❶ 什么是反射性评价
反射性评价是指我们所知觉到的其他人对我们的反应。
我们也可以通过别人对我们所做出的反应来认识自己。C.H.Cooley(1902)创造出一个新的词汇——镜像自我，这个词是指人们所认识的自我正是别人眼中所认为的自己的形象。
(1)日本电影乱反射评价扩展阅读
相关实例——
Baldwin,Carell和Lopez(1990)招募了一些天主教的学生来参加研究。在研究中，他们首先给被试呈现一张照片，照片上是一个皱着眉的人。这个研究共有两种不同的实验条件：一是照片上的人是教皇，二是照片上是一个普通人。
随后，主试让参加实验的学生对自己的人格特征做出评价。结果发现，信奉天主教的人在看过皱着眉的教皇照片后对自己的评价要远远比其看到不知名人士的照片苛刻，也比看过同样照片的非天主教教徒做出的评价更为苛刻。可见，教皇皱眉的形象足以动摇学生的自我形象。
❷ 这位女演员 叫什么 日本还是韩国人
桐谷美玲
出处是：出自《灿烂的研修医生》第七话 5分30秒处
http://ke..com/view/1176204.htm
观看地址
http://www.tudou.com/programs/view/UTGQQ4m0M4I/
❸ 妖兽都市的影片评价
在该片中，李嘉欣扮演的妖精实在太漂亮，长发飞舞，虽然与王祖贤的女鬼扮相有得一拼，人妖之恋也依旧那么凄美浪漫，李嘉欣甚至一背部全裸出镜，但《妖兽都市》还是无法超越《倩女幽魂》，所以李嘉欣也无法凭借此片摆脱花瓶形象，成为演技派。这么漂亮的美女，总是傻傻的表情、傻傻的打扮，实在可惜。 （新华网评）
在该片里的李嘉欣无论看多少遍都不会觉得腻，五官只能用完美来形容。虽然亦舒说她“美则美矣，没有灵魂”，但是我表示这种没有灵魂的美给我也就满足了。（新浪网评）
“它的身体充满五光十色，它的内脏是钢筋和水泥，它就是我们的都市，我们人类都是它的寄生虫。”这一次徐克再次回到都市，再却充满了黑色和残酷，本片并非写实之作，但却充满了对现实的影射和暗示。本片同样充满了对于时间的追问和隐寓。（新浪网评）
《妖兽都市》既是香港历来少见的科幻片之一，也是徐克90年代最Cult的作品之一。
既然是科幻，噱头自然集中在技术上，当中便包括一只流淌着妖兽黑血、并能四处飞行的“时钟武器”，刑警阿龙与阿刑则需将之击退；此外诸如“液体妖兽”、“变形妖兽”等亦通过电脑特效展现各种特质，更有妖兽变形为弹珠机、摩托车，子弹停留脑颅反射，身体移形换影，妖兽“通电”疗伤，手发镭射光将坠楼特警托回楼顶等，高潮则是民航客机撞银行大楼，妖兽父子则在机身上生死决战一番，该场戏利用CG模型拍摄，在当时的香港影坛亦算富新鲜感的尝试。
《妖兽都市》特效篇幅甚多，加上现代都市为背景，创作难度可谓不小，但老爷终究热衷革新，通过与日本团队的合作，总算打造出一部在当时而言颇有水准的科幻电影，而经此一役，也让老爷学到更多的海外特效技术，继而将之融入未来的其他作品当中。（网易评）
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作品相关简介：《乱反射》是2011年8月6日上映的一部日本电影，由桐谷美玲主演。该片根据第50届脚穿短歌奖获奖者小岛直（小岛なお）的同名短歌集改编。
❺ 生于七月四日的影片评价
《生于7月4日》是纽约著名导演奥利弗.斯通所导演的越战三部曲中的一部。越战三部曲，顾名思义一定是和越战有关的片子。1967年，斯通应征入伍，在越战中获得了荣誉和洗礼，因此，这部《生于7月4日》可是说是饱含了他的满腔的感情和思想，再加上越战中的真实经历，所创作出来的强烈的反越战影片。
主人公罗尼是个健康活泼的孩子，从小就羡慕军人荣誉的他长大后终于完成了心愿，但当他带伤回国后，他发现，其实那些荣誉只不过是表面的现象，而残酷的真实和越战所留下的后遗症将伴随他的下半生。这种真实是常人所无法忍受的。不过，也正是这种赤裸裸的现实，才提醒了人们，敲响了越战的反思的警钟。
文章主线是以三次大规模的示威游行所贯穿的。三次游行，主人公的身份，形象，心情都是不一样的。幼年的小罗尼坐在父亲的身上，看到了大家热烈欢迎二战中回国的老兵，满心的激动，看着他们身上的荣誉勋章，罗尼有了奋斗的目标，然而，喧闹的人声和大队的人群并没有让罗尼看到老兵们的伤残和颤抖的双手，这也正是作者留下的伏笔，当全部片子看完后，你就会知道，那是老兵在听到鞭炮声后的条件反射，饱经枪林弹雨的他们在身体上的伤确实很深，但心灵上的伤痕更是无法痊愈，只可惜小罗尼并未想到这一点，这也就预示着他的梦想必将重蹈这些老兵的覆辙。
时光如水，生命如歌，转眼间，越战结束了，罗尼此时已经是一位下身瘫痪，靠轮椅度日如年的退役军人，回国后，他失望了，在游行中，他并没有得到人民的欢呼与赞许，得到欧德只是反对和咒骂，他伤心了，他以为在越战中的伤痕，至少是心灵上的，在回国后会得到弥补，但是他错了，他被自己的信仰弄的身心俱损，不但要面对自己在越南枪杀数十妇孺和误杀自己同伴的心灵上的巨大阴影，同时也需要面对国内人的反越战斗争的批判和责骂，他仍是一个天真的男孩，但这一次，他看到了真实，看到了勋章下的鲜血。越战的残酷婉转的表达了出来，说服意义更加深刻。
渐渐清醒的罗尼不再天真，颓废不堪的他憎恨社会，憎恨所有人，最终被放逐到了墨西哥了此残生，可他并未放弃。在那里，他遇到了同自己相同遭遇的人，同时昔日初恋情人的出现也给了他很大的影响，新的信仰逐渐滋生，生命的希望之光再度燃起，罗尼渐渐的可以以理性的思维去思考人生，也就是这最后一次的游行，造就了一个强有力的反越战斗士的诞生。当这个社会和人民再一次的接受他饿时候，罗尼精神饱满，胸有成竹，母亲的梦想实现了，罗尼终于可以登上讲台发表演讲了，不过是以另一种方式而已。
汤姆.克鲁斯将主人公罗尼这个人表演的很不错，无论是从细节之上还是从心理上都心领神会，就和当他回家看到自己从前强壮身体照片时的情景，仅仅一个背影和通过相框玻璃反射的昏暗表情，就可以充分体会到罗尼当时的忧郁和伤感。他的每个动作缓慢而有节奏，再如罗尼在家咒骂社会，咒骂自己母亲的场景，更能让人体会到他精神达到极度崩溃时的程度，越战的负面影响也更加的清晰明了，因此汤姆.克鲁斯的突出演技也是这部片子得到我欣赏的一个关键。
整部影片并未对越战战场情景刻画许多，短短十五分钟的镜头足以交代事情的原由，作者并不想以战场上的残酷来打动人心，这是导演的匠心独运，因此，整部片子的风格并没有战场上的血腥，也少有灰暗的天空，但那美国鲜艳的红白蓝三色国旗足以将主人公笼罩在政治的乌云下，心灵上的创伤，通过汤姆.克鲁斯的精湛演技，使观众们从心底里感到愤懑与同情。影片也少有大量配乐，但几组游行是相同的配乐在不同的时期都给了观众不同的感受，让片子的本质逐渐明朗。
看完这部片子后，我深刻的认识到战争的残酷以及它影响之恶劣，之长久。这部越战的反思片在现在这个表面和平，但危机四伏，一触即发的世界是有很大的警示作用的。同时，给我留下深刻印象的还有电影中的一个词——信仰。一个人应当拥有信仰，但像主人公那样的坚持自己的信仰，到最后又有什么好的下场呢？但没有信仰的人同时又毫无成功可言。也许，当初主人公不去听从父母的教导，不去接受父母赋予他的目标和方向，他会生活的更好，但是，越战依然发生，历史不会改变。
整部影片不但给人以心灵上的强烈冲击，同时也让观众从各方面产生了不同的思考，因此，我觉得这才是这部影片不可多得的地方，也是在众多战争题材的反越战影片中脱颖而出的原因。
相关评论
越战，开始之后呢？再之后呢？纷乱之后沉静在苍凉的政治荒芜里。
先前不止一次地抒写战争的豪迈与视觉背后的无限感慨，这就是让雄性亢奋的意志力的较量，人性真正脆弱的一面仍旧是属于个体的而绝非所谓的国家荣誉。
越战文化是孕育在六十年代，思考在七十年代，却在八十年代绽放异彩。为什么美国人如此热衷越战题材：
⒈冷战重建政治价值观
二战结束，美国经济飞速发展。美国的不平衡就是色厉内荏地对共+产+主+义的恐慌，共+产+主+义在亚洲、东欧、南美遍地开花，美国在很大程度上想遏制红色风潮在世界范围内蔓延。在政治主导的大背景下，朝鲜和越南以联军的名义孤立+共+产+主+义打局部战争是必然趋势。《惊暴13天》我们可以看到以军备威慑和政治阴谋论缔结地最后产物，片中有一段对白从花花公子肯尼迪嘴里说出来似乎有些滑稽的味道，那就是防止苏+联成为第二个纳粹轴心国。
⒉政治牺牲品与无畏牺牲
《尼克松》将越战比作政治选举的筹码。从如今多数越战题材电影来看，越战已经被充分定性为美国政府一大撮激+进+份+子对国民的欺骗，是无谓滑稽的错误。价值观的冲突与戏剧性转变造成越战题材在一定范围内的争议，有争议就意味着潜在的观众消费市场。
⒊反战文化流行
女+权、性+解+放、越+战、共+产+主+义成为当年美国愤青的时髦用语。《阿甘正传》中的越战是诙谐幽默的，反+战+集+会也带有浪漫主义色彩。越战不过是跑跑步杀杀人，反战不过是吸吸毒打着旗号搞搞幼稚女青年，就连大会发言也变成调侃式的情人重聚。
⒋越南的特殊背景
似乎1907年以前越南的历史是空白，包括文字，简言就是用汉字书写其中华历史。作为中国历史版图的属国，这一点是极为尴尬的。越南也一直回避这样的问题，造字运动与规避历史，接着在果断与老东家割袍断义。
越南的形象就如同美国越战题材电影中不可或缺的越南妓女作风，《生于七月四日》中概括了一句话，一个国家抗争了近千年。
越南人有韧性的一面，法国人不行，美国人也不行，抱着鱼死网破的决心坚决把殖民者与帝国主义者拖进军事梅毒里。
⒌反思的伪善
越战题材电影有几个必然的颠覆性情节。
鳄鱼的眼泪：无辜群众一定是军事强权的受害者。当然包括两个层面，一个是美国参军男青年，另一个则是越南农民。美国大兵在一场无谓的滑稽战争中在万般无奈情况下成长为杀人机器；越南农民一般的群体比较庞大，包括老弱病残孕，“误”杀婴儿是必备的。二战纪录片中也有日本妇女将怀中婴儿抛下悬崖然后自己跳下去的影像，不管是什么类型的战争，受害的总是平民，这一点是毋须置疑的，包括古罗马到拿破仑还是其他。
妓女是佐餐猛料：几乎每部越战题材电影都必然会出现短旗袍戴斗笠披肩黑发的越南性工作者。《第一滴血》也不能免俗，至少史泰龙没有像在《意大利种马》来得通透。
《葵花宝典》是这样炼成的：一般斩断下体的男人最具有思辨性，他们一般坐在轮椅上但思维比较健全，将作废的造精机能反噬成脑汁，以超脱常人的能力克服战争后遗症。
正是好莱坞导演告诉国民，国家派到越南无辜的混球们就是这样在打仗，这种纪实性的模式就是为了打破习惯性思维，滑稽的战争噱头荒唐的美国大兵。颠覆传统模式，美国大兵不是无坚不摧，而是有血有肉且脆弱不完美的人。至少不会像伊拉克战争样板戏《解救女兵林奇》做作得令观众产生严重的妊娠呕吐反应。
奥利弗·斯通（Oliver Stone）的越战三部曲《野战排》（《 Piatoon》，1986）、《生于7月4日》（《Born on the Fourth of July》，1989）、 《天与地》（《Heaven & Earth》，1993），完全从人个体出发的电影作品。
美国学者将近年来越战题材中商业与艺术双丰收的电影进行详细分析，然后归结为西方传统古典艺术的变种。《野战排》是继承了莎士比亚《亨利四世》第二部福斯塔夫和霍茨伯的基本内容，《生于七月四日》是荷马史诗《奥徳修纪》的变种。
其实从三部电影连贯地看，奥利弗斯通对于越战的思考并不明朗。反倒借鉴在《尼克松》中对越战的政治观点便比较切合，我个人认为手法纯熟的应该是《野战排》，奥利弗斯通在表现战争或是政治阴谋方面是比较强的，但参杂情感成分的电影便表现出或多或少的生硬与别扭，《门》便是例证，《天与地》的战争温情是粗糙的，我们只能从画面里了解斯通想表达越战牵扯下的两国人民，但以东西方巨大的文化差异，斯通很难将内敛含蓄的东方情结顺利融入他的西方思维里。
三部电影里，除了取材争议或是手法之外，剧本最具备艺术性的应该是《生于七月四日》。作为郎?科维克的真实故事，整个美国梦在他倒下的那一刻开始逐渐瓦解崩溃，其情节安排与冲突是文学性地再现。
电影开篇是童年的郎，一个典型的中产阶级白人家庭，与所有四五十年代的美国家庭一样，他们沉静在战后新经济复苏的美国梦里，虔诚地信奉天主，陶醉在战后的新美国秩序里。
电影有几个严格的时间段，将肯尼迪的全国电视讲话里，郎起航的爱国梦到轮椅上自己的电视演讲算是一个奥徳修成长的变奏。
郎是越战英雄，但回到国内，国内滋长的反战情绪，与人们对越战的质疑发展到冷漠。个人价值观与肢体残疾在一系列的国内矛盾中激化，从人本角度上讲，因为战争他失去了一个男人起码的尊严，那么追逐所谓的国家荣誉变得一钱不值。
有几处镜头的细节镜头：七月四日，美国国庆日。二战老兵坐在轮椅上，听着“嘭、嘭”的响声打颤的镜头；朗坐在游街的礼车上同样打着颤，而街旁人们的面孔却是没有表情的苍白。
价值的颠覆就意味着新的重建。六十年代末国内年轻人的叛逆与个性主导使郎觉得陌生与不解。
当他躺在墨西哥的妓院床上望着墨西哥妓女动情的表演潸然泪下的时候似乎一切的尊严与情感一瞬间地迸发。这是起码的人本尊重，尽管建立在金钱的虚假上面，但郎看到的是新希望。
《阿甘正传》里同样有这样一段，虽然在表现手法上不尽相同，但对于人性辩解与渴望理解尊重的希望是深深冲击着观众的。
郎醉酒后的那段争吵应该可以看作是整部电影矛盾聚集的中心，十诫中告诫我们不要杀人，但是你的教会你的天主让我们在越南大开杀戒……政治、宗教、信仰甚至是性都虚假的，那么我们又该信奉什么？
的确，老兵归来的美国不亚于一场新的越战，荣誉与谎言使我们踌躇在光影的世界里，尽管知道那只是电影织造的善意谎言。
❻ 上海异人娼馆的影片评价
《O的故事》本是一部著名的法国虐恋小说，曾多次被搬上银幕。小说中的O象她的名字一样是一个沉默、匮乏的女性符号，是接受和顺从的象征。她单纯地顺应男人的情欲，在变态的折磨中倾空自我，从而体验异样的满足。1981年，日本导演寺山修司采用其中人物拍摄的这部《上海异人娼馆》，在情节上却与小说没有多少直接关系，不过是借其异恋与神秘之核，营造一个个人的色情加异国情调的幻想空间。
影片使用的语言故意地复杂。画外音叙述者使用法语，O和其他妓女的内心独白使用各自的母语，不同国籍人物之间在交谈时使用英语。而背景中的上海革命者使用着日语，让中国观众感到莫名地别扭。然而，这种语言策略却正适合影片对“异”的诉求，刻意地陌生，刻意地光怪陆离。
影片在开始及结尾处，都展示了一系列关于清末中国的黑白照片，城楼、带枷的犯人，涌动的人流。这些与历史时间明显错位的中国景片，再次表明，这是一个幻觉和梦境之中的故事，发生在一个作为原型的色情场所里，而所谓上海，所谓时代和革命，不过是一个具有传奇色彩的背景，一个方便的异域符号，一个关于东方和艳情的想象提示。
影片中的妓院充分地凝缩了异国情调的大观。在它精心装饰的前厅里，嵌满反射的镜子，墙上挂着一排的月份牌美女，笼子里站着一只红红绿绿的大鹦鹉，妓女们面无表情，身上的衣饰坠满了流苏、丝带、薄纱。在它的门口，有一位印度门卫，在它的每个房间里，都有阿拉伯风格的杂役和打手出没。而在妓女的房间中，摆有各色奇异的专门性活动用具，设计巧妙，制作精致，以满足客人变异的想象力。
影片在开始前引用了波德莱尔的诗作为题记，是《沉思》中的一句，“…挨享乐这无情屠夫的鞭子抽打”，诗人以此嘲讽尘世男女的虚妄追逐。用在这部影片中，首先是对相关情节的预叙，对整体虐恋色彩的提示。于是在叙事的展开过程中，影片展示了许多精美甚至华丽的性虐待画面。不听话的妓女被捆在闪亮的活动钢架上，受到带刺玫瑰花束的抽打；被皮带平吊在半空中，听任几个大汉的蹂躏；嫖客把妓女称做妈妈，一边挨打一边求饶；凡此等等。另一方面，波德莱尔的诗也是对影片非现实性的暗示，它以舒缓的节奏层层展开的异地男女的异恋故事，不过是导演或O的一场漫长的色情梦而已。
如果从这个角度出发，就可以原谅影片的一些僵硬和幼稚之处。如让人感觉矫揉造作的轻曼钢琴乐和时时响起的女高音歌吟，以及通篇充斥的过分直接的象征性镜头和抽象独白。因为在梦中，这一切都是可以理解的甚至必然的。在梦中，任何细小的事物都拥有需要索解的“隐意”，同样的事物会经过变形和移置而反复出现；在梦中，个人的愿望或幻想绝对会成为现实，上演梦像的场景也会瞬间地发生变化。同样在影片的开头和结尾部分，两段表现上海街头的空镜的区别也是对梦与醒的指示。在开头，伴着钢琴声，我们从O的眼睛中看到了低 矮的棚屋和窄仄的街巷，看到睡在江边的脚夫和狗，烟馆招贴下如木雕般枯坐的老妇，看到人力车跑过，光屁股的男女儿童在庙宇门口逮一只鹅，这些，都是传奇中的、永恒不变的中国。而在结尾，镜头从醒来的O的眼睛摇开，同样的棚物和街巷，同样的妓院前厅，却是黑暗凋敝，空无一人。
导演似乎想要以弗洛伊德的方式给人物的异态行为一个合理的解释，于是用了不少镜头表现O、斯蒂芬和日本妓女莎可亚莉的回忆与幻觉，如小女孩时的O被父亲遗弃在一个粉笔画出的方框里，莎可亚莉的父亲因为醉酒忘了给孩子买玩具而装狗，以及斯蒂芬在观赏O与客人做爱时恍然看到O被捆在房顶的床上，周围群鸟飞翔，鸣叫声声。在向这些场面转换时，通常是镜头中出现一片曝光过度的白色，然后渐渐化入心理的场景。这样的手法对于表现梦中梦的关系倒也贴切。
在影片中，O与斯蒂芬有着一体两面的神秘联系。在回溯的解释中，他是O父亲的替代，就如O手指上那套硕大怪异、象征禁锢的戒指和铜指甲所意味的。但在影片的叙事中，斯蒂芬表现O欲望的分裂和投射。在一开始，暗场中二人的对白就有一种奇特的重复和不确定感，他们互相问对方：“我们在哪里？”O曾抱怨屋中没有镜子，但当镜子出现之后，它的功能不是映出主人的身影，而是成为斯蒂芬捆绑O的刑具。在O肉体的缝隙间，映出的是做爱的斯蒂芬和娜塔丽，镜子对自恋的象征转化为欲望外化投射的象征。后来，正是在镜子碎裂、墙上斯蒂芬的照片被撕破之后，斯蒂芬本人的目光才不再重要，O才在自身中体验到欲望和满足。于是，斯蒂芬在为嫉妒而报复中推开门看到的却是一片翻腾的大海，而他杀人之后也不再出现。O生命中的这两个男人，分别禁锢和释放了她的欲望，又同时消失，将她孤独地留在醒来的梦魇中。
影片中被革命者攻下的警察局，门口的牌子上赫然可见“香港”二字，一个小小的穿帮。不过也不必苛求，因为说到底，这部影片不过是对东方奇观加西方奇观的双重精美展现。就此功能而言，二十年代的上海可谓完全等同于此后的香港，一样的东西方混杂，一样充满形形色色“异”的冒险。
❼ 怎样评价影片《二次曝光》
第一层曝光是三角恋，第二层曝光是小蝌蚪找妈妈，最后一层拨开了看是秦皇岛版白发魔女传。
导演故意卖了前四十分钟电视剧桥段的破绽，然后枪头一抖，佛洛伊德登场，是曰“二次曝光”，告诉你看见的第一层远非真相也，所谓的水作为某种反射介质，眼睛和丝巾的运用，如果这就是编剧方励所谓“盗梦空间”之设置，那也忒山寨了。
中国商业电影人不去研究学习好莱坞常规叙事的内在逻辑，老搞这种看起来“高端”其实咋呼人的纸老虎段子永远没办法提高，当代青年观众已经习惯美剧英剧叙事逻辑，再来看这种充斥自我迷恋的电影意义不大。
❽ 无法触碰的影片评价
在2011年的法国影坛，如果说还有谁可能全面压住《艺术家》风头，那就是《无法触摸》。这部之前并不被人看好的老套喜剧，创造了近两千万人次的票房奇迹，恺撒奖提名数都名列前茅，还夺得了东京电影节最佳影片。全法国三分之一的人口去电影院，只为看看片中的黑人小伙儿和残疾富豪的友谊，正是电影中的某情某景，笑中带泪，“触摸”到了他们心中最柔软的部位。
挑战《欢迎来到北方》的“法国本土片票房第一”的地位，《无法触摸》也无异于为低迷的法国经济中注入一抹亮色。从形式上分析，他们都采用了“双人转”的经典角色设置：两个性格截然不同，又来自不同地域和阶层的人物，由于文化背景和语境习惯，在一场偶遇中碰撞出火花，亦庄亦谐，从冲突走向理解，最后皆大欢喜。《无法触摸》选择了现实社会中的种族组合，白人残疾富翁和黑人贫穷护工的情感，因为真诚的宽容，超越了在法国社会日显裂纹的深层矛盾。改编自真人真事的《无法触摸》，在法国引发了一场话题大探讨，因为特定的时间背景和观众心态，两位演员出色的表演，在冰冷的失业冬季和彷徨的大选前夕，撩起了整个社会所关心的话题，超越了一部电影的普遍价值。
影片中瘫痪的贵族富翁菲利普，刚从监狱里放出来的“郊区青年”德利斯，都是这个畸形社会的受害者。假如人生路线没有交叉，或许他们都无法拥有健全的明天。情感上的循序渐进，铺垫了整部影片波澜不惊的情节，《无法触摸》只是把书中的记忆片段用画面表现出来。菲利普和德利斯的友情是主线，菲利普和笔友，德利斯和母亲则是副线，共同构成了整部影片中的饱满情绪。生活里的点滴反射出内心的真实波澜，许多巧妙的双关语，针砭时政的玩笑，让法国人忍俊不禁；而两位好友在深夜的对话，德利斯远望清洁工母亲下班等，都成了触动观众的“泪点”。影片只有第一段飙车和最后一幕约会才具有真正的戏剧性，其余都像是男主演、喜剧明星奥马尔·希擅长的独角戏和耍宝。
弗朗索瓦·科鲁兹的表演仅靠台词，哮喘、抽烟、刮胡子..这类小事儿加深了二人的友情，暂忘了生活中的不顺和忧虑，在雪地中像孩子般嬉闹，在天空中追逐自由的感觉。短暂的快乐随着德利斯的突然到来又突然离去，这番经历，就像是一个黑人版的《灰姑娘》，一个男人版的《风月俏佳人》，一个青年版的《为黛西小姐开车》。片中许多场景具有明显的反差，暖色调的富人豪宅，冷色调的郊区高楼，前后两个浴室的迥异，就给人以喜剧的效果，但在笑声背后是法国社会无法调和的深层矛盾。两位导演为影片取名“无法触摸”，也可解成“无动于衷”，这其实是个反语，因为所有人都被“触动”了，拉近了所谓博爱的距离 。
该类型故事已被无数次改编成电影。有时角色的演绎可以掩盖剧本的不足。——《芝加哥太阳报》
《无法触碰》是一部特别迷人的法式兄弟喜剧，它说明一个道理，只要演员技艺出色，观众就会抛开怀疑，接受不大可能出现的事 。——《今日美国》
温暖、幽默，并带有不同寻常的些许甜蜜。——《纽约观察家报》
完全可以用9个字总结观影感受：你会笑，你会哭，你给赞 。——《纽约时报》
虽然法国人普遍看好《无法触碰》，但该片却遭到美国《综艺》杂志的激烈批评，被指“宣扬挑衅、好斗”和带有“种族歧视色彩” 。
❾ 性喜剧的影片评价
语不惊人死不休”的法国女导演凯瑟琳·布雷亚在电影中变得深沉了，对艺术的反思代替了激进的女性主义。自我反射地揭开女性导演在摄影机后工作的经验。较之前面几部轰动一时，引起广泛争议的影片，此番她表现得较为温和内省，甚至可以说中规中矩，虽然片名具有十足的煽动效应，但不会给人多少感官上的刺激。
布雷亚粉碎了银幕上那貌似真实的幻觉，破解了它们的制作过程，其实即使是那些看起来具有挑逗性的惊世骇俗的色情场面也不过是经过琐碎的指导演出的结果。这或许可看作她对人们指责其作品过分露骨地以性引诱观众的某种回应。不过她的重心更多地在于展现几位主角幕后的情感纠葛，所以这一“电影神话”的解析过程反倒显得不那么有力，整部影片也因此流于通俗的情感小品，少了几分她往日的尖锐。台词的有意警句化、深刻化倒显得十分矫揉做作，冗长沉闷。但新鲜的题材和闪现的幽默还是使这部电影具有几分可看性。
“性是一出戏”的片名似乎更符合影片的内容。虽然电影自诞生以来就有着纪录写实的功能，但实际上这种纪录依然是非客观的，所以用“假”去表现“真”是对一个导演最大的考验，特别是对于凯瑟琳所拍的影片类型。其实，所谓挑战道德底线的镜头，最终被证明不过是假，而对假的关注让人们忽略了她要表达的“真”。
关于本片主演：
本片的主演是安娜·帕里约。当年默默无名的她凭借爱人吕克·贝松的鼎力相助，以《尼基塔》中的女杀手一角拿下了凯撒影后。然而此后不但贝松另寻新欢，她本人的演艺生涯也一落千丈，到了1998年恐怕没几个人能认出在《铁面人》中扮演里奥纳多母后的人是她。虽然演出布雷亚新片又迎来瞩目，但仍让人感叹风华不再，只能再次回味《尼基塔》凭吊她当年的风采。
相对于帕里约的日落西山，男主演格雷戈尔·科林却正处在冉冉升起中，作为年轻一代白面小生，他始终坚持拍摄艺术片，甚少参与商业娱乐片的演出。看看他的作品就知道他多受艺术片导演的偏爱：《暴雨将至》、《不知不觉爱上你》、《军中禁恋》、《天使梦幻的生活》……
❿ 怎么评价电影《复仇者联盟》
非常值得观看哦，这部电影简直不要太火。
其他的也都很不错，像有完美身材的黑寡妇等都是这部电影的看点。漫威系列的作品伴随着我们一起成长，这一路走来漫威英雄也来越多，成为了观众们不可磨灭的记忆。而《复仇者联盟》正是集结了无数粉丝的英雄梦，让更多的人的梦想得到了实现。