Ⅰ 冯小刚呕心沥血却无人问津的电影《一九四二》，只因现实更加惨痛
1942 年发生了许多大事。中苏美英等国签署《联合国家共同宣言》，郭沫若创作 历史 剧《屈原》，英国物理学家史蒂芬·霍金出生，中国女作家萧红在香港病逝，时年31岁。
也是同一年，身处抗战前线的河南发生举世震惊的大饥荒，上千万人流离失所，近300万人被饿死。
这一件极其悲惨的重大 历史 事件至今在中国的史书上鲜有记载，今人对其真相知之甚微。
最后知名作家刘震云为重温这段几乎已被这个民族淡忘的 历史 ，走访灾难的幸存者，最终写了一本名为《温故一九四二》的调查体小说，他也由此成为这场灾难的唯一记述者。
导演冯小刚看了后深有感触： “二战时，希特勒和纳粹屠杀犹太人的事情全世界都知道，但在1942年，中国河南旱灾饿死300万人，却很少人知道，不要说外国人，中国人也不知道。刘震云为此写了一本书，我在1993年看到，非常震撼。”
后来冯小刚根据刘震云的原著小说《温故一九四二》改编成了一部叙述 历史 性质的电影，叫做 《一九四二》 ，并重金邀请李雪健、张国立、陈道明等加盟出演。
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影片讲述了老东家在河南大闹旱灾之时到陕西躲灾，可未到目的地就以沦落为难民后，他亲眼见证儿子，儿媳，老伴，相继惨死，而政府的腐朽统治及日本人的入侵更是让这场灾难雪上加霜，最后只剩东家一人，在回河南的路上领养了同样遭遇失去家人的小女孩的故事。
电影反映生活，可生活有时会比电影更残酷。这些是搬上了荧幕的故事，那些 “易子而食”“卖儿弃女”“野狗吃尸体”“千里无人，饿俘山野” 的景象，又岂是短短两个小时就能描述得出来呢？
其实从1941年秋季开始，河南开始出现旱情，很多地方已经有绝收现象，农民们开始刮树皮，挖树根当作食物，到了1942年秋季，持续了一年的旱情更加严重，树皮、树根已经基本被挖光，灾民们开始大量死亡。照片上是当时陷入饥饿荒的河南灾民，所有人都蓬头垢面，等待着政府的救济。
当时的政府虽然采取了救灾行动，但既没有计划，也不尽力，各地都在互相观望，推卸责任，隐瞒灾情。
战乱加上饥荒，有一些妇女为了能够让自己的父母以及孩子活命，主动把自己卖给人贩子，换取一些粮食或者一点微薄的钱财。
1943年春，河南地区仍然干旱，很多灾民为了活命，选择全家一起外逃，灾情最严重的村子基本都是十室九空，成千上万人涌向了陕西，逃荒路上饿死的、从火车上失足掉下来摔死的、轧死的人数无法统计。 目前公认这场灾难中死亡人数是300万，但真实的具体数字已经永远成为了迷。
在电影里，为呈现出一个真实时代，以张国立为代表的这支逃难者主创演员不仅在开拍的半年前就开始练习河南方言。还在拍摄期间集体减肥，真正体验长期饥饿的感觉。张国立说， 真正到了那种饥饿浑身无力的时候，你会发现人物的台词很多都是多余的。
时隔78年，当年大饥荒的亲历者，大多已经辞世，即使活着的，至少也是八九十岁的老人，河南《巩县县志》中关于此事，只有短短一句 “民国三十一年，大旱，几近绝收，加之日军侵略酿成大灾，农民多以树皮、雁屎、观音土充饥。”
当我们觉得电影氛围太过沉重的时候，要知道这些血淋淋的画面在过去 历史 的某一个时刻真真切切的发生着。
影片一开始，就奠定了整部电影的基调，影片中大部分篇幅在拍摄逃难的过程，逃荒路上，一面是天灾，一面是战乱，四处是被炸断的残肢断臂，哀嚎遍野，民不聊生。
而这一过程，导演多用暗色调来表现，象征着底层人民暗无天地的生活， 且画面绝大部分面积为干旱的土地，极小部分面积为天空，这一画面给人压抑的感觉，暗示着政府的压迫式统治。
同时导演多次运用特写镜头来体现难民的惨状，如特写一群野狗啃噬逃难路上去世难民的尸体，给人极大的心灵冲击。同时又多次使用远景镜头来表现难民数量之多，又给人极大的视觉冲击。
影片中灾民逃荒的破衣烂衫、食不果腹和政府官员的丰衣足食、安稳无忧有着很鲜明的对比。
一开始片中提到 “蒋委员长因为河南饥荒特地减少了两个菜，以表对救灾的支持。” 这句话暗示了后面人民的背离的结局。在拍摄这一内容时，导演又巧妙的 采用以黄色为主的暖色调，来突出统治者安逸的生活。
一、地主范殿元（张国立饰）
范殿元原本是河南的一个地主，儿女双全，家境殷实。因为饥民“吃大户”，他的儿子在饥民和村民的混战中被打死。为保家人平安，在饥荒来临的时候，老东家赶着马车，带着他的妻子，拉着粮食加入了逃荒的队伍当中。
在逃荒途中，他的儿媳生下孙子后不久就体力不支，饿死了。电影中有很揪心的一幕是，在儿媳饿死后，她的婆婆就赶紧抱着刚出生没几天的孙子扒开她的衣服，说趁着身体还热喝几口奶，但是她死去的儿媳早已没有奶水。
后来他的妻子也饿死了，他的女儿被卖到了妓院，换了5升小米。
在逃荒途中为躲避敌机轰炸，范殿元抱着孙子趴在地上久久不敢起来，后来小孙子被他活活闷死了。
紧接着他的长工被日本人一刀穿喉，死了。
他的马车，粮食，银元在途中被地方的警察强行“征用”，其实就是抢走了。
逃荒本是为了让一家人活下来，可是范殿元到了陕西后就只剩下他自己，本是财主的他成了和佃户一样的逃荒者， 可见在灾祸面前所有的逃荒者都是平等的。
一无所有的范殿元不想逃了开始逆着逃荒的人流往回走，路上有人告诉他说： “现在回去就是个死” ，他很默然地说，“ 我就是想死得离家近些。”
范殿元那种绝望的心境，那种颠沛流离的疲惫精神使得他的希望如同肉体一般已变得危在旦夕。
然而他在转过山坡的时候，碰到了一个同样失去的亲人哭泣的小女孩，小姑娘对范殿元说她并不是哭她爹死，而是她认识的人都死了。
范殿元要小姑娘叫自己一声爷。小姑娘仰起脸，喊了一声“爷”。于是，他拉起小姑娘的手，往山坡下走去。横尸遍野，大雪飘摇。
二、范殿元的女儿－星星（王子文饰）
星星出现在镜头里的时候，怀里总抱着一只黑猫，宁愿自己少吃几口饭也要带着它，在躲过敌人飞机轰炸过后，她还无所畏惧地要跑出去找猫。
然而在她嫂子生下孩子后，她却说让家人杀掉了猫。随着一声刺耳的猫惨叫，猫被宰了炖汤，范殿元坐在闺女身边，哭着说：星星，爹对不起你啊！然而星星没有任何表情地看着被扒掉的猫皮，最后还说了一句： 我也要喝猫汤 ，那时候的她也已经饿到发慌。
当妓院假冒被服厂来买女孩的时候，星星提议父亲把自己卖了，范殿元不肯。星星劝说她爹： 我实在受不了了，连柴禾都没得吃了，你让我逃个活命吧！还能换五升小米。 她还特意向那个人强调自己识字读过书，以此来作为“优势”，最终她被买走了，她在服侍别人的时候，因为吃得太撑了导致蹲不下。
星星的结局是必然的，人在灾难面前已经没有底线了，一个小人物的历程却反映了当时环境下众多人的遭遇，实为可悲。
三、佃户瞎鹿（冯远征饰）
佃户瞎鹿是影片中最窝囊可悲的角色，为了几斗小米他可以不管自己的老婆被人戏弄，他也可以卖女儿来换几斗米给自己的母亲治病。
尽管已经活的如此无下限，但他还是没有在这场灾祸中活下来，最后偷驴不成，一头栽进了烧着开水的锅里，留下了两个孩子和他的老婆。
冯远征所扮演的瞎鹿才是影片中真正的灾民，活着就是为了吃饭，只要能活下来 。
冯小刚在《一九四二》里他没有自己的态度，一切让观众来定夺， “你看到什么就是什么” 。
不需要渲染，不需要加工修饰，就用白描的手法把最真实的场面还原给观众，里面从小人物入手，大量的细节描写，看似黑色幽默,其实是深深的悲哀。
据说当时冯小刚找到刘震云说想要拍摄这部电影的时候，连刘震云自己都觉得震惊： 他认为没有人要看这么一个悲惨的故事。
本片酝酿于1993年，启动于2011年10月，最后冯小刚在最冷的五个月中完成了拍摄。因为是逃难题材的原因，整个剧组群演最多的时候高达六百多人，最少的时候也有三四百人，其中涉及转场厢车两百多辆，完全的拉链式拍摄。
然而就是这么一个庞大的团队，他们在细节上所作出的努力却十分令人动容。
比如在重庆的拍摄部分主要是国民党和宗教人士的活动场景，这条街道是由摄制组设计，重庆市政府出资修建的。修建完成后，摄制组去现场后简直被惊呆了，这些建筑都是按照永久性建筑来修建的，店铺里所卖的东西也都是实物。
后来这条街也成为了重庆的著名景点：民国街。
摄影组印象最深刻的是难民扒火车的那场戏，为了有一个好的拍摄效果，拍摄组从山西转移到东北终于找到了一个1942年美国产的火车头，而且还能开。
可是光有火车头没有车厢也不行，于是制片部门又根据当时的难民 历史 照片制作了逃难时的那种拉货用的平板车。
拍摄时是在东北零下20多度的情况下，当地群众还好心提醒剧组，不要用手摸铁，不然真的撕不下来。可是为了呈现真实的效果，不能人人都戴手套啊，于是戴手套的去摸铁，没戴手套的就去摸木头。
在零下20多度的雪地里、又在火车行驶过程中、火车顶上还坐了几百个群众演员的拍摄情况。摄影指导吕乐说，这辈子可能只碰到一次，可以当作他的收山之作了。
关于火车的六分钟前前后后一共花了一个月的时间，就最后呈现的效果来说是值得的。
以喜剧见长的冯小刚此生最想拍的一部电影，就是这部极其沉重的灾难片——《一九四二》。
这部电影可以说是冯小刚的情怀之作，他试图借一场70年前的人间灾难来反思国人的人性与救赎 。
然而电影上映以后，票房却票房一败涂地，与同期上映的《泰囧》票房相差近4倍，最后冯小刚拼了命的拍商业片还债。
一部电影是否成功固然不能用票房作为唯一尺度来衡量，但，票房却能反映大众对于电影所表达的内容和传达的情怀的接纳度和认同感。
很多网友看了预告片就炮轰冯小刚， 指责他“发国难财”，引发国人的共鸣，赚国人眼泪。 果然也应了刘震云当年那个担忧：没人要看这么一个悲惨的故事吧，而且在如今这个幸福的年代，人们早已习惯回避苦难。
张国立回忆，因为《一九四二》票房惨败，冯小刚甚至掉了眼泪。当他问冯小刚是不是因为启用了他才导致票房惨败，冯小刚的回答很令人感动， 都不是这样的原因，但反而正因为票房的落败，观众对苦难的敬而远之，他更觉得自己应当拍摄这么一部电影。
冯小刚打造 《 一九四二 》 的这份情怀，纵然无法和 历史 媲美，但它自有其独特的艺术价值。 它是一段回忆，也是一代人的苦难回忆，看过的人都说好，却不敢再看第二遍。
在影片最后旁白念起:“十五年后，这个小姑娘成了我娘，当我记事起，就没见她流过一滴泪，也不吃肉……”
“也不吃肉” 这四个字可以深刻地反映了当时人们对灾难的沉思。
都说乱世造英雄，更多的靠的还是生灵涂炭。
冯小刚的深刻在于没有把《一九四二》拍成了天灾，而是把观众的视角引入了人祸。虽然大饥荒是天灾，可其中亦有相当大的人祸因素。
《一九四二》非当下的灾难，却时时在我们生存的环境里重演，人性总是在争夺，却不能给每个人鞭策。
中华民族是一个遭受过苦难的民族，近代以来中华大地上演过无数的悲剧，有的之于国，有的之于家。
如今那个流民贼寇，是非颠倒的时代已经过去了，在我们眼前的是新时代的繁荣昌盛，国泰民安。
但是我们不应该遗忘灾难，应该直面灾难，正视灾难，反思灾难，才能免于灾难。
Ⅱ 对于好莱坞的电影取得的成功，哪些经验值得我们借鉴
好莱坞之所以能抓住全世界的观众，还在于它技术、内容、形式上不断的翻新，有技术方面的优先性，因此如果想要拍片，一定要有新意，这个新意主要体现在内容形式上才能有竞争力。好莱坞在故事的结构上不断改变，把故事情节写得惊险，这是一种定律。有个很有意思的事，现在住在洛杉矶第三大道上的，到处都是写小说的人，高度商业化催生了大量的人才。
不单是拍电影，从创作到取景再到技术和特效很多方面都是要去借鉴的。文化也还是与观众有密切的关系，更要了解受众是谁。
Ⅲ 2016年电影圈最火的十大事件是什么
(本文由剧透社公号原创：jutou321）
这一系列尴尬，让它们在口碑和票房之间，也仅完成了一半任务。
眼下，影视投资风潮愈发强劲，影视从业者如雨后春笋般涌现，中国电影产业正在面临一场抉择。
商业就一定不会产出好的艺术么？
不知为何，这明明已经有正确选项的问题，
如今，却让人答不出来。
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Ⅳ 高分!好莱坞对香港电影产业的影响!!
不是说不是一个档次，而是性质不同。香港的早期电影黑社会垄断太强烈。
而好莱坞大致分了大制作的商业片和小制作的冲击史册型电影。能者居的形式突出点。
说到影响自然有的。
特效借鉴，推波助澜。仿潮兴起。间接影响电影音乐。最肤浅的解释就是影响了时尚！（好莱坞电影是香港电影一个片面的风向标）。而香港自成一派的功夫也是好莱坞所羡慕的。
Ⅳ 看完《变形金刚5》一脸懵逼电影中的昆塔莎宇宙大帝是谁
确定《变形金刚5》一经播出大受好评？这里的“好评”应该是打引号的才对。
现在对于一部电影是好是坏，也要从不同方面来看，比如是票房好，还是口碑好，还是票房和口碑双丰收。
总体来看，《变形金刚5》最后的结局还是比较平淡的，也是很多美国科幻大片的惯用套路，而且这一部只是在画面方面很有视觉享受，剧情的确是薄弱了一些，这也是口碑不好的重要原因。
Ⅵ 曾经辉煌的香港电影，为什么说没就没了呢为什么不再有新明星
简言之，曾经辉煌的不是香港电影，而是以那一代人为代表的香港电影，都老了。
几个关键词，邵氏，香港无线TVB，周星驰，洪金宝，成龙，周润发，刘德华，梁朝伟，张曼玉，刘嘉玲，李嘉欣，关之琳，钟楚红，梁家辉，张家辉等等的老去，他们经风华绝代，气质卓绝。
而现在，随着香港电影电视支柱的TVB的衰落，几易其主，没有了香港无线艺员训练班的TVB，没有造星机制的它，只能眼睁睁的看着自己，逐渐“失血而亡”。
随着50，60年代生人的这一代巨星老去，剩下的70,80年代的人，能打的有几个？
谢霆锋？张智霖？答案是没有。
虽然香港电影翻拍很多，即便是原班人马，限于主演年纪太大，也不复当年的倜傥潇洒。
曾几何时，香港电影的最大买家是台湾电影，但是因为香港电影制片商的过于盘剥，台湾又通过了引进好莱坞电影的制度，台湾抵制香港电影，成了香港电影衰落的导火索。
明星都老了，就连成龙大哥的功夫电影，这两年都勉强维持个不赚不赔，有时候甚至是赔钱。
内地电影人的崛起，张艺谋陈凯歌之后的徐峥，宁浩，黄渤，陈思诚等人逐渐展露才华，而与此同时，王晶江郎才尽，王家卫手中的棋子，也越来越少，好不容易出了个曾志伟的儿子曾国祥，导演了《少年的你》，主演还是易烊千玺和周冬雨。
香港的演员？就跟他们逼仄的住房一样，困在所谓的千尺豪宅里，走不出来，格局的过小，导致人才缺乏锻炼的空间，又没有专门的培训机制了，一个个的不成才。
没有造星机制，哪有新明星啊。35岁的陈伟霆都扛起大旗了，可他的演技，也不咋滴。
说了这么多，其实是格局变了，香港不再是亚洲电影的中心，中心在内地，人才当崛起。
香港电影的衰落，发生在1997-2002年这5年，这个时候的香港电影海外市场开始大片沦陷，而并没有进入中国市场。
2,2002年张艺谋的英雄之后，院线制改 革，释放市场活力，大陆市场才开始起飞，香港电影才认识到大陆的重要性，开始大规模的进入。
3，大陆市场虽然在大幅扩大，但是香港电影并没有获得恢复的机会，因为大陆电影的本土文化亲和力和大制作电影的投资力度，是香港电影所无法比拟的。香港电影无法跟大陆的本土电影力量竞争，导致失去复活的机会。注意，是失去复活的机会，而不是进一步衰落，因为她的市场实际上是增加了的。
4，审查制度对大陆本土电影的抑制作用是同时存在的，不构成香港电影的威胁。香港电影一直以来就有面向海外和大陆制作两个版本电影的手法。
5，即使审查制度放开，大陆本土电影同样可以制作江湖黑暗题材的电影，在适应本土文化上有天然的优势，香港电影也难以重拾辉煌。 香港电影的制作水平和能力，我认为并没有下降。 烂片是每个时期都有的，在优秀的电影中，寒战、毒战系列电影的制作水平与1990年代中期的作品相比，并没有大幅下滑。
但是，这些电影的票房吸引力，明显无法跟大陆本土的大特效魔幻片，像画皮、狄仁杰这些竞争。 香港电影的衰落是由于香港经济的衰落这个问题，我认为也是不合理的。 香港经济在今日虽然无法像1990年代那样耀眼，但是gdp仍然是在增长的，金融业、房地产业、零售业、 旅游 业等很多支柱产业仍然繁荣，香港电影市场的总体票房也没有减少。 在其他 娱乐 产业方面，香港的电视剧、音乐虽然在大陆失去了影响力，但是在本土仍然是受到欢迎的，同样受到盗版的影响，但香港仍有陈奕迅这样的歌手，TVB的电视剧在本土的市场份额也没有受到冲击。但是电影，确实衰落的更加严重了，连香港人也主要去看美国大片，而不再追捧本地的港产片。
在面对盗版的冲击方面： 全世界的电影业都在面临这个问题，但是在所有的 娱乐 产业中，我们可以看到，那些小成本制作的 娱乐 产品，比如小说、音乐，受到盗版的冲击要比电影严重的多。相对来说，电影产业的整体规模并没有缩小，否则无法解释近年大陆电影市场的高速发展。 电影产业和其他文化产业相比，最大的区别就是： 其单个产品制作成本的投入，要远高于其他文化商品，尤其是如今这个多媒体时代，电影要想吸引观众进入电影院，大特效大场面的幻想片模式是最重要的法宝。 在大片时代，拥有巨大的本土市场，可以提供天价成本的大制作投入，可以通过高投入的数字技术和其他国家电影拉大视觉效果差距，是美国电影能够在世界重新建立霸权地位的重要原因。
2010年的阿凡达，全球票房收入27亿美元，所过之处一片炮灰，管你是什么国家的电影，莫不俯首称臣。从此之后，美国电影纷纷制作立体电影（特别是动画片，全部3D化），其视觉体验、制作成本要求与其他小地方的2D电影的差距更加拉大。 即使是日韩这样的发达国家，本土电影也只是依靠一些接地气的影片来维持生存，比如日本的动画片、电视剧片，比如韩国的谍战片、黑帮片、情色片。
只要美国大片一上映，基本上纷纷躲避。 香港电影与日韩相比，其本土市场的狭小，在大片时代的严重不适应，是一个致命的原因。 而香港电影，要想接上大陆的地气，很难很难。
希望能帮到你
曾经辉煌的香港电影走向没落，是什么原因？下面我们就来分析下。
香港电影断代十分严重，最为辉煌的一代现在已经都是50多岁60岁的人了，这部分人现在还能撑起香港电影的一片天，但是这部分人终于有一天是会老去的，至少在十年左右会慢慢淡出 娱乐 圈、电影圈，一旦这部分人淡出，那么香港电影圈中我实在想不出还有多少人能够撑起这偌大的市场。
现在我们看香港的电影，就本上都是一些老面孔，年轻一代基本上没有什么特别优秀的人物，对此我对香港电影的继承问题十分担忧，断代现象十分严重，新一代难以崛起。随之而来的就是老一代老去之后，香港电影就真的走向没落了。
即使你们不相信，但是内地 娱乐 圈正在崛起，虽然产出的作品参差不齐，但是有点我们必须的承认，那就是内地电影市场并没有出现断代的问题，无论是老一代还是中生代又或是年轻一代都是在蓬勃发展，虽然现阶段还是有很多很多的问题，但是就是这样有问题的电影人，源源不断的支撑起这个电影市场。
最后：香港电影的没落，会让更多的内地电影人进入香港电影圈中，或许后面香港电影圈要靠内地无数年轻电影人去支撑了
总结说一句：香港电影圈的没落已经是肯定了，短时间内基本上很难再回到正常水平，至于说再次回到巅峰，基本上是没有多少机会了，就现在的电影市场，香港电影很难再一个时期内诞生这么多优秀电影人了。
香港电影黄金时期，可谓是是百花齐放，各种类型的香港电影层出不穷，全部都是一流水准，哪怕和今天的电影相比，仍然是有过之而不及，比如大家都熟悉的英雄本色、五福星系列、逃学威龙系列等。
但是香港电影到了1995年以后就开始慢慢的走下坡路了，特别是到了2003年更是到了香港电影界最黑暗的一年，除了经济低迷的原因之外，好莱坞电影的崛起也是一个很重要的原因，特别是香港两位重量员的逝世，就是张国荣和梅艳芳，对香港电影更是雪上加霜。
第1个最根本的原因就是资金问题，因为那一些粗制滥造的电影想要回收成本，基本不可能也无法投入到新的电影当中拍摄，外商在向外寻找新的派出市场，香港的经济也受到了冲击。
第2个原因就是香港演员本身青黄不接，想一下以前香港电影有多人，周星驰、周润发、成龙等，现在香港演员好像都拎不起来，都没有几个能称得上台面的。
第3点最重要的原因就是国外电影行业的崛起，特别是好莱坞，比如1997年泰坦尼克号获得了21亿美元的票房，而香港全年的票房却只有4500万。
香港电影的海外票房也在逐渐的败退，本土的市场也在受到了排挤和挤压，在国外电影市场蓬勃发展的同时，香港电影确实停滞不前乃至在退步。
最后一点原因就是人们喜好的改变，经济与发展的同时，人们对于电影的期望也发生了改变，更加追求高制作高新颖的电影，比如美国的那种科幻大片。
香港电影曾经的确是辉煌过，几乎每天都有新电影上映，一个二流演员，每天都要跑十几个剧组拍戏，因此也成就了不少演员，明星。到了1997年之后，到了21世纪，香港电影开始走下坡路，这是为什么呢？
第一点：我觉得以前的香港电影大多是在讲故事，艺术来源于生活，电影剧本也都是根据真实故事、人物事迹来改编的。香港的环境不同，所以很多电影题材都可以上映，所以香港电影产量很高。不过呢，题材虽然很多，但也会走到黔驴技穷的地步，电影编剧们的创作灵感也会少很多了。
第二点：大陆的电影市场崛起，成为香港最大的竞争对手。同时，大陆市场更是香港电影工作者，演员们向往的地方，毕竟市场大，钱更多。香港大牌演员，老戏骨纷纷北上发展，也导致香港电影的没落，有好剧本，也不找不到好演员来演。
第三点：年轻一代的演员，在演技方面完全无法超越前辈们，因为以前的演员是靠演戏吃饭，演得好，才会有更多工作。现在的演员呢！公司可以打造，会不会演，会不会唱都无所谓，只要你漂亮。这样一来，到了看脸的时代，剧本、演技都不被看中，老一辈演员根本又不会去接烂片。
不过，总得来说，就是香港电影题材无法创新了，即使创新，也要面临审查，所以收到了诸多限制。
首先，香港电影经历了从上世纪60年代到80年代约三十年的辉煌之后，从90年代起到现在一直在衰落，当然，我们要限定一下，在这里只考虑商业片。在肯定这个事实的前提下，我就总结一下香港电影的衰落，之所以称为总结 是因为，我本身对于这个问题非常好奇，就在各地找了大量的评论，经过认真的阅读之后，便将介于主流和边缘的、但是比较符合事实情况的观点剥出，并用上所有先人们的论据，得出此文。
天时、地利、人和皆备
首先说香港电影三十年辉煌的原因，这一小节从外部原因讲。一个国家或者地区电影产业的发达程度与所在地经济、 社会 环境密切相关，好比现在的大陆电影，绳索太多、限制过死，自然发展困难。
而六十年代的香港是什么景象呢，经济开始起飞，商贸逐渐繁荣，人口迅速增加，文化日益多样，地区影响力迅速崛起，是不是看着像高中 历史 课本，对，就是这样，在这种环境大背景下，加上以邵氏电影公司为代表的商业资本投资电影产业，香港电影业在获得了充裕资金的滋润后，迅速崛起，不论是产量还是质量在当时的年代都是亚洲领先的。香港一度成为好莱坞之后世界第二大电影产地，并在东亚、东南亚国家建立了自己独有的影响力。
接着，为什么香港电影就在东亚和东南亚就势如破竹呢，这就是当时这些国家的国情决定的，日韩在相当长的一段时间里没有形成有规模的电影产业，而东南亚国家的实力说实话来讲离香港差了点，首先经济起飞时间就晚了十年。
并且东南亚大量的华人也为香港电影的快速及普遍的接受提供了可能。
人和呢，就不用说了，以小龙为代表的几代电影人（包括演员、导演、编剧等等）的实力直到今天来看仍是空前的。
武侠、动作片一统江湖
这里就不多说了，主要就是香港电影在当时以邵氏电影为代表的武侠片、功夫片的 娱乐 性、观赏性已经能够满足香港及东南亚的大部分观众的观影要求，毕竟以好莱坞为代表的西方大片还没有进来，可以说，大部分的观众的眼光要求还不高。
刀光剑影、鬼哭神嚎的注定不长久
接着第二小节，问题随之就出来了。刀光剑影、鬼哭神嚎的香港电影在纵横了三十年的江湖之后，终于发现观众开始不买账了，电影吸引力不管是在香港本土还是在海外都开始急剧下降了。
为什么？很多人说了很多的外部原因，这些外部原因我会在下一个小节全部列出，但是我想在这里重点说的是是香港电影的内部原因注定会给港影带来这样的后果。
哲学讲内因决定外因，用在这里特别恰当。我在上面已经说了
电影仅仅是形式，吸引人的是新鲜。现在香港有的，全国都有，包括顶级富豪。以前电影是烧钱的 游戏 ，下海的不多，现在门槛降低，不易垄断。互联网时代，玩法变了，发行方式改变。
Ⅶ 好莱坞最主要的三个历史时期是
好莱坞电影自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位，时至今日已成为世界电影工业的霸主，活跃于世界的每一个角落。纵观好莱坞发展史，好莱坞电影美学风格在上世纪的六、七十年代有一次较大的变化，在此之前可以称为经典好莱坞时期，而之后则可成为新好莱坞时期。 第一次世界大战结束以后十年中间，对于美国电影而言，乃是一个征服全世界的兴盛时期。外国影片在美国两万家电影院的上映节目中已经完全消灭。在世界各国，美国影片占着上映节目60～90％的优势，每年约有两亿美元被用来生产800多部影片。电影方面的投资超过15亿美元，这样大的资金使电影事业在美国成了一种大规模的工业，在资本上可以与制造汽车、罐头、钢铁、石油、纸烟这些美国最大的工业相比拟。派拉蒙、劳乌、福斯、米高梅、环球这些大制片公司，支配着影片的生产以及全世界影片的上映和发行。它们和华尔街的金融巨头如柯恩·洛埃伯银行、通用汽车公司、杜邦·德·奈莫尔、摩根、洛克菲勒等密切地结合在一起。 自从格里菲斯失势之后，金融资本家所重视的已不是导演，而是电影明星。后者成了制片公司的一种工具或者商标。从这时起，影片的真正主人是制片人，也就是那些被华尔街的银行家所赏识与选定的企业家。电影导演和照明技师、摄影师、布景设计师一样，只不过是每周领取一定报酬的受雇者而已。制片人利用解除合同这种暗中威胁的办法，把导演过去所掌握的大部分实权，如对主题、明星和技师的选择、剧本和蒙太奇的仔细推敲、布景和服装的监督等等，全部夺取过去。 这样一来，制片人便成了决定艺术成败的一切因素的主人。他最关切的乃是怎样多赚钱，他的董事会也只根据影片的利润率来估量他的价值。因此摄制影片完全以票房收入为指导原则。他们对独立的影评家的评论，满不放在眼中，而事实上，这种影评在美国当时可说几乎全未存在。 但制片人自己只在幕后指挥一切。在好莱坞露面的乃是电影明星，而“明星制度”也成为好莱坞征服世界的基础。观众对电影明星的崇拜是用几百万张签名的照片来维持的，广告和宣传在这些偶像周围创造一种传奇的气氛。明星的恋爱、离婚以及他们所使用的化妆品、住宅、他们喜爱的动物，在某些国家成了一般人关心和津津乐道的题材。“明星制度”甚至使鲁道夫·范伦铁诺、玛丽·璧克馥、道格拉斯·范朋克、格洛丽亚·史璜逊、华莱士·雷德、约翰·基尔伯特、梅·茂莱、瑙尔玛·塔尔麦琦等人变成了真正被崇拜的偶像。 一些有名的宗教团体对这种竞争深感不安。清教徒对好莱坞展开了一起起攻击，这些攻击又因一些明星丑事的传播（如：华莱士·雷德因吸毒和酗酒而身死，某一舞女在有胖明星亚布克尔参加的一次宴会上遭到了谋杀，以及某些明星曾犯谋杀或因恋爱犯罪等等），而变得更加猛烈。 此时资本家成立了一个名叫“美国制片人与发行人协会”的机构，这个机构是由一个虔诚的清教徒、共和党领袖威廉·海斯负责组织起来的。按照海斯的说法，电影变成了旅行商人，“商品跟在影片后面，凡是美国影片深入的地方，我们一定能够销售更多的美国货物”。 当好莱坞了解到这种国际使命时，美国某些明星扮演的人物也发生了变化。道格拉斯·范朋克在“三角影片公司”时曾幽默地扮演一个强壮、天真、乐观、为女人所喜爱的美国英雄，但到后来却在墨西哥的《佐罗的标记》、法国的《三个火枪手》、英国的《罗宾汉》、东方的《巴格达窃贼》及《黑海盗》中变成一个不可战胜的大力士，一个无所畏惧和无可指责的骑士和保卫正义而且总是获得胜利的人。随着年岁的增长，范朋克日益喜好巨大的布景、极端的豪华和神秘的力量。 拒绝把自己附属于明星的导演为数可说极少。随着好莱坞的建立，电影先驱人物不是日趋没落就是销声匿迹。托马斯·英斯已经故世；麦克·塞纳特虽然还在继续摄制一些优良的作品，但他的声誉却并未因此增长；至于格里菲斯此时则正在逐渐走下坡路。标志格里菲斯登峰造极的作品，在美国乃是他的《一个国家的诞生》，在欧洲乃是他的《被摧残的花朵》，在电影艺术方面则是《党同伐异》。但是，商业上的失败终于注定了格里菲斯的悲惨命运。这位被列入制片厂黑名单的伟大艺术家，在他以后残余的二十几年生命中，再也没有机会导演一部影片了。好莱坞的拜金主义把它的创始人都毁灭了。 格里菲斯的没落，正好和西席·地密尔的兴隆形成鲜明的对照。后者的庸俗的商人气息和浮夸的作风，成了好莱坞影片四十年以来的特征。他拍了各种样式的影片，从浮华喜剧《男性和女性》和其他由格洛丽亚·史璜逊主演的影片，一直到场面豪华的反苏宣传片《伏尔加的船夫》和反对无神论的闹剧片《不信上帝的少女》（片中有对儿童监狱的杰出描写），凡是能够赚钱的影片，他都加以摄制。地密尔最成功的作品是一些带有浓厚游艺场气氛的大型片，在这些大型片中，地密尔除了取材于圣经上的故事以外，还加进了一些色情的描写。好莱坞给他一笔格里菲斯所得不到的资金来摄制场面浩大的影片《十诫》和《万王之王》。地密尔由于承袭了意大利电影的老传统，结果成了最能卖座的商业性影片的导演之一。弗莱德·尼勃罗模仿他的例子，替高德温和梅育拍了一部叫做《宾虚传》的巨片，这部影片花去了600万美元的摄制费，虽然风行一时，可是收入却不过400万美元。 好莱坞这个骤然之间交了红运的城市，具有暴发户们的那种低级趣味，他们建造的豪华的别墅，硬把罗马的露天剧场和洛可可式的堡垒，天主教的大教堂和摩天大楼结合在一起。这种建筑上东拼西凑的夸张趣味连同那种说教式的象征趣味，在根据勃拉斯哥·伊巴涅兹的原作改编的影片《启示录四骑士》里表现得最为突出。这部由雷克斯·英格兰姆导演、使范伦铁诺因此成为明星的超级影片在上映收入上打破了纪录。英格兰姆在其他影片中——例如在无声电影末期他将结束电影生涯时在尼斯摄制的那些影片中——也显示出这种讲究形式的作法。 好莱坞在成为国际上的强大势力以后，它摄制的题材也变成国际化了。在它最卖座的无声片中，以美国为背景的为数很少。在这些影片中，只有詹姆斯·克鲁兹导演的那部极著名的《篷车》直接取材于美国历史，是一部歌颂开拓西部地区者的史诗。 西部片由于托马斯·英斯和W．S．哈特的功劳，曾提高到艺术的水平，但此时的西部片，除了象约翰·福特的《铁骑》这样极例外的影片以外，又变成了一种廉价影片的同义语，由一些专门迎合平民观众的导演和无名的演员粗制滥造地摄制出来。美国电影这种“失去本国特性”的倾向成了极其普遍的趋势。亨利·金虽然还能按照托马斯·英斯和格里菲斯的传统，导演了一部完美的、描写美国地方生活的影片《孝子大卫》，可是人们不但不鼓励他沿着这一方向前进，反而导使他去摄制一些流行的言情小说（如《史泰拉恨史》），或者象他以后在罗马摄制的那些影片那样，向着意大利那种场面巨大的影片方向去发展（如《罗莫拉》、《白修女》等）。 由于金融资本的国际联合、审查制度的严格、流行小说被有系统地搬上银幕、明星制度、专为卖座的打算和制片人的拜金主义这些原因，使得美国电影艺术日趋贫乏，这种贫乏和物质的丰富相形之下，显得更为突出。但美国电影中至少还存在着一个作品丰富的喜剧学派和几部例外的作品，这些影片几乎都是由外国籍的导演摄制出来的。莱昂斯·彼雷给美国人培植了对浮华喜剧的爱好，加斯尼埃则是系列影片的创造者之一。除这两人以外，还可以举出肖塔尔、阿尔倍·卡普拉尼，以及协助卓别林导演《巴黎一妇人》的阿巴迪·达拉斯特。 1920年以后，好莱坞为了打倒它的竞争者，大量吸收外国籍的优秀导演和演员前往美国。 莫里茨·斯蒂勒带着葛丽泰·嘉宝来到美国。但他专门为从德国来的演员波拉·尼格丽和强宁斯导演影片。他导演的《帝国旅馆》和《罪恶之街》这两部影片，无论在艺术上或商业上来说，都不是很成功的作品。与斯蒂勒相反，嘉宝在美国却大走红运。这位著名的女悲剧演员，确实是好莱坞一棵摇钱树，同时也给好莱坞的摄影棚带来了艺术。广告宣传使嘉宝成了传奇式的人物。她所主演的影片片名本身就具有一种宣传性质，如：《诱惑的女人》、《肉与魔》、《仙女下凡》、《神秘夫人》、《野兰花》、《接吻》等等。她在传奇式的故事中表现了历史上最著名的多情女子。 除了嘉宝以外，斯堪的纳维亚半岛的移民，对好莱坞几乎没有带来什么贡献。但从德国来的移民，特别是斯特劳亨、刘别谦、冯·斯登堡，却对美国电影有很大的贡献。欧洲电影的示范作用，使几个美国导演倾向于摄制一些艺术性超过商业性的影片。他们之中有几个确实达到了艺术的水平。有声电影兴起的前夕，美国出现了一批有才能的新电影导演，这些导演在某种程度上开始接替了先驱者的地位。 好莱坞在它历史上最繁荣时期，它的电影先驱者和欧洲最伟大的电影艺术家，与其说是加以利用，毋宁说是加以排斥。随着好莱坞的世界霸权的建立，它大部分生产就陷于毫无意义和追求豪华场面的停滞局面。 1927年10月23日，阿兰·克劳斯兰德摄制的有声响、对白和歌唱的《爵士歌王》的第一次上映，标志着电影已进入了它的历史的一个新时代。有声技术的运用使电影中复杂的叙事与流畅的对话成为可能，这一切促成了经典好莱坞电影浓重的戏剧化风格。同时这种风格也符合当时的制片厂制度。由好莱坞巨鳄麦克•塞纳特创造的制片厂制度客观上要求电影必须以迎合最广大观众的审美需求为目标，而传统的被大众所熟悉的戏剧化美学观显然是最好的选择。类型电影在这样的背景下应运而生。这些被克拉考尔称为迎合观众“深层集体心理”的影片，通过程式化的情节、类型化的人物，迅速占据了观众的视野，科幻、歌舞、犯罪等形式的类型片得以在世界影院中大行其道。 西部片作为最“美国化”的类型片在经典好莱坞时期占有重要的地位。西部片颂扬、推崇那种粗犷的个人主义和适者生存的精神，体现着善必胜恶的道德理想，因而在美国影坛上长盛不衰。弗雷德•金尼曼拍摄于1952年的《正午》就在很多方面体现了西部片的特征，或者说是体现了经典好莱坞时期影片的特征。 然而，《正午》虽然在很多方面有着经典好莱坞的影子，但它决不算是一部地道的经典好莱坞电影。事实上这部拍摄于1952年的影片在好莱坞发展史中扮演着新旧两时期转折点的角色。《正午》中最明显异于传统好莱坞影片的莫过于对凯恩这个形象的塑造。传统西部片中的英雄形象往往代表着绝对的正义与公理，而凯恩在影片中却处在一个尴尬的境地。由于小镇居民不肯帮助这个曾经保卫他们的警长，使得凯恩的对立方不仅是恶棍，甚至还包括了小镇居民。影片对凯恩作了大量的心理描写，他开始思考自己的立场与行为，思考自己的何去何从。《正午》中塑造人物避免了过于类型化，对以往的警长形象也有了一定地颠覆，影片还放弃了西部片一贯的大团圆结局，选择了凯恩扔掉警徽离开小镇作为结束，增强了故事的客观性。 《正午》拍摄于1952年，而这恰是好莱坞黄金时期刚刚结束的时间，好莱坞随之进入了一段困顿的低潮期。直至上世纪的六、七十年代，随着西方社会后工业化、后社会化的愈演愈烈，新的社会艺术思潮泛滥。这些新思潮激荡着人们的思想，改变了人们对于艺术的欣赏取向和接受程度。电影的观众群体也发生了变化，经典好莱坞时期电影的风格已不能满足他们的观影需要了。四十年代的意大利新现实主义运动和五十年代的法国电影新浪潮冲击和影响了当时的美国影坛，加速了好莱坞电影的变化。于是以亚瑟•佩恩的《邦尼与克莱德》为代表的一批“新式”的影片应运而生，也拉开了新好莱坞时期的序幕。 新好莱坞时期描写人物的典型手法是，影片中的主人公不再是善恶分明的类型化人物，而是具有更加复杂的内心世界。新好莱坞注重人物的立体化与心理化，增加了影片的层次与深度。新好莱坞电影的叙事特点，即在继承好莱坞善于讲故事传统的基础上，将影片的故事纳入到广阔的社会背景中，为影片融入真实性与社会性，使好莱坞电影较之以前更加具有社会意义与深度。 新好莱坞电影还受到欧洲电影的深刻影响。商业电影艺术化、艺术电影商业化成为这一时期电影发展的一个趋势，许多欧洲艺术电影的处理方法被用于好莱坞电影中。 从经典时期到新时期，电影在好莱坞这块土地上经历了半个世纪的演变，无论是故事结构还是人物形象或是观念意识，都发生了巨大的变化。经典好莱坞时期的一套手法在当代已不能满足观众的需要，而更善于适应社会时代需要的新好莱坞电影却悄然占据了观众的视线。 从70年代到80年代的过渡时期，新好莱坞完成了自己的使命。近10年的时间，美国每年生产200部左右的影片，电影与电视争夺观众的竞争已达到平衡。电影保持着10到12亿的观众，并且有了自己的越来越广阔的海外市场。据1993年的统计证实，美国电影国内票房收入达52亿，发行收入26亿。视听产品的贸易顺差仅次于飞机制造出口业，为美国第二大行业。在全年世界银幕上上座率最高的10O部影片中美国影片占88部。 好莱坞电影通过自身的调整完成了向后工业时代的过渡，至今仍雄踞世界电影工业金字塔的顶端，显示出其强大的生命力。通过对好莱坞的全面考察，有助于我们对日常生活中电影的思考，有助于我们对自己的民族电影的判断。对一般观众来说，可以作为娱乐方式看待好莱坞电影；对电影创作者来说，可以学习好莱坞式商业电影独特的艺术形式的规则；对于制片人来说，可以从好莱坞式的商业规则中，学习好莱坞的电影理念和运作方式；而对理论家来说，可以通过对好莱坞特性的认识反思的历史和问题。考察好莱坞的电影史对于中国电影产业的发展，不可不说是有所裨益。
Ⅷ 《极速车王》：论黑福特，这部电影是认真的
2020年2月，《极速车王》获得第92届奥斯卡金像奖最佳剪辑、最佳音效剪辑奖。在豆瓣上，它的评分高达8.5。
基于此，不少观众在影片的渲染下都会认为福特的高层是一群蠢猪，如果没有这个荒谬的指令，迈尔斯将成为历史上第一个同年连续赢得戴通纳24小时、赛百灵12小时和勒芒24小时耐力赛冠军的车手，这是何等的荣誉。然而，福特为了自己的利益，中止了它。
写在最后
不可否认，电影当中的福特有些让人讨厌，特别是高层的一些做法令人唏嘘，但实际上，这只是艺术加工的一部分，大家不必过于追究。对于世界汽车工业而言，福特是浓墨重彩的一笔，而这场福特与法拉利的恩怨情仇，以及卡罗尔·谢尔比与肯·迈尔斯的传奇故事，才是我们应该去铭记的。
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