應來認識自己。C.H.Cooley(1902)創造出一個新的詞彙——鏡像自我，這個詞是指人們所認識的自我正是別人眼中所認為的自己的形象。
(1)日本電影亂反射評價擴展閱讀
相關實例——
Baldwin,Carell和Lopez(1990)招募了一些天主教的學生來參加研究。在研究中，他們首先給被試呈現一張照片，照片上是一個皺著眉的人。這個研究共有兩種不同的實驗條件：一是照片上的人是教皇，二是照片上是一個普通人。
隨後，主試讓參加實驗的學生對自己的人格特徵做出評價。結果發現，信奉天主教的人在看過皺著眉的教皇照片後對自己的評價要遠遠比其看到不知名人士的照片苛刻，也比看過同樣照片的非天主教教徒做出的評價更為苛刻。可見，教皇皺眉的形象足以動搖學生的自我形象。
❷ 這位女演員 叫什麼 日本還是韓國人
桐谷美玲
出處是：出自《燦爛的研修醫生》第七話 5分30秒處
http://ke..com/view/1176204.htm
觀看地址
http://www.tudou.com/programs/view/UTGQQ4m0M4I/
❸ 妖獸都市的影片評價
在該片中，李嘉欣扮演的妖精實在太漂亮，長發飛舞，雖然與王祖賢的女鬼扮相有得一拼，人妖之戀也依舊那麼凄美浪漫，李嘉欣甚至一背部全裸出鏡，但《妖獸都市》還是無法超越《倩女幽魂》，所以李嘉欣也無法憑藉此片擺脫花瓶形象，成為演技派。這么漂亮的美女，總是傻傻的表情、傻傻的打扮，實在可惜。 （新華網評）
在該片里的李嘉欣無論看多少遍都不會覺得膩，五官只能用完美來形容。雖然亦舒說她「美則美矣，沒有靈魂」，但是我表示這種沒有靈魂的美給我也就滿足了。（新浪網評）
「它的身體充滿五光十色，它的內臟是鋼筋和水泥，它就是我們的都市，我們人類都是它的寄生蟲。」這一次徐克再次回到都市，再卻充滿了黑色和殘酷，本片並非寫實之作，但卻充滿了對現實的影射和暗示。本片同樣充滿了對於時間的追問和隱寓。（新浪網評）
《妖獸都市》既是香港歷來少見的科幻片之一，也是徐克90年代最Cult的作品之一。
既然是科幻，噱頭自然集中在技術上，當中便包括一隻流淌著妖獸黑血、並能四處飛行的「時鍾武器」，刑警阿龍與阿刑則需將之擊退；此外諸如「液體妖獸」、「變形妖獸」等亦通過電腦特效展現各種特質，更有妖獸變形為彈珠機、摩托車，子彈停留腦顱反射，身體移形換影，妖獸「通電」療傷，手發鐳射光將墜樓特警托回樓頂等，高潮則是民航客機撞銀行大樓，妖獸父子則在機身上生死決戰一番，該場戲利用CG模型拍攝，在當時的香港影壇亦算富新鮮感的嘗試。
《妖獸都市》特效篇幅甚多，加上現代都市為背景，創作難度可謂不小，但老爺終究熱衷革新，通過與日本團隊的合作，總算打造出一部在當時而言頗有水準的科幻電影，而經此一役，也讓老爺學到更多的海外特效技術，繼而將之融入未來的其他作品當中。（網易評）
❹ 求 亂反射 百度雲免費在線觀看資源
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作品相關簡介：《亂反射》是2011年8月6日上映的一部日本電影，由桐谷美玲主演。該片根據第50屆腳穿短歌獎獲獎者小島直（小島なお）的同名短歌集改編。
❺ 生於七月四日的影片評價
《生於7月4日》是紐約著名導演奧利弗.斯通所導演的越戰三部曲中的一部。越戰三部曲，顧名思義一定是和越戰有關的片子。1967年，斯通應征入伍，在越戰中獲得了榮譽和洗禮，因此，這部《生於7月4日》可是說是飽含了他的滿腔的感情和思想，再加上越戰中的真實經歷，所創作出來的強烈的反越戰影片。
主人公羅尼是個健康活潑的孩子，從小就羨慕軍人榮譽的他長大後終於完成了心願，但當他帶傷回國後，他發現，其實那些榮譽只不過是表面的現象，而殘酷的真實和越戰所留下的後遺症將伴隨他的下半生。這種真實是常人所無法忍受的。不過，也正是這種赤裸裸的現實，才提醒了人們，敲響了越戰的反思的警鍾。
文章主線是以三次大規模的示威遊行所貫穿的。三次遊行，主人公的身份，形象，心情都是不一樣的。幼年的小羅尼坐在父親的身上，看到了大家熱烈歡迎二戰中回國的老兵，滿心的激動，看著他們身上的榮譽勛章，羅尼有了奮斗的目標，然而，喧鬧的人聲和大隊的人群並沒有讓羅尼看到老兵們的傷殘和顫抖的雙手，這也正是作者留下的伏筆，當全部片子看完後，你就會知道，那是老兵在聽到鞭炮聲後的條件反射，飽經槍林彈雨的他們在身體上的傷確實很深，但心靈上的傷痕更是無法痊癒，只可惜小羅尼並未想到這一點，這也就預示著他的夢想必將重蹈這些老兵的覆轍。
時光如水，生命如歌，轉眼間，越戰結束了，羅尼此時已經是一位下身癱瘓，靠輪椅度日如年的退役軍人，回國後，他失望了，在遊行中，他並沒有得到人民的歡呼與贊許，得到歐德只是反對和咒罵，他傷心了，他以為在越戰中的傷痕，至少是心靈上的，在回國後會得到彌補，但是他錯了，他被自己的信仰弄的身心俱損，不但要面對自己在越南槍殺數十婦孺和誤殺自己同伴的心靈上的巨大陰影，同時也需要面對國內人的反越戰斗爭的批判和責罵，他仍是一個天真的男孩，但這一次，他看到了真實，看到了勛章下的鮮血。越戰的殘酷婉轉的表達了出來，說服意義更加深刻。
漸漸清醒的羅尼不再天真，頹廢不堪的他憎恨社會，憎恨所有人，最終被放逐到了墨西哥了此殘生，可他並未放棄。在那裡，他遇到了同自己相同遭遇的人，同時昔日初戀情人的出現也給了他很大的影響，新的信仰逐漸滋生，生命的希望之光再度燃起，羅尼漸漸的可以以理性的思維去思考人生，也就是這最後一次的遊行，造就了一個強有力的反越戰鬥士的誕生。當這個社會和人民再一次的接受他餓時候，羅尼精神飽滿，胸有成竹，母親的夢想實現了，羅尼終於可以登上講台發表演講了，不過是以另一種方式而已。
湯姆.克魯斯將主人公羅尼這個人表演的很不錯，無論是從細節之上還是從心理上都心領神會，就和當他回家看到自己從前強壯身體照片時的情景，僅僅一個背影和通過相框玻璃反射的昏暗表情，就可以充分體會到羅尼當時的憂郁和傷感。他的每個動作緩慢而有節奏，再如羅尼在家咒罵社會，咒罵自己母親的場景，更能讓人體會到他精神達到極度崩潰時的程度，越戰的負面影響也更加的清晰明了，因此湯姆.克魯斯的突出演技也是這部片子得到我欣賞的一個關鍵。
整部影片並未對越戰戰場情景刻畫許多，短短十五分鍾的鏡頭足以交代事情的原由，作者並不想以戰場上的殘酷來打動人心，這是導演的匠心獨運，因此，整部片子的風格並沒有戰場上的血腥，也少有灰暗的天空，但那美國鮮艷的紅白藍三色國旗足以將主人公籠罩在政治的烏雲下，心靈上的創傷，通過湯姆.克魯斯的精湛演技，使觀眾們從心底里感到憤懣與同情。影片也少有大量配樂，但幾組遊行是相同的配樂在不同的時期都給了觀眾不同的感受，讓片子的本質逐漸明朗。
看完這部片子後，我深刻的認識到戰爭的殘酷以及它影響之惡劣，之長久。這部越戰的反思片在現在這個表面和平，但危機四伏，一觸即發的世界是有很大的警示作用的。同時，給我留下深刻印象的還有電影中的一個詞——信仰。一個人應當擁有信仰，但像主人公那樣的堅持自己的信仰，到最後又有什麼好的下場呢？但沒有信仰的人同時又毫無成功可言。也許，當初主人公不去聽從父母的教導，不去接受父母賦予他的目標和方向，他會生活的更好，但是，越戰依然發生，歷史不會改變。
整部影片不但給人以心靈上的強烈沖擊，同時也讓觀眾從各方面產生了不同的思考，因此，我覺得這才是這部影片不可多得的地方，也是在眾多戰爭題材的反越戰影片中脫穎而出的原因。
相關評論
越戰，開始之後呢？再之後呢？紛亂之後沉靜在蒼涼的政治荒蕪里。
先前不止一次地抒寫戰爭的豪邁與視覺背後的無限感慨，這就是讓雄性亢奮的意志力的較量，人性真正脆弱的一面仍舊是屬於個體的而絕非所謂的國家榮譽。
越戰文化是孕育在六十年代，思考在七十年代，卻在八十年代綻放異彩。為什麼美國人如此熱衷越戰題材：
⒈冷戰重建政治價值觀
二戰結束，美國經濟飛速發展。美國的不平衡就是色厲內荏地對共+產+主+義的恐慌，共+產+主+義在亞洲、東歐、南美遍地開花，美國在很大程度上想遏制紅色風潮在世界范圍內蔓延。在政治主導的大背景下，朝鮮和越南以聯軍的名義孤立+共+產+主+義打局部戰爭是必然趨勢。《驚暴13天》我們可以看到以軍備威懾和政治陰謀論締結地最後產物，片中有一段對白從花花公子肯尼迪嘴裡說出來似乎有些滑稽的味道，那就是防止蘇+聯成為第二個納粹軸心國。
⒉政治犧牲品與無畏犧牲
《尼克松》將越戰比作政治選舉的籌碼。從如今多數越戰題材電影來看，越戰已經被充分定性為美國政府一大撮激+進+份+子對國民的欺騙，是無謂滑稽的錯誤。價值觀的沖突與戲劇性轉變造成越戰題材在一定范圍內的爭議，有爭議就意味著潛在的觀眾消費市場。
⒊反戰文化流行
女+權、性+解+放、越+戰、共+產+主+義成為當年美國憤青的時髦用語。《阿甘正傳》中的越戰是詼諧幽默的，反+戰+集+會也帶有浪漫主義色彩。越戰不過是跑跑步殺殺人，反戰不過是吸吸毒打著旗號搞搞幼稚女青年，就連大會發言也變成調侃式的情人重聚。
⒋越南的特殊背景
似乎1907年以前越南的歷史是空白，包括文字，簡言就是用漢字書寫其中華歷史。作為中國歷史版圖的屬國，這一點是極為尷尬的。越南也一直迴避這樣的問題，造字運動與規避歷史，接著在果斷與老東家割袍斷義。
越南的形象就如同美國越戰題材電影中不可或缺的越南妓女作風，《生於七月四日》中概括了一句話，一個國家抗爭了近千年。
越南人有韌性的一面，法國人不行，美國人也不行，抱著魚死網破的決心堅決把殖民者與帝國主義者拖進軍事梅毒里。
⒌反思的偽善
越戰題材電影有幾個必然的顛覆性情節。
鱷魚的眼淚：無辜群眾一定是軍事強權的受害者。當然包括兩個層面，一個是美國參軍男青年，另一個則是越南農民。美國大兵在一場無謂的滑稽戰爭中在萬般無奈情況下成長為殺人機器；越南農民一般的群體比較龐大，包括老弱病殘孕，「誤」殺嬰兒是必備的。二戰紀錄片中也有日本婦女將懷中嬰兒拋下懸崖然後自己跳下去的影像，不管是什麼類型的戰爭，受害的總是平民，這一點是毋須置疑的，包括古羅馬到拿破崙還是其他。
妓女是佐餐猛料：幾乎每部越戰題材電影都必然會出現短旗袍戴斗笠披肩黑發的越南性工作者。《第一滴血》也不能免俗，至少史泰龍沒有像在《義大利種馬》來得通透。
《葵花寶典》是這樣煉成的：一般斬斷下體的男人最具有思辨性，他們一般坐在輪椅上但思維比較健全，將作廢的造精機能反噬成腦汁，以超脫常人的能力克服戰爭後遺症。
正是好萊塢導演告訴國民，國家派到越南無辜的混球們就是這樣在打仗，這種紀實性的模式就是為了打破習慣性思維，滑稽的戰爭噱頭荒唐的美國大兵。顛覆傳統模式，美國大兵不是無堅不摧，而是有血有肉且脆弱不完美的人。至少不會像伊拉克戰爭樣板戲《解救女兵林奇》做作得令觀眾產生嚴重的妊娠嘔吐反應。
奧利弗·斯通（Oliver Stone）的越戰三部曲《野戰排》（《 Piatoon》，1986）、《生於7月4日》（《Born on the Fourth of July》，1989）、 《天與地》（《Heaven & Earth》，1993），完全從人個體出發的電影作品。
美國學者將近年來越戰題材中商業與藝術雙豐收的電影進行詳細分析，然後歸結為西方傳統古典藝術的變種。《野戰排》是繼承了莎士比亞《亨利四世》第二部福斯塔夫和霍茨伯的基本內容，《生於七月四日》是荷馬史詩《奧徳修紀》的變種。
其實從三部電影連貫地看，奧利弗斯通對於越戰的思考並不明朗。反倒借鑒在《尼克松》中對越戰的政治觀點便比較切合，我個人認為手法純熟的應該是《野戰排》，奧利弗斯通在表現戰爭或是政治陰謀方面是比較強的，但參雜情感成分的電影便表現出或多或少的生硬與別扭，《門》便是例證，《天與地》的戰爭溫情是粗糙的，我們只能從畫面里了解斯通想表達越戰牽扯下的兩國人民，但以東西方巨大的文化差異，斯通很難將內斂含蓄的東方情結順利融入他的西方思維里。
三部電影里，除了取材爭議或是手法之外，劇本最具備藝術性的應該是《生於七月四日》。作為郎?科維克的真實故事，整個美國夢在他倒下的那一刻開始逐漸瓦解崩潰，其情節安排與沖突是文學性地再現。
電影開篇是童年的郎，一個典型的中產階級白人家庭，與所有四五十年代的美國家庭一樣，他們沉靜在戰後新經濟復甦的美國夢里，虔誠地信奉天主，陶醉在戰後的新美國秩序里。
電影有幾個嚴格的時間段，將肯尼迪的全國電視講話里，郎起航的愛國夢到輪椅上自己的電視演講算是一個奧徳修成長的變奏。
郎是越戰英雄，但回到國內，國內滋長的反戰情緒，與人們對越戰的質疑發展到冷漠。個人價值觀與肢體殘疾在一系列的國內矛盾中激化，從人本角度上講，因為戰爭他失去了一個男人起碼的尊嚴，那麼追逐所謂的國家榮譽變得一錢不值。
有幾處鏡頭的細節鏡頭：七月四日，美國國慶日。二戰老兵坐在輪椅上，聽著「嘭、嘭」的響聲打顫的鏡頭；朗坐在遊街的禮車上同樣打著顫，而街旁人們的面孔卻是沒有表情的蒼白。
價值的顛覆就意味著新的重建。六十年代末國內年輕人的叛逆與個性主導使郎覺得陌生與不解。
當他躺在墨西哥的妓院床上望著墨西哥妓女動情的表演潸然淚下的時候似乎一切的尊嚴與情感一瞬間地迸發。這是起碼的人本尊重，盡管建立在金錢的虛假上面，但郎看到的是新希望。
《阿甘正傳》里同樣有這樣一段，雖然在表現手法上不盡相同，但對於人性辯解與渴望理解尊重的希望是深深沖擊著觀眾的。
郎醉酒後的那段爭吵應該可以看作是整部電影矛盾聚集的中心，十誡中告誡我們不要殺人，但是你的教會你的天主讓我們在越南大開殺戒……政治、宗教、信仰甚至是性都虛假的，那麼我們又該信奉什麼？
的確，老兵歸來的美國不亞於一場新的越戰，榮譽與謊言使我們躊躇在光影的世界裡，盡管知道那隻是電影織造的善意謊言。
❻ 上海異人娼館的影片評價
《O的故事》本是一部著名的法國虐戀小說，曾多次被搬上銀幕。小說中的O象她的名字一樣是一個沉默、匱乏的女性符號，是接受和順從的象徵。她單純地順應男人的情慾，在變態的折磨中傾空自我，從而體驗異樣的滿足。1981年，日本導演寺山修司採用其中人物拍攝的這部《上海異人娼館》，在情節上卻與小說沒有多少直接關系，不過是借其異戀與神秘之核，營造一個個人的色情加異國情調的幻想空間。
影片使用的語言故意地復雜。畫外音敘述者使用法語，O和其他妓女的內心獨白使用各自的母語，不同國籍人物之間在交談時使用英語。而背景中的上海革命者使用著日語，讓中國觀眾感到莫名地別扭。然而，這種語言策略卻正適合影片對「異」的訴求，刻意地陌生，刻意地光怪陸離。
影片在開始及結尾處，都展示了一系列關於清末中國的黑白照片，城樓、帶枷的犯人，涌動的人流。這些與歷史時間明顯錯位的中國景片，再次表明，這是一個幻覺和夢境之中的故事，發生在一個作為原型的色情場所里，而所謂上海，所謂時代和革命，不過是一個具有傳奇色彩的背景，一個方便的異域符號，一個關於東方和艷情的想像提示。
影片中的妓院充分地凝縮了異國情調的大觀。在它精心裝飾的前廳里，嵌滿反射的鏡子，牆上掛著一排的月份牌美女，籠子里站著一隻紅紅綠綠的大鸚鵡，妓女們面無表情，身上的衣飾墜滿了流蘇、絲帶、薄紗。在它的門口，有一位印度門衛，在它的每個房間里，都有阿拉伯風格的雜役和打手出沒。而在妓女的房間中，擺有各色奇異的專門性活動用具，設計巧妙，製作精緻，以滿足客人變異的想像力。
影片在開始前引用了波德萊爾的詩作為題記，是《沉思》中的一句，「…挨享樂這無情屠夫的鞭子抽打」，詩人以此嘲諷塵世男女的虛妄追逐。用在這部影片中，首先是對相關情節的預敘，對整體虐戀色彩的提示。於是在敘事的展開過程中，影片展示了許多精美甚至華麗的性虐待畫面。不聽話的妓女被捆在閃亮的活動鋼架上，受到帶刺玫瑰花束的抽打；被皮帶平吊在半空中，聽任幾個大漢的蹂躪；嫖客把妓女稱做媽媽，一邊挨打一邊求饒；凡此等等。另一方面，波德萊爾的詩也是對影片非現實性的暗示，它以舒緩的節奏層層展開的異地男女的異戀故事，不過是導演或O的一場漫長的色情夢而已。
如果從這個角度出發，就可以原諒影片的一些僵硬和幼稚之處。如讓人感覺矯揉造作的輕曼鋼琴樂和時時響起的女高音歌吟，以及通篇充斥的過分直接的象徵性鏡頭和抽象獨白。因為在夢中，這一切都是可以理解的甚至必然的。在夢中，任何細小的事物都擁有需要索解的「隱意」，同樣的事物會經過變形和移置而反復出現；在夢中，個人的願望或幻想絕對會成為現實，上演夢像的場景也會瞬間地發生變化。同樣在影片的開頭和結尾部分，兩段表現上海街頭的空鏡的區別也是對夢與醒的指示。在開頭，伴著鋼琴聲，我們從O的眼睛中看到了低 矮的棚屋和窄仄的街巷，看到睡在江邊的腳夫和狗，煙館招貼下如木雕般枯坐的老婦，看到人力車跑過，光屁股的男女兒童在廟宇門口逮一隻鵝，這些，都是傳奇中的、永恆不變的中國。而在結尾，鏡頭從醒來的O的眼睛搖開，同樣的棚物和街巷，同樣的妓院前廳，卻是黑暗凋敝，空無一人。
導演似乎想要以弗洛伊德的方式給人物的異態行為一個合理的解釋，於是用了不少鏡頭表現O、斯蒂芬和日本妓女莎可亞莉的回憶與幻覺，如小女孩時的O被父親遺棄在一個粉筆畫出的方框里，莎可亞莉的父親因為醉酒忘了給孩子買玩具而裝狗，以及斯蒂芬在觀賞O與客人做愛時恍然看到O被捆在房頂的床上，周圍群鳥飛翔，鳴叫聲聲。在向這些場面轉換時，通常是鏡頭中出現一片曝光過度的白色，然後漸漸化入心理的場景。這樣的手法對於表現夢中夢的關系倒也貼切。
在影片中，O與斯蒂芬有著一體兩面的神秘聯系。在回溯的解釋中，他是O父親的替代，就如O手指上那套碩大怪異、象徵禁錮的戒指和銅指甲所意味的。但在影片的敘事中，斯蒂芬表現O慾望的分裂和投射。在一開始，暗場中二人的對白就有一種奇特的重復和不確定感，他們互相問對方：「我們在哪裡？」O曾抱怨屋中沒有鏡子，但當鏡子出現之後，它的功能不是映出主人的身影，而是成為斯蒂芬捆綁O的刑具。在O肉體的縫隙間，映出的是做愛的斯蒂芬和娜塔麗，鏡子對自戀的象徵轉化為慾望外化投射的象徵。後來，正是在鏡子碎裂、牆上斯蒂芬的照片被撕破之後，斯蒂芬本人的目光才不再重要，O才在自身中體驗到慾望和滿足。於是，斯蒂芬在為嫉妒而報復中推開門看到的卻是一片翻騰的大海，而他殺人之後也不再出現。O生命中的這兩個男人，分別禁錮和釋放了她的慾望，又同時消失，將她孤獨地留在醒來的夢魘中。
影片中被革命者攻下的警察局，門口的牌子上赫然可見「香港」二字，一個小小的穿幫。不過也不必苛求，因為說到底，這部影片不過是對東方奇觀加西方奇觀的雙重精美展現。就此功能而言，二十年代的上海可謂完全等同於此後的香港，一樣的東西方混雜，一樣充滿形形色色「異」的冒險。
❼ 怎樣評價影片《二次曝光》
第一層曝光是三角戀，第二層曝光是小蝌蚪找媽媽，最後一層撥開了看是秦皇島版白發魔女傳。
導演故意賣了前四十分鍾電視劇橋段的破綻，然後槍頭一抖，佛洛伊德登場，是曰「二次曝光」，告訴你看見的第一層遠非真相也，所謂的水作為某種反射介質，眼睛和絲巾的運用，如果這就是編劇方勵所謂「盜夢空間」之設置，那也忒山寨了。
中國商業電影人不去研究學習好萊塢常規敘事的內在邏輯，老搞這種看起來「高端」其實咋呼人的紙老虎段子永遠沒辦法提高，當代青年觀眾已經習慣美劇英劇敘事邏輯，再來看這種充斥自我迷戀的電影意義不大。
❽ 無法觸碰的影片評價
在2011年的法國影壇，如果說還有誰可能全面壓住《藝術家》風頭，那就是《無法觸摸》。這部之前並不被人看好的老套喜劇，創造了近兩千萬人次的票房奇跡，愷撒獎提名數都名列前茅，還奪得了東京電影節最佳影片。全法國三分之一的人口去電影院，只為看看片中的黑人小伙兒和殘疾富豪的友誼，正是電影中的某情某景，笑中帶淚，「觸摸」到了他們心中最柔軟的部位。
挑戰《歡迎來到北方》的「法國本土片票房第一」的地位，《無法觸摸》也無異於為低迷的法國經濟中注入一抹亮色。從形式上分析，他們都採用了「雙人轉」的經典角色設置：兩個性格截然不同，又來自不同地域和階層的人物，由於文化背景和語境習慣，在一場偶遇中碰撞出火花，亦庄亦諧，從沖突走向理解，最後皆大歡喜。《無法觸摸》選擇了現實社會中的種族組合，白人殘疾富翁和黑人貧窮護工的情感，因為真誠的寬容，超越了在法國社會日顯裂紋的深層矛盾。改編自真人真事的《無法觸摸》，在法國引發了一場話題大探討，因為特定的時間背景和觀眾心態，兩位演員出色的表演，在冰冷的失業冬季和彷徨的大選前夕，撩起了整個社會所關心的話題，超越了一部電影的普遍價值。
影片中癱瘓的貴族富翁菲利普，剛從監獄里放出來的「郊區青年」德利斯，都是這個畸形社會的受害者。假如人生路線沒有交叉，或許他們都無法擁有健全的明天。情感上的循序漸進，鋪墊了整部影片波瀾不驚的情節，《無法觸摸》只是把書中的記憶片段用畫面表現出來。菲利普和德利斯的友情是主線，菲利普和筆友，德利斯和母親則是副線，共同構成了整部影片中的飽滿情緒。生活里的點滴反射出內心的真實波瀾，許多巧妙的雙關語，針砭時政的玩笑，讓法國人忍俊不禁；而兩位好友在深夜的對話，德利斯遠望清潔工母親下班等，都成了觸動觀眾的「淚點」。影片只有第一段飆車和最後一幕約會才具有真正的戲劇性，其餘都像是男主演、喜劇明星奧馬爾·希擅長的獨角戲和耍寶。
弗朗索瓦·科魯茲的表演僅靠台詞，哮喘、抽煙、刮鬍子..這類小事兒加深了二人的友情，暫忘了生活中的不順和憂慮，在雪地中像孩子般嬉鬧，在天空中追逐自由的感覺。短暫的快樂隨著德利斯的突然到來又突然離去，這番經歷，就像是一個黑人版的《灰姑娘》，一個男人版的《風月俏佳人》，一個青年版的《為黛西小姐開車》。片中許多場景具有明顯的反差，暖色調的富人豪宅，冷色調的郊區高樓，前後兩個浴室的迥異，就給人以喜劇的效果，但在笑聲背後是法國社會無法調和的深層矛盾。兩位導演為影片取名「無法觸摸」，也可解成「無動於衷」，這其實是個反語，因為所有人都被「觸動」了，拉近了所謂博愛的距離 。
該類型故事已被無數次改編成電影。有時角色的演繹可以掩蓋劇本的不足。——《芝加哥太陽報》
《無法觸碰》是一部特別迷人的法式兄弟喜劇，它說明一個道理，只要演員技藝出色，觀眾就會拋開懷疑，接受不大可能出現的事 。——《今日美國》
溫暖、幽默，並帶有不同尋常的些許甜蜜。——《紐約觀察家報》
完全可以用9個字總結觀影感受：你會笑，你會哭，你給贊 。——《紐約時報》
雖然法國人普遍看好《無法觸碰》，但該片卻遭到美國《綜藝》雜志的激烈批評，被指「宣揚挑釁、好鬥」和帶有「種族歧視色彩」 。
❾ 性喜劇的影片評價
語不驚人死不休」的法國女導演凱瑟琳·布雷亞在電影中變得深沉了，對藝術的反思代替了激進的女性主義。自我反射地揭開女性導演在攝影機後工作的經驗。較之前面幾部轟動一時，引起廣泛爭議的影片，此番她表現得較為溫和內省，甚至可以說中規中矩，雖然片名具有十足的煽動效應，但不會給人多少感官上的刺激。
布雷亞粉碎了銀幕上那貌似真實的幻覺，破解了它們的製作過程，其實即使是那些看起來具有挑逗性的驚世駭俗的色情場面也不過是經過瑣碎的指導演出的結果。這或許可看作她對人們指責其作品過分露骨地以性引誘觀眾的某種回應。不過她的重心更多地在於展現幾位主角幕後的情感糾葛，所以這一「電影神話」的解析過程反倒顯得不那麼有力，整部影片也因此流於通俗的情感小品，少了幾分她往日的尖銳。台詞的有意警句化、深刻化倒顯得十分矯揉做作，冗長沉悶。但新鮮的題材和閃現的幽默還是使這部電影具有幾分可看性。
「性是一出戲」的片名似乎更符合影片的內容。雖然電影自誕生以來就有著紀錄寫實的功能，但實際上這種紀錄依然是非客觀的，所以用「假」去表現「真」是對一個導演最大的考驗，特別是對於凱瑟琳所拍的影片類型。其實，所謂挑戰道德底線的鏡頭，最終被證明不過是假，而對假的關注讓人們忽略了她要表達的「真」。
關於本片主演：
本片的主演是安娜·帕里約。當年默默無名的她憑借愛人呂克·貝松的鼎力相助，以《尼基塔》中的女殺手一角拿下了凱撒影後。然而此後不但貝松另尋新歡，她本人的演藝生涯也一落千丈，到了1998年恐怕沒幾個人能認出在《鐵面人》中扮演里奧納多母後的人是她。雖然演出布雷亞新片又迎來矚目，但仍讓人感嘆風華不再，只能再次回味《尼基塔》憑吊她當年的風采。
相對於帕里約的日落西山，男主演格雷戈爾·科林卻正處在冉冉升起中，作為年輕一代白面小生，他始終堅持拍攝藝術片，甚少參與商業娛樂片的演出。看看他的作品就知道他多受藝術片導演的偏愛：《暴雨將至》、《不知不覺愛上你》、《軍中禁戀》、《天使夢幻的生活》……
❿ 怎麼評價電影《復仇者聯盟》
非常值得觀看哦，這部電影簡直不要太火。
其他的也都很不錯，像有完美身材的黑寡婦等都是這部電影的看點。漫威系列的作品伴隨著我們一起成長，這一路走來漫威英雄也來越多，成為了觀眾們不可磨滅的記憶。而《復仇者聯盟》正是集結了無數粉絲的英雄夢，讓更多的人的夢想得到了實現。