Ⅰ 馮小剛嘔心瀝血卻無人問津的電影《一九四二》，只因現實更加慘痛
1942 年發生了許多大事。中蘇美英等國簽署《聯合國家共同宣言》，郭沫若創作 歷史 劇《屈原》，英國物理學家史蒂芬·霍金出生，中國女作家蕭紅在香港病逝，時年31歲。
也是同一年，身處抗戰前線的河南發生舉世震驚的大飢荒，上千萬人流離失所，近300萬人被餓死。
這一件極其悲慘的重大 歷史 事件至今在中國的史書上鮮有記載，今人對其真相知之甚微。
最後知名作家劉震雲為重溫這段幾乎已被這個民族淡忘的 歷史 ，走訪災難的倖存者，最終寫了一本名為《溫故一九四二》的調查體小說，他也由此成為這場災難的唯一記述者。
導演馮小剛看了後深有感觸： 「二戰時，希特勒和納粹屠殺猶太人的事情全世界都知道，但在1942年，中國河南旱災餓死300萬人，卻很少人知道，不要說外國人，中國人也不知道。劉震雲為此寫了一本書，我在1993年看到，非常震撼。」
後來馮小剛根據劉震雲的原著小說《溫故一九四二》改編成了一部敘述 歷史 性質的電影，叫做 《一九四二》 ，並重金邀請李雪健、張國立、陳道明等加盟出演。
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影片講述了老東家在河南大鬧旱災之時到陝西躲災，可未到目的地就以淪落為難民後，他親眼見證兒子，兒媳，老伴，相繼慘死，而政府的腐朽統治及日本人的入侵更是讓這場災難雪上加霜，最後只剩東家一人，在回河南的路上領養了同樣遭遇失去家人的小女孩的故事。
電影反映生活，可生活有時會比電影更殘酷。這些是搬上了熒幕的故事，那些 「易子而食」「賣兒棄女」「野狗吃屍體」「千里無人，餓俘山野」 的景象，又豈是短短兩個小時就能描述得出來呢？
其實從1941年秋季開始，河南開始出現旱情，很多地方已經有絕收現象，農民們開始刮樹皮，挖樹根當作食物，到了1942年秋季，持續了一年的旱情更加嚴重，樹皮、樹根已經基本被挖光，災民們開始大量死亡。照片上是當時陷入飢餓荒的河南災民，所有人都蓬頭垢面，等待著政府的救濟。
當時的政府雖然採取了救災行動，但既沒有計劃，也不盡力，各地都在互相觀望，推卸責任，隱瞞災情。
戰亂加上飢荒，有一些婦女為了能夠讓自己的父母以及孩子活命，主動把自己賣給人販子，換取一些糧食或者一點微薄的錢財。
1943年春，河南地區仍然乾旱，很多災民為了活命，選擇全家一起外逃，災情最嚴重的村子基本都是十室九空，成千上萬人湧向了陝西，逃荒路上餓死的、從火車上失足掉下來摔死的、軋死的人數無法統計。 目前公認這場災難中死亡人數是300萬，但真實的具體數字已經永遠成為了迷。
在電影里，為呈現出一個真實時代，以張國立為代表的這支逃難者主創演員不僅在開拍的半年前就開始練習河南方言。還在拍攝期間集體減肥，真正體驗長期飢餓的感覺。張國立說， 真正到了那種飢餓渾身無力的時候，你會發現人物的台詞很多都是多餘的。
時隔78年，當年大飢荒的親歷者，大多已經辭世，即使活著的，至少也是八九十歲的老人，河南《鞏縣縣志》中關於此事，只有短短一句 「民國三十一年，大旱，幾近絕收，加之日軍侵略釀成大災，農民多以樹皮、雁屎、觀音土充飢。」
當我們覺得電影氛圍太過沉重的時候，要知道這些血淋淋的畫面在過去 歷史 的某一個時刻真真切切的發生著。
影片一開始，就奠定了整部電影的基調，影片中大部分篇幅在拍攝逃難的過程，逃荒路上，一面是天災，一面是戰亂，四處是被炸斷的殘肢斷臂，哀嚎遍野，民不聊生。
而這一過程，導演多用暗色調來表現，象徵著底層人民暗無天地的生活， 且畫面絕大部分面積為乾旱的土地，極小部分面積為天空，這一畫面給人壓抑的感覺，暗示著政府的壓迫式統治。
同時導演多次運用特寫鏡頭來體現難民的慘狀，如特寫一群野狗啃噬逃難路上去世難民的屍體，給人極大的心靈沖擊。同時又多次使用遠景鏡頭來表現難民數量之多，又給人極大的視覺沖擊。
影片中災民逃荒的破衣爛衫、食不果腹和政府官員的豐衣足食、安穩無憂有著很鮮明的對比。
一開始片中提到 「蔣委員長因為河南飢荒特地減少了兩個菜，以表對救災的支持。」 這句話暗示了後面人民的背離的結局。在拍攝這一內容時，導演又巧妙的 採用以黃色為主的暖色調，來突出統治者安逸的生活。
一、地主范殿元（張國立飾）
范殿元原本是河南的一個地主，兒女雙全，家境殷實。因為飢民「吃大戶」，他的兒子在飢民和村民的混戰中被打死。為保家人平安，在飢荒來臨的時候，老東家趕著馬車，帶著他的妻子，拉著糧食加入了逃荒的隊伍當中。
在逃荒途中，他的兒媳生下孫子後不久就體力不支，餓死了。電影中有很揪心的一幕是，在兒媳餓死後，她的婆婆就趕緊抱著剛出生沒幾天的孫子扒開她的衣服，說趁著身體還熱喝幾口奶，但是她死去的兒媳早已沒有奶水。
後來他的妻子也餓死了，他的女兒被賣到了妓院，換了5升小米。
在逃荒途中為躲避敵機轟炸，范殿元抱著孫子趴在地上久久不敢起來，後來小孫子被他活活悶死了。
緊接著他的長工被日本人一刀穿喉，死了。
他的馬車，糧食，銀元在途中被地方的警察強行「徵用」，其實就是搶走了。
逃荒本是為了讓一家人活下來，可是范殿元到了陝西後就只剩下他自己，本是財主的他成了和佃戶一樣的逃荒者， 可見在災禍面前所有的逃荒者都是平等的。
一無所有的范殿元不想逃了開始逆著逃荒的人流往回走，路上有人告訴他說： 「現在回去就是個死」 ，他很默然地說，「 我就是想死得離家近些。」
范殿元那種絕望的心境，那種顛沛流離的疲憊精神使得他的希望如同肉體一般已變得危在旦夕。
然而他在轉過山坡的時候，碰到了一個同樣失去的親人哭泣的小女孩，小姑娘對范殿元說她並不是哭她爹死，而是她認識的人都死了。
范殿元要小姑娘叫自己一聲爺。小姑娘仰起臉，喊了一聲「爺」。於是，他拉起小姑娘的手，往山坡下走去。橫屍遍野，大雪飄搖。
二、范殿元的女兒－星星（王子文飾）
星星出現在鏡頭里的時候，懷里總抱著一隻黑貓，寧願自己少吃幾口飯也要帶著它，在躲過敵人飛機轟炸過後，她還無所畏懼地要跑出去找貓。
然而在她嫂子生下孩子後，她卻說讓家人殺掉了貓。隨著一聲刺耳的貓慘叫，貓被宰了燉湯，范殿元坐在閨女身邊，哭著說：星星，爹對不起你啊！然而星星沒有任何錶情地看著被扒掉的貓皮，最後還說了一句： 我也要喝貓湯 ，那時候的她也已經餓到發慌。
當妓院假冒被服廠來買女孩的時候，星星提議父親把自己賣了，范殿元不肯。星星勸說她爹： 我實在受不了了，連柴禾都沒得吃了，你讓我逃個活命吧！還能換五升小米。 她還特意向那個人強調自己識字讀過書，以此來作為「優勢」，最終她被買走了，她在服侍別人的時候，因為吃得太撐了導致蹲不下。
星星的結局是必然的，人在災難面前已經沒有底線了，一個小人物的歷程卻反映了當時環境下眾多人的遭遇，實為可悲。
三、佃戶瞎鹿（馮遠征飾）
佃戶瞎鹿是影片中最窩囊可悲的角色，為了幾斗小米他可以不管自己的老婆被人戲弄，他也可以賣女兒來換幾斗米給自己的母親治病。
盡管已經活的如此無下限，但他還是沒有在這場災禍中活下來，最後偷驢不成，一頭栽進了燒著開水的鍋里，留下了兩個孩子和他的老婆。
馮遠征所扮演的瞎鹿才是影片中真正的災民，活著就是為了吃飯，只要能活下來 。
馮小剛在《一九四二》里他沒有自己的態度，一切讓觀眾來定奪， 「你看到什麼就是什麼」 。
不需要渲染，不需要加工修飾，就用白描的手法把最真實的場面還原給觀眾，裡面從小人物入手，大量的細節描寫，看似黑色幽默,其實是深深的悲哀。
據說當時馮小剛找到劉震雲說想要拍攝這部電影的時候，連劉震雲自己都覺得震驚： 他認為沒有人要看這么一個悲慘的故事。
本片醞釀於1993年，啟動於2011年10月，最後馮小剛在最冷的五個月中完成了拍攝。因為是逃難題材的原因，整個劇組群演最多的時候高達六百多人，最少的時候也有三四百人，其中涉及轉場廂車兩百多輛，完全的拉鏈式拍攝。
然而就是這么一個龐大的團隊，他們在細節上所作出的努力卻十分令人動容。
比如在重慶的拍攝部分主要是國民黨和宗教人士的活動場景，這條街道是由攝制組設計，重慶市政府出資修建的。修建完成後，攝制組去現場後簡直被驚呆了，這些建築都是按照永久性建築來修建的，店鋪里所賣的東西也都是實物。
後來這條街也成為了重慶的著名景點：民國街。
攝影組印象最深刻的是難民扒火車的那場戲，為了有一個好的拍攝效果，拍攝組從山西轉移到東北終於找到了一個1942年美國產的火車頭，而且還能開。
可是光有火車頭沒有車廂也不行，於是製片部門又根據當時的難民 歷史 照片製作了逃難時的那種拉貨用的平板車。
拍攝時是在東北零下20多度的情況下，當地群眾還好心提醒劇組，不要用手摸鐵，不然真的撕不下來。可是為了呈現真實的效果，不能人人都戴手套啊，於是戴手套的去摸鐵，沒戴手套的就去摸木頭。
在零下20多度的雪地里、又在火車行駛過程中、火車頂上還坐了幾百個群眾演員的拍攝情況。攝影指導呂樂說，這輩子可能只碰到一次，可以當作他的收山之作了。
關於火車的六分鍾前前後後一共花了一個月的時間，就最後呈現的效果來說是值得的。
以喜劇見長的馮小剛此生最想拍的一部電影，就是這部極其沉重的災難片——《一九四二》。
這部電影可以說是馮小剛的情懷之作，他試圖借一場70年前的人間災難來反思國人的人性與救贖 。
然而電影上映以後，票房卻票房一敗塗地，與同期上映的《泰囧》票房相差近4倍，最後馮小剛拼了命的拍商業片還債。
一部電影是否成功固然不能用票房作為唯一尺度來衡量，但，票房卻能反映大眾對於電影所表達的內容和傳達的情懷的接納度和認同感。
很多網友看了預告片就炮轟馮小剛， 指責他「發國難財」，引發國人的共鳴，賺國人眼淚。 果然也應了劉震雲當年那個擔憂：沒人要看這么一個悲慘的故事吧，而且在如今這個幸福的年代，人們早已習慣迴避苦難。
張國立回憶，因為《一九四二》票房慘敗，馮小剛甚至掉了眼淚。當他問馮小剛是不是因為啟用了他才導致票房慘敗，馮小剛的回答很令人感動， 都不是這樣的原因，但反而正因為票房的落敗，觀眾對苦難的敬而遠之，他更覺得自己應當拍攝這么一部電影。
馮小剛打造 《 一九四二 》 的這份情懷，縱然無法和 歷史 媲美，但它自有其獨特的藝術價值。 它是一段回憶，也是一代人的苦難回憶，看過的人都說好，卻不敢再看第二遍。
在影片最後旁白念起:「十五年後，這個小姑娘成了我娘，當我記事起，就沒見她流過一滴淚，也不吃肉……」
「也不吃肉」 這四個字可以深刻地反映了當時人們對災難的沉思。
都說亂世造英雄，更多的靠的還是生靈塗炭。
馮小剛的深刻在於沒有把《一九四二》拍成了天災，而是把觀眾的視角引入了人禍。雖然大飢荒是天災，可其中亦有相當大的人禍因素。
《一九四二》非當下的災難，卻時時在我們生存的環境里重演，人性總是在爭奪，卻不能給每個人鞭策。
中華民族是一個遭受過苦難的民族，近代以來中華大地上演過無數的悲劇，有的之於國，有的之於家。
如今那個流民賊寇，是非顛倒的時代已經過去了，在我們眼前的是新時代的繁榮昌盛，國泰民安。
但是我們不應該遺忘災難，應該直面災難，正視災難，反思災難，才能免於災難。
Ⅱ 對於好萊塢的電影取得的成功，哪些經驗值得我們借鑒
好萊塢之所以能抓住全世界的觀眾，還在於它技術、內容、形式上不斷的翻新，有技術方面的優先性，因此如果想要拍片，一定要有新意，這個新意主要體現在內容形式上才能有競爭力。好萊塢在故事的結構上不斷改變，把故事情節寫得驚險，這是一種定律。有個很有意思的事，現在住在洛杉磯第三大道上的，到處都是寫小說的人，高度商業化催生了大量的人才。
不單是拍電影，從創作到取景再到技術和特效很多方面都是要去借鑒的。文化也還是與觀眾有密切的關系，更要了解受眾是誰。
Ⅲ 2016年電影圈最火的十大事件是什麼
(本文由劇透社公號原創：jutou321）
這一系列尷尬，讓它們在口碑和票房之間，也僅完成了一半任務。
眼下，影視投資風潮愈發強勁，影視從業者如雨後春筍般涌現，中國電影產業正在面臨一場抉擇。
商業就一定不會產出好的藝術么？
不知為何，這明明已經有正確選項的問題，
如今，卻讓人答不出來。
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每天牛逼一點點！
Ⅳ 高分!好萊塢對香港電影產業的影響!!
不是說不是一個檔次，而是性質不同。香港的早期電影黑社會壟斷太強烈。
而好萊塢大致分了大製作的商業片和小製作的沖擊史冊型電影。能者居的形式突出點。
說到影響自然有的。
特效借鑒，推波助瀾。仿潮興起。間接影響電影音樂。最膚淺的解釋就是影響了時尚！（好萊塢電影是香港電影一個片面的風向標）。而香港自成一派的功夫也是好萊塢所羨慕的。
Ⅳ 看完《變形金剛5》一臉懵逼電影中的昆塔莎宇宙大帝是誰
確定《變形金剛5》一經播出大受好評？這里的「好評」應該是打引號的才對。
現在對於一部電影是好是壞，也要從不同方面來看，比如是票房好，還是口碑好，還是票房和口碑雙豐收。
總體來看，《變形金剛5》最後的結局還是比較平淡的，也是很多美國科幻大片的慣用套路，而且這一部只是在畫面方面很有視覺享受，劇情的確是薄弱了一些，這也是口碑不好的重要原因。
Ⅵ 曾經輝煌的香港電影，為什麼說沒就沒了呢為什麼不再有新明星
簡言之，曾經輝煌的不是香港電影，而是以那一代人為代表的香港電影，都老了。
幾個關鍵詞，邵氏，香港無線TVB，周星馳，洪金寶，成龍，周潤發，劉德華，梁朝偉，張曼玉，劉嘉玲，李嘉欣，關之琳，鍾楚紅，梁家輝，張家輝等等的老去，他們經風華絕代，氣質卓絕。
而現在，隨著香港電影電視支柱的TVB的衰落，幾易其主，沒有了香港無線藝員訓練班的TVB，沒有造星機制的它，只能眼睜睜的看著自己，逐漸「失血而亡」。
隨著50，60年代生人的這一代巨星老去，剩下的70,80年代的人，能打的有幾個？
謝霆鋒？張智霖？答案是沒有。
雖然香港電影翻拍很多，即便是原班人馬，限於主演年紀太大，也不復當年的倜儻瀟灑。
曾幾何時，香港電影的最大買家是台灣電影，但是因為香港電影製片商的過於盤剝，台灣又通過了引進好萊塢電影的制度，台灣抵制香港電影，成了香港電影衰落的導火索。
明星都老了，就連成龍大哥的功夫電影，這兩年都勉強維持個不賺不賠，有時候甚至是賠錢。
內地電影人的崛起，張藝謀陳凱歌之後的徐崢，寧浩，黃渤，陳思誠等人逐漸展露才華，而與此同時，王晶江郎才盡，王家衛手中的棋子，也越來越少，好不容易出了個曾志偉的兒子曾國祥，導演了《少年的你》，主演還是易烊千璽和周冬雨。
香港的演員？就跟他們逼仄的住房一樣，困在所謂的千尺豪宅里，走不出來，格局的過小，導致人才缺乏鍛煉的空間，又沒有專門的培訓機制了，一個個的不成才。
沒有造星機制，哪有新明星啊。35歲的陳偉霆都扛起大旗了，可他的演技，也不咋滴。
說了這么多，其實是格局變了，香港不再是亞洲電影的中心，中心在內地，人才當崛起。
香港電影的衰落，發生在1997-2002年這5年，這個時候的香港電影海外市場開始大片淪陷，而並沒有進入中國市場。
2,2002年張藝謀的英雄之後，院線制改 革，釋放市場活力，大陸市場才開始起飛，香港電影才認識到大陸的重要性，開始大規模的進入。
3，大陸市場雖然在大幅擴大，但是香港電影並沒有獲得恢復的機會，因為大陸電影的本土文化親和力和大製作電影的投資力度，是香港電影所無法比擬的。香港電影無法跟大陸的本土電影力量競爭，導致失去復活的機會。注意，是失去復活的機會，而不是進一步衰落，因為她的市場實際上是增加了的。
4，審查制度對大陸本土電影的抑製作用是同時存在的，不構成香港電影的威脅。香港電影一直以來就有面向海外和大陸製作兩個版本電影的手法。
5，即使審查制度放開，大陸本土電影同樣可以製作江湖黑暗題材的電影，在適應本土文化上有天然的優勢，香港電影也難以重拾輝煌。 香港電影的製作水平和能力，我認為並沒有下降。 爛片是每個時期都有的，在優秀的電影中，寒戰、毒戰系列電影的製作水平與1990年代中期的作品相比，並沒有大幅下滑。
但是，這些電影的票房吸引力，明顯無法跟大陸本土的大特效魔幻片，像畫皮、狄仁傑這些競爭。 香港電影的衰落是由於香港經濟的衰落這個問題，我認為也是不合理的。 香港經濟在今日雖然無法像1990年代那樣耀眼，但是gdp仍然是在增長的，金融業、房地產業、零售業、 旅遊 業等很多支柱產業仍然繁榮，香港電影市場的總體票房也沒有減少。 在其他 娛樂 產業方面，香港的電視劇、音樂雖然在大陸失去了影響力，但是在本土仍然是受到歡迎的，同樣受到盜版的影響，但香港仍有陳奕迅這樣的歌手，TVB的電視劇在本土的市場份額也沒有受到沖擊。但是電影，確實衰落的更加嚴重了，連香港人也主要去看美國大片，而不再追捧本地的港產片。
在面對盜版的沖擊方面： 全世界的電影業都在面臨這個問題，但是在所有的 娛樂 產業中，我們可以看到，那些小成本製作的 娛樂 產品，比如小說、音樂，受到盜版的沖擊要比電影嚴重的多。相對來說，電影產業的整體規模並沒有縮小，否則無法解釋近年大陸電影市場的高速發展。 電影產業和其他文化產業相比，最大的區別就是： 其單個產品製作成本的投入，要遠高於其他文化商品，尤其是如今這個多媒體時代，電影要想吸引觀眾進入電影院，大特效大場面的幻想片模式是最重要的法寶。 在大片時代，擁有巨大的本土市場，可以提供天價成本的大製作投入，可以通過高投入的數字技術和其他國家電影拉大視覺效果差距，是美國電影能夠在世界重新建立霸權地位的重要原因。
2010年的阿凡達，全球票房收入27億美元，所過之處一片炮灰，管你是什麼國家的電影，莫不俯首稱臣。從此之後，美國電影紛紛製作立體電影（特別是動畫片，全部3D化），其視覺體驗、製作成本要求與其他小地方的2D電影的差距更加拉大。 即使是日韓這樣的發達國家，本土電影也只是依靠一些接地氣的影片來維持生存，比如日本的動畫片、電視劇片，比如韓國的諜戰片、黑幫片、情色片。
只要美國大片一上映，基本上紛紛躲避。 香港電影與日韓相比，其本土市場的狹小，在大片時代的嚴重不適應，是一個致命的原因。 而香港電影，要想接上大陸的地氣，很難很難。
希望能幫到你
曾經輝煌的香港電影走向沒落，是什麼原因？下面我們就來分析下。
香港電影斷代十分嚴重，最為輝煌的一代現在已經都是50多歲60歲的人了，這部分人現在還能撐起香港電影的一片天，但是這部分人終於有一天是會老去的，至少在十年左右會慢慢淡出 娛樂 圈、電影圈，一旦這部分人淡出，那麼香港電影圈中我實在想不出還有多少人能夠撐起這偌大的市場。
現在我們看香港的電影，就本上都是一些老面孔，年輕一代基本上沒有什麼特別優秀的人物，對此我對香港電影的繼承問題十分擔憂，斷代現象十分嚴重，新一代難以崛起。隨之而來的就是老一代老去之後，香港電影就真的走向沒落了。
即使你們不相信，但是內地 娛樂 圈正在崛起，雖然產出的作品參差不齊，但是有點我們必須的承認，那就是內地電影市場並沒有出現斷代的問題，無論是老一代還是中生代又或是年輕一代都是在蓬勃發展，雖然現階段還是有很多很多的問題，但是就是這樣有問題的電影人，源源不斷的支撐起這個電影市場。
最後：香港電影的沒落，會讓更多的內地電影人進入香港電影圈中，或許後面香港電影圈要靠內地無數年輕電影人去支撐了
總結說一句：香港電影圈的沒落已經是肯定了，短時間內基本上很難再回到正常水平，至於說再次回到巔峰，基本上是沒有多少機會了，就現在的電影市場，香港電影很難再一個時期內誕生這么多優秀電影人了。
香港電影黃金時期，可謂是是百花齊放，各種類型的香港電影層出不窮，全部都是一流水準，哪怕和今天的電影相比，仍然是有過之而不及，比如大家都熟悉的英雄本色、五福星系列、逃學威龍系列等。
但是香港電影到了1995年以後就開始慢慢的走下坡路了，特別是到了2003年更是到了香港電影界最黑暗的一年，除了經濟低迷的原因之外，好萊塢電影的崛起也是一個很重要的原因，特別是香港兩位重量員的逝世，就是張國榮和梅艷芳，對香港電影更是雪上加霜。
第1個最根本的原因就是資金問題，因為那一些粗製濫造的電影想要回收成本，基本不可能也無法投入到新的電影當中拍攝，外商在向外尋找新的派出市場，香港的經濟也受到了沖擊。
第2個原因就是香港演員本身青黃不接，想一下以前香港電影有多人，周星馳、周潤發、成龍等，現在香港演員好像都拎不起來，都沒有幾個能稱得上檯面的。
第3點最重要的原因就是國外電影行業的崛起，特別是好萊塢，比如1997年泰坦尼克號獲得了21億美元的票房，而香港全年的票房卻只有4500萬。
香港電影的海外票房也在逐漸的敗退，本土的市場也在受到了排擠和擠壓，在國外電影市場蓬勃發展的同時，香港電影確實停滯不前乃至在退步。
最後一點原因就是人們喜好的改變，經濟與發展的同時，人們對於電影的期望也發生了改變，更加追求高製作高新穎的電影，比如美國的那種科幻大片。
香港電影曾經的確是輝煌過，幾乎每天都有新電影上映，一個二流演員，每天都要跑十幾個劇組拍戲，因此也成就了不少演員，明星。到了1997年之後，到了21世紀，香港電影開始走下坡路，這是為什麼呢？
第一點：我覺得以前的香港電影大多是在講故事，藝術來源於生活，電影劇本也都是根據真實故事、人物事跡來改編的。香港的環境不同，所以很多電影題材都可以上映，所以香港電影產量很高。不過呢，題材雖然很多，但也會走到黔驢技窮的地步，電影編劇們的創作靈感也會少很多了。
第二點：大陸的電影市場崛起，成為香港最大的競爭對手。同時，大陸市場更是香港電影工作者，演員們嚮往的地方，畢竟市場大，錢更多。香港大牌演員，老戲骨紛紛北上發展，也導致香港電影的沒落，有好劇本，也不找不到好演員來演。
第三點：年輕一代的演員，在演技方面完全無法超越前輩們，因為以前的演員是靠演戲吃飯，演得好，才會有更多工作。現在的演員呢！公司可以打造，會不會演，會不會唱都無所謂，只要你漂亮。這樣一來，到了看臉的時代，劇本、演技都不被看中，老一輩演員根本又不會去接爛片。
不過，總得來說，就是香港電影題材無法創新了，即使創新，也要面臨審查，所以收到了諸多限制。
首先，香港電影經歷了從上世紀60年代到80年代約三十年的輝煌之後，從90年代起到現在一直在衰落，當然，我們要限定一下，在這里只考慮商業片。在肯定這個事實的前提下，我就總結一下香港電影的衰落，之所以稱為總結 是因為，我本身對於這個問題非常好奇，就在各地找了大量的評論，經過認真的閱讀之後，便將介於主流和邊緣的、但是比較符合事實情況的觀點剝出，並用上所有先人們的論據，得出此文。
天時、地利、人和皆備
首先說香港電影三十年輝煌的原因，這一小節從外部原因講。一個國家或者地區電影產業的發達程度與所在地經濟、 社會 環境密切相關，好比現在的大陸電影，繩索太多、限制過死，自然發展困難。
而六十年代的香港是什麼景象呢，經濟開始起飛，商貿逐漸繁榮，人口迅速增加，文化日益多樣，地區影響力迅速崛起，是不是看著像高中 歷史 課本，對，就是這樣，在這種環境大背景下，加上以邵氏電影公司為代表的商業資本投資電影產業，香港電影業在獲得了充裕資金的滋潤後，迅速崛起，不論是產量還是質量在當時的年代都是亞洲領先的。香港一度成為好萊塢之後世界第二大電影產地，並在東亞、東南亞國家建立了自己獨有的影響力。
接著，為什麼香港電影就在東亞和東南亞就勢如破竹呢，這就是當時這些國家的國情決定的，日韓在相當長的一段時間里沒有形成有規模的電影產業，而東南亞國家的實力說實話來講離香港差了點，首先經濟起飛時間就晚了十年。
並且東南亞大量的華人也為香港電影的快速及普遍的接受提供了可能。
人和呢，就不用說了，以小龍為代表的幾代電影人（包括演員、導演、編劇等等）的實力直到今天來看仍是空前的。
武俠、動作片一統江湖
這里就不多說了，主要就是香港電影在當時以邵氏電影為代表的武俠片、功夫片的 娛樂 性、觀賞性已經能夠滿足香港及東南亞的大部分觀眾的觀影要求，畢竟以好萊塢為代表的西方大片還沒有進來，可以說，大部分的觀眾的眼光要求還不高。
刀光劍影、鬼哭神嚎的註定不長久
接著第二小節，問題隨之就出來了。刀光劍影、鬼哭神嚎的香港電影在縱橫了三十年的江湖之後，終於發現觀眾開始不買賬了，電影吸引力不管是在香港本土還是在海外都開始急劇下降了。
為什麼？很多人說了很多的外部原因，這些外部原因我會在下一個小節全部列出，但是我想在這里重點說的是是香港電影的內部原因註定會給港影帶來這樣的後果。
哲學講內因決定外因，用在這里特別恰當。我在上面已經說了
電影僅僅是形式，吸引人的是新鮮。現在香港有的，全國都有，包括頂級富豪。以前電影是燒錢的 游戲 ，下海的不多，現在門檻降低，不易壟斷。互聯網時代，玩法變了，發行方式改變。
Ⅶ 好萊塢最主要的三個歷史時期是
好萊塢電影自誕生後不久就在國際上占據了重要的地位，時至今日已成為世界電影工業的霸主，活躍於世界的每一個角落。縱觀好萊塢發展史，好萊塢電影美學風格在上世紀的六、七十年代有一次較大的變化，在此之前可以稱為經典好萊塢時期，而之後則可成為新好萊塢時期。 第一次世界大戰結束以後十年中間，對於美國電影而言，乃是一個征服全世界的興盛時期。外國影片在美國兩萬家電影院的上映節目中已經完全消滅。在世界各國，美國影片占著上映節目60～90％的優勢，每年約有兩億美元被用來生產800多部影片。電影方面的投資超過15億美元，這樣大的資金使電影事業在美國成了一種大規模的工業，在資本上可以與製造汽車、罐頭、鋼鐵、石油、紙煙這些美國最大的工業相比擬。派拉蒙、勞烏、福斯、米高梅、環球這些大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行。它們和華爾街的金融巨頭如柯恩·洛埃伯銀行、通用汽車公司、杜邦·德·奈莫爾、摩根、洛克菲勒等密切地結合在一起。 自從格里菲斯失勢之後，金融資本家所重視的已不是導演，而是電影明星。後者成了製片公司的一種工具或者商標。從這時起，影片的真正主人是製片人，也就是那些被華爾街的銀行家所賞識與選定的企業家。電影導演和照明技師、攝影師、布景設計師一樣，只不過是每周領取一定報酬的受雇者而已。製片人利用解除合同這種暗中威脅的辦法，把導演過去所掌握的大部分實權，如對主題、明星和技師的選擇、劇本和蒙太奇的仔細推敲、布景和服裝的監督等等，全部奪取過去。 這樣一來，製片人便成了決定藝術成敗的一切因素的主人。他最關切的乃是怎樣多賺錢，他的董事會也只根據影片的利潤率來估量他的價值。因此攝制影片完全以票房收入為指導原則。他們對獨立的影評家的評論，滿不放在眼中，而事實上，這種影評在美國當時可說幾乎全未存在。 但製片人自己只在幕後指揮一切。在好萊塢露面的乃是電影明星，而「明星制度」也成為好萊塢征服世界的基礎。觀眾對電影明星的崇拜是用幾百萬張簽名的照片來維持的，廣告和宣傳在這些偶像周圍創造一種傳奇的氣氛。明星的戀愛、離婚以及他們所使用的化妝品、住宅、他們喜愛的動物，在某些國家成了一般人關心和津津樂道的題材。「明星制度」甚至使魯道夫·范倫鐵諾、瑪麗·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛麗亞·史璜遜、華萊士·雷德、約翰·基爾伯特、梅·茂萊、瑙爾瑪·塔爾麥琦等人變成了真正被崇拜的偶像。 一些有名的宗教團體對這種競爭深感不安。清教徒對好萊塢展開了一起起攻擊，這些攻擊又因一些明星醜事的傳播（如：華萊士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亞布克爾參加的一次宴會上遭到了謀殺，以及某些明星曾犯謀殺或因戀愛犯罪等等），而變得更加猛烈。 此時資本家成立了一個名叫「美國製片人與發行人協會」的機構，這個機構是由一個虔誠的清教徒、共和黨領袖威廉·海斯負責組織起來的。按照海斯的說法，電影變成了旅行商人，「商品跟在影片後面，凡是美國影片深入的地方，我們一定能夠銷售更多的美國貨物」。 當好萊塢了解到這種國際使命時，美國某些明星扮演的人物也發生了變化。道格拉斯·范朋克在「三角影片公司」時曾幽默地扮演一個強壯、天真、樂觀、為女人所喜愛的美國英雄，但到後來卻在墨西哥的《佐羅的標記》、法國的《三個火槍手》、英國的《羅賓漢》、東方的《巴格達竊賊》及《黑海盜》中變成一個不可戰勝的大力士，一個無所畏懼和無可指責的騎士和保衛正義而且總是獲得勝利的人。隨著年歲的增長，范朋克日益喜好巨大的布景、極端的豪華和神秘的力量。 拒絕把自己附屬於明星的導演為數可說極少。隨著好萊塢的建立，電影先驅人物不是日趨沒落就是銷聲匿跡。托馬斯·英斯已經故世；麥克·塞納特雖然還在繼續攝制一些優良的作品，但他的聲譽卻並未因此增長；至於格里菲斯此時則正在逐漸走下坡路。標志格里菲斯登峰造極的作品，在美國乃是他的《一個國家的誕生》，在歐洲乃是他的《被摧殘的花朵》，在電影藝術方面則是《黨同伐異》。但是，商業上的失敗終於註定了格里菲斯的悲慘命運。這位被列入製片廠黑名單的偉大藝術家，在他以後殘余的二十幾年生命中，再也沒有機會導演一部影片了。好萊塢的拜金主義把它的創始人都毀滅了。 格里菲斯的沒落，正好和西席·地密爾的興隆形成鮮明的對照。後者的庸俗的商人氣息和浮誇的作風，成了好萊塢影片四十年以來的特徵。他拍了各種樣式的影片，從浮華喜劇《男性和女性》和其他由格洛麗亞·史璜遜主演的影片，一直到場面豪華的反蘇宣傳片《伏爾加的船夫》和反對無神論的鬧劇片《不信上帝的少女》（片中有對兒童監獄的傑出描寫），凡是能夠賺錢的影片，他都加以攝制。地密爾最成功的作品是一些帶有濃厚游藝場氣氛的大型片，在這些大型片中，地密爾除了取材於聖經上的故事以外，還加進了一些色情的描寫。好萊塢給他一筆格里菲斯所得不到的資金來攝制場面浩大的影片《十誡》和《萬王之王》。地密爾由於承襲了義大利電影的老傳統，結果成了最能賣座的商業性影片的導演之一。弗萊德·尼勃羅模仿他的例子，替高德溫和梅育拍了一部叫做《賓虛傳》的巨片，這部影片花去了600萬美元的攝制費，雖然風行一時，可是收入卻不過400萬美元。 好萊塢這個驟然之間交了紅運的城市，具有暴發戶們的那種低級趣味，他們建造的豪華的別墅，硬把羅馬的露天劇場和洛可可式的堡壘，天主教的大教堂和摩天大樓結合在一起。這種建築上東拼西湊的誇張趣味連同那種說教式的象徵趣味，在根據勃拉斯哥·伊巴涅茲的原作改編的影片《啟示錄四騎士》里表現得最為突出。這部由雷克斯·英格蘭姆導演、使范倫鐵諾因此成為明星的超級影片在上映收入上打破了紀錄。英格蘭姆在其他影片中——例如在無聲電影末期他將結束電影生涯時在尼斯攝制的那些影片中——也顯示出這種講究形式的作法。 好萊塢在成為國際上的強大勢力以後，它攝制的題材也變成國際化了。在它最賣座的無聲片中，以美國為背景的為數很少。在這些影片中，只有詹姆斯·克魯茲導演的那部極著名的《篷車》直接取材於美國歷史，是一部歌頌開拓西部地區者的史詩。 西部片由於托馬斯·英斯和W．S．哈特的功勞，曾提高到藝術的水平，但此時的西部片，除了象約翰·福特的《鐵騎》這樣極例外的影片以外，又變成了一種廉價影片的同義語，由一些專門迎合平民觀眾的導演和無名的演員粗製濫造地攝制出來。美國電影這種「失去本國特性」的傾向成了極其普遍的趨勢。亨利·金雖然還能按照托馬斯·英斯和格里菲斯的傳統，導演了一部完美的、描寫美國地方生活的影片《孝子大衛》，可是人們不但不鼓勵他沿著這一方向前進，反而導使他去攝制一些流行的言情小說（如《史泰拉恨史》），或者象他以後在羅馬攝制的那些影片那樣，向著義大利那種場面巨大的影片方向去發展（如《羅莫拉》、《白修女》等）。 由於金融資本的國際聯合、審查制度的嚴格、流行小說被有系統地搬上銀幕、明星制度、專為賣座的打算和製片人的拜金主義這些原因，使得美國電影藝術日趨貧乏，這種貧乏和物質的豐富相形之下，顯得更為突出。但美國電影中至少還存在著一個作品豐富的喜劇學派和幾部例外的作品，這些影片幾乎都是由外國籍的導演攝制出來的。萊昂斯·彼雷給美國人培植了對浮華喜劇的愛好，加斯尼埃則是系列影片的創造者之一。除這兩人以外，還可以舉出肖塔爾、阿爾倍·卡普拉尼，以及協助卓別林導演《巴黎一婦人》的阿巴迪·達拉斯特。 1920年以後，好萊塢為了打倒它的競爭者，大量吸收外國籍的優秀導演和演員前往美國。 莫里茨·斯蒂勒帶著葛麗泰·嘉寶來到美國。但他專門為從德國來的演員波拉·尼格麗和強寧斯導演影片。他導演的《帝國旅館》和《罪惡之街》這兩部影片，無論在藝術上或商業上來說，都不是很成功的作品。與斯蒂勒相反，嘉寶在美國卻大走紅運。這位著名的女悲劇演員，確實是好萊塢一棵搖錢樹，同時也給好萊塢的攝影棚帶來了藝術。廣告宣傳使嘉寶成了傳奇式的人物。她所主演的影片片名本身就具有一種宣傳性質，如：《誘惑的女人》、《肉與魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野蘭花》、《接吻》等等。她在傳奇式的故事中表現了歷史上最著名的多情女子。 除了嘉寶以外，斯堪的納維亞半島的移民，對好萊塢幾乎沒有帶來什麼貢獻。但從德國來的移民，特別是斯特勞亨、劉別謙、馮·斯登堡，卻對美國電影有很大的貢獻。歐洲電影的示範作用，使幾個美國導演傾向於攝制一些藝術性超過商業性的影片。他們之中有幾個確實達到了藝術的水平。有聲電影興起的前夕，美國出現了一批有才能的新電影導演，這些導演在某種程度上開始接替了先驅者的地位。 好萊塢在它歷史上最繁榮時期，它的電影先驅者和歐洲最偉大的電影藝術家，與其說是加以利用，毋寧說是加以排斥。隨著好萊塢的世界霸權的建立，它大部分生產就陷於毫無意義和追求豪華場面的停滯局面。 1927年10月23日，阿蘭·克勞斯蘭德攝制的有聲響、對白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，標志著電影已進入了它的歷史的一個新時代。有聲技術的運用使電影中復雜的敘事與流暢的對話成為可能，這一切促成了經典好萊塢電影濃重的戲劇化風格。同時這種風格也符合當時的製片廠制度。由好萊塢巨鱷麥克•塞納特創造的製片廠制度客觀上要求電影必須以迎合最廣大觀眾的審美需求為目標，而傳統的被大眾所熟悉的戲劇化美學觀顯然是最好的選擇。類型電影在這樣的背景下應運而生。這些被克拉考爾稱為迎合觀眾「深層集體心理」的影片，通過程式化的情節、類型化的人物，迅速占據了觀眾的視野，科幻、歌舞、犯罪等形式的類型片得以在世界影院中大行其道。 西部片作為最「美國化」的類型片在經典好萊塢時期佔有重要的地位。西部片頌揚、推崇那種粗獷的個人主義和適者生存的精神，體現著善必勝惡的道德理想，因而在美國影壇上長盛不衰。弗雷德•金尼曼拍攝於1952年的《正午》就在很多方面體現了西部片的特徵，或者說是體現了經典好萊塢時期影片的特徵。 然而，《正午》雖然在很多方面有著經典好萊塢的影子，但它決不算是一部地道的經典好萊塢電影。事實上這部拍攝於1952年的影片在好萊塢發展史中扮演著新舊兩時期轉折點的角色。《正午》中最明顯異於傳統好萊塢影片的莫過於對凱恩這個形象的塑造。傳統西部片中的英雄形象往往代表著絕對的正義與公理，而凱恩在影片中卻處在一個尷尬的境地。由於小鎮居民不肯幫助這個曾經保衛他們的警長，使得凱恩的對立方不僅是惡棍，甚至還包括了小鎮居民。影片對凱恩作了大量的心理描寫，他開始思考自己的立場與行為，思考自己的何去何從。《正午》中塑造人物避免了過於類型化，對以往的警長形象也有了一定地顛覆，影片還放棄了西部片一貫的大團圓結局，選擇了凱恩扔掉警徽離開小鎮作為結束，增強了故事的客觀性。 《正午》拍攝於1952年，而這恰是好萊塢黃金時期剛剛結束的時間，好萊塢隨之進入了一段困頓的低潮期。直至上世紀的六、七十年代，隨著西方社會後工業化、後社會化的愈演愈烈，新的社會藝術思潮泛濫。這些新思潮激盪著人們的思想，改變了人們對於藝術的欣賞取向和接受程度。電影的觀眾群體也發生了變化，經典好萊塢時期電影的風格已不能滿足他們的觀影需要了。四十年代的義大利新現實主義運動和五十年代的法國電影新浪潮沖擊和影響了當時的美國影壇，加速了好萊塢電影的變化。於是以亞瑟•佩恩的《邦尼與克萊德》為代表的一批「新式」的影片應運而生，也拉開了新好萊塢時期的序幕。 新好萊塢時期描寫人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善惡分明的類型化人物，而是具有更加復雜的內心世界。新好萊塢注重人物的立體化與心理化，增加了影片的層次與深度。新好萊塢電影的敘事特點，即在繼承好萊塢善於講故事傳統的基礎上，將影片的故事納入到廣闊的社會背景中，為影片融入真實性與社會性，使好萊塢電影較之以前更加具有社會意義與深度。 新好萊塢電影還受到歐洲電影的深刻影響。商業電影藝術化、藝術電影商業化成為這一時期電影發展的一個趨勢，許多歐洲藝術電影的處理方法被用於好萊塢電影中。 從經典時期到新時期，電影在好萊塢這塊土地上經歷了半個世紀的演變，無論是故事結構還是人物形象或是觀念意識，都發生了巨大的變化。經典好萊塢時期的一套手法在當代已不能滿足觀眾的需要，而更善於適應社會時代需要的新好萊塢電影卻悄然占據了觀眾的視線。 從70年代到80年代的過渡時期，新好萊塢完成了自己的使命。近10年的時間，美國每年生產200部左右的影片，電影與電視爭奪觀眾的競爭已達到平衡。電影保持著10到12億的觀眾，並且有了自己的越來越廣闊的海外市場。據1993年的統計證實，美國電影國內票房收入達52億，發行收入26億。視聽產品的貿易順差僅次於飛機製造出口業，為美國第二大行業。在全年世界銀幕上上座率最高的10O部影片中美國影片佔88部。 好萊塢電影通過自身的調整完成了向後工業時代的過渡，至今仍雄踞世界電影工業金字塔的頂端，顯示出其強大的生命力。通過對好萊塢的全面考察，有助於我們對日常生活中電影的思考，有助於我們對自己的民族電影的判斷。對一般觀眾來說，可以作為娛樂方式看待好萊塢電影；對電影創作者來說，可以學習好萊塢式商業電影獨特的藝術形式的規則；對於製片人來說，可以從好萊塢式的商業規則中，學習好萊塢的電影理念和運作方式；而對理論家來說，可以通過對好萊塢特性的認識反思的歷史和問題。考察好萊塢的電影史對於中國電影產業的發展，不可不說是有所裨益。
Ⅷ 《極速車王》：論黑福特，這部電影是認真的
2020年2月，《極速車王》獲得第92屆奧斯卡金像獎最佳剪輯、最佳音效剪輯獎。在豆瓣上，它的評分高達8.5。
基於此，不少觀眾在影片的渲染下都會認為福特的高層是一群蠢豬，如果沒有這個荒謬的指令，邁爾斯將成為歷史上第一個同年連續贏得戴通納24小時、賽百靈12小時和勒芒24小時耐力賽冠軍的車手，這是何等的榮譽。然而，福特為了自己的利益，中止了它。
寫在最後
不可否認，電影當中的福特有些讓人討厭，特別是高層的一些做法令人唏噓，但實際上，這只是藝術加工的一部分，大家不必過於追究。對於世界汽車工業而言，福特是濃墨重彩的一筆，而這場福特與法拉利的恩怨情仇，以及卡羅爾·謝爾比與肯·邁爾斯的傳奇故事，才是我們應該去銘記的。
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